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• Artista:  Adrenaline Mob
• Sello:     Mp4 Productions
• Año:       2.012
• Estilo:    Metal alternativo, nu metal, heavy metal, stone rock

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CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 7/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 6/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 6/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 2/10
• PUNTUACIÓN: 6,3/10

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CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 6/10
• Nivel de feeling: 7/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 8/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 10/10
• PUNTUACIÓN: 7,75/10

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PUNTUACIÓN TOTAL: 7/10

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    Si hace unas semanas os traíamos la crítica del debut del supergrupo Unisonic, hoy hacemos lo propio con el otro gran supergrupo de este 2.012: Adrenaline Mob. Al igual que la vez anterior, analizaremos el E.P. que ha servido de presentación mientras esperamos recibir la copia del álbum que ya está a la venta. Todo sea dicho, aunque este E.P. no aporte nada al disco completo y sea presentado con un libreto de lo más cutre, siempre habrá fans que lo quieran conseguir por medios legales, y en este caso la banda no ha facilitado la labor ya que únicamente se puede adquirir en los conciertos o bien a través de la web oficial de Mike Portnoy.

    La aparición de Adrenaline Mob fue toda una sorpresa. Tras la marcha de Portnoy de Dream Theater y la “no renovación de contrato” por parte de Avenged Sevenfold, se empezó a hablar de un proyecto que le uniría a Neal Morse y Steve Morse. Sin embargo, Adrenaline Mob pareció surgir de la nada. Se comenzó a presentar este nuevo grupo y de repente, cuando nadie hablaba ya del proyecto junto a los Morse, va y aparece a la venta el debut de Flying Colors (Mike Portnoy, Dave LaRue, Neal Morse, Casey McPherson y Steve Morse), y se va a embarcar en una larga gira por Asia y Europa en otro proyecto sin nombre aún ni disco propio formado por Billy Sheehan, Tony MacAlpine y Derek Sherinian. Vamos, que no hay duda alguna de que el 2.012 está siendo (y no aparenta que la situación vaya a cambiar) un año frenético para Portnoy. 

    Pero no nos vayamos por las ramas; Adrenaline Mob está formado por Portnoy a la batería y la percusión, Russell Allen de Symphony X a las voces, Mike Orlando a la guitarra solista, Rich Ward a la guitarra rítimica y Paul DiLeo  al bajo. Referente a estos dos últimos, pese a grabar ambos discos, ya no están en la banda, habiendo sido DiLeo sustituido por John Moyer de los Disturbed y Orlando encargándose de todas las guitarras en los directos. Respecto a este último, no es un músico conocido en Europa, pero en ya tiene dos discos en solitario y en varias ocasiones ha sido incluido en el “top ten” de mejor guitarrista del año por los redactores de la clásica revista Guitar Player Magazine.

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    Por el momento, lo que es muy evidente tras la escucha de estos cinco temas es que el que espere un despliegue de técnica y recursos por parte de Portnoy, mejor que escuche otra cosa (posiblemente su otro proyecto anteriormente mencionado, los Flying Colors). En esta primera toma de contacto no hay nada progresivo o fusionero, todo lo contrario: estamos hablando de metal alternativo. Si bien el término correcto debería ser nu metal, es cierto que esto recuerda más a las bandas de metal que incluyen muchos elementos electrónicos o industriales, al estilo de  Fear Factory o Static-X. Aquí no hay nada de eso, aunque también es cierto que el término metal alternativo alude también a bandas como Korn o Drowning Pool con las cuales Adrenaline Mob tampoco tiene nada que ver. ¡Dichosas etiquetas! En fin, tendríamos que irnos a los comienzos del nu metal, cuando los mencionados se mezclaban sin problemas con Clawfinger, Faith No More o Pantera y no había tanta diversificación. Es con estos últimos con quien deberíamos emparentar a Adrenaline Mob, por contundencia, por agresividad,  por… “machaconismo”  y por tener ese sonido moderno totalmente opuesto a los clásicos tipo Maiden o Priest.

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1.- Psychosane. Comienzo salvaje. Russell Allen en permanente modo heavy. Doble bombo continuo por parte de Mike Portnoy. Y Mike Orlando tocando unas rítmicas durísimas sin la necesidad de emplear guitarras de siete cuerdas, y con la influencia evidente de Diamond Darrell, en especial por los armónicos pinchados que van sonando entre riff y riff. Habría que destacar el rápido solo que termina con una vacilona línea tocada con talk-box.

2.- Believe me. Bajamos un poco de tempo pero no de intensidad. El toque Pantera sigue ahí, sobre todo con la entrada de Allen. No obstante, la canción ofrece una concesión a la comercialidad en los estribillos y en un solo muy melódico, acercándose en cierta manera a los temas más potentes y menos progresivos de los Symphony X. La mezcla y las partes de guitarra más tranquilas permiten que aflore el bajo de John Moyer, con un sonido muy grueso. 

 3.- Hit the wall. Comenzamos con un riff de guitarra y una compleja batería que acerca la composición más a terrenos progresivos que lo escuchado hasta ahora. Allen canta en el registro metalero que le conocíamos con muchos más matices que lo escuchado hasta el momento. El solo de Orlando es el más acelerado de todos los del disco.

4.- Down to the floor. Unas monótonas y machaconas guitarras y baterías inician una canción bastante diferente ya que se aleja del metal para acercase al stone rock. El estribillo es muy coreable y el solo de Orlando demuestra que no es sólo una bestia técnica sino que sabe conjugar melodía con carreras por el mástil. Sin duda es el tema más radiable del disco.

5.- The Mob rules. Un divertido riff de guitarra inicia una composición que se aleja del metal moderno, pero a diferencia de la anterior, se acerca más al metal de toda la vida, y es que de hecho, se trata de una versión de Black Sabbtah. Los fans de Judas Priest estarán de enhorabuena, ya que lo acelerado de la versión, la voz, e incluso los solos de guitarra (que parecen haber sido tocados por Richard Faulkner) recuerdan mucho más a los Priest que no a Sabbath. 

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    Como ya observamos en la crónica del E.P. de Unisonic, Adrenaline Mob han optado elegir en este adelanto los temas más potentes. Ello hace que apenas haya diferencias estilísticas entre los cinco, salvo las aproximaciones al heavy clásico o al stone rock. No hay mucha diferencia entre ellos y si bien, funcionan y se disfrutan en este E.P., un larga duración con diez o doce temas iguales acabaría por ser aburrido.

    En cuanto a los músicos, daríamos un suspenso a Allen. Cierto es que estas composiciones no admiten muchas florituras, pero incluso los temas más bestias de Symphony X incluyen más matices vocales que los aquí demostrados. A John Moyer le daríamos un suficiente ya que pese a que la mezcla no le da mucho espacio para destacar, cuando lo hace escuchamos un bajo que cumple con su cometido rítmico pero sin aportar nada más. Notable sería la manera de tocar de Portnoy. No hay ritmos muy complejos, ni continuos adornos, ni la locura progresiva que muchos esperaban, pero demuestra que sabe bajar de revoluciones, simplificar su manera de tocar y como resultado, sonar aún más potente y contundente. A quien otorgaríamos un sobresaliente es a Mike Orlando y eso que tampoco es un dechado de originalidad: rítmicamente está muy influenciado por Diamond Darrell y en los solos parece que escuchemos todo el rato a Zakk Wylde -excepto en la última canción, que recordaba a Richard Faulkner-. La gracia del caso es que aparte de contar con la agresividad y lenguaje de Wylde, Orlando lo adereza con una mayor velocidad y (aquí está la gracia del asunto) con más del 50 % de notas tocadas a palm muting, lo cual no es tan habitual, en especial cuando lo hacemos en las cuerdas más agudas. Una bestia técnica que apunta buenas maneras en cuanto a creación de solos, como demuestra en el tema “Down to the floor”.

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    Por último, otros aspectos negativos estarían en el sonido final del disco; pese a sonar potente y con una mezcla equilibrada, le falta algo a la masterización. Un punto de brillo habría estado mejor, ya que por momentos suena apagado. Y el asunto del diseño del diseño del libreto, portada y fotos interiores -que son las que acompañan este artículo- son realmente de una calidad muy pobre para los músicos de los que estamos hablando.

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    Un resultado con algunas deficiencias y unas composiciones potentes y cañeras, pero monótonas y alejadas del progresivo que uno esperaría de Allen y Portnoy (lo cual no es necesariamente malo). En cuanto podamos, os traeremos la crítica del disco completo. 

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    Ya lo hemos comentado en muchas ocasiones pero aún así es muy difícil de acostumbrarse a ello: los mitos de la música no son dioses, son humanos que envejecen, y todos ellos -en cualquier género existente- tienen una edad más que respetable.

    Este 2.012 está siendo especialmente aciago; ya se nos han ido entre otros, Ronnie Montrose y Jim Marshall (leer obituarios aquí, aquí y aquí), y por desgracia ahora tenemos que sumar tres nombres más a la lista.

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    Este 17 de mayo, Donna Summer, la eterna reina de la música disco falleció de un cáncer que arrastraba desde hace años, y que sin embargo, no le impedía mantener un buen nivel de trabajo. De hecho, tenía material en parte compuesto y en parte grabado para completar sus próximos dos discos, y sus representantes acababan de cerrar una inminente gira por Chile.

    Aunque desarrollara su carrera bajo las premisas de una música tan frívola y (en ocasiones) prefabricada como la música disco, la base de su estilo estaba en el soul, el jazz y el gospel, ya que su familia era devota cristiana y creció cantando en coros de iglesia. No obstante, y aunque pueda sorprender, una de sus primeras influencias fue Janis Joplin, a la que intentó parecerse formando el grupo de rock psicodélico The Crow. Tras terminar los estudios, partió a Nueva York para audicionar en el musical “Hair”, papel que finalmente no obtendría; pese a todo, cuando la obra giró por Europa fue contratada para el mismo papel, lo que hizo que residiera varios años en Alemania, se casara y donde -en 1971- lanzara su primer single solista.

   En Alemania conocería a los célebres productores Giorgio Moroder y Pete Bellote, bajo quienes grabaría sus primeros discos y la lanzarian al estrellato mundial. Su éxito se basó en mezclar una iconografía y una presencia muy  sexual junto a una gran dosis de glamour. La música, pese a estar orientada a las pistas de baile era bastante rica en estilos, y tocaba desde el pop (“She works hard for the money”), el rock (“Hot stuff”), el pre-tecno (“I feel love)” o el funky (“Last dance”), y además lo combinaba con unas letras en ocasiones crudas y realistas -como en su clásico “She works hard for the money”-.

    Durante los 70 y los 80 reinó y se disputó la corona de la música disco junto a  Gloria Gaynor, pero los 80 y los 90 vieron nacer a una serie de cantantes, como Madonna, Kilye Minogue o Britney Spears que las dejaron en un segundo plano, aunque nadie les puede quitar su status de pioneras.

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    La siguiente noticia es la del fallecimiento de Robin Gibb de los Bee Gees. Con esta muerte, la desgracia se ceba una vez más en una familia en la cual existió un talento musical fuera de lo común. Maurice, mellizo de Robin murió en 2.003 a causa de problemas intestinales agudos. Andy, cuarto hermano e ídolo del pop en los 70, y que nunca perteneció a los Bee Gees -pese a colaborar con ellos en diversas ocasiones-, también marchó en el 88 con tan sólo 30 años, debido a una enfermedad cardíaca. Ahora se les une Robin, quien ha muerto este pasado domingo 20 a la edad de 62 años debido al cáncer de cólon que padecía desde 2.010.

    Al igual que con Donna Summer, los cuatro hermanos Gibb procedían de un ambiente familiar proclive a la música -su padre era baterista- y desde el primer momento se les animó a cursar estudios musicales. Con Andy decidiendo volar en solitario, los tres hermanos fundaron los Bee Gees, y la fama, primero en Australia y luego en el resto del mundo, les vino desde el primer momento. Si Summer y Gaynor se convirtieron en la bandera femenina de la música disco, sin duda que los Bee Gees fueron sus alter ego masculinos. Mezclando funky, pop, sonido Motown, jazz y unas reconocibles voces hiperagudas, reventaron las pistas de baile durante veinte años. Aunque a partir de los 90 comenzó un cierto desinterés en su música por parte de las nuevas generaciones, la eterna inclusión de música del grupo en cientos de recopilaciones, las continuas reposiciones en televisión de la película “Saturday night fever” (“Fiebre del sábado noche”) y su labor como compositores y productores han permitido que el nombre de los Bee Gees no haya caído en el olvido.

    Robin Gibb deja un legado de casi 30 discos con sus hermanos y 7 en solitario.

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    Ya para finalizar, hablaremos de Donald “Duck” Dunn, mítico bajista de rock and roll, r&b y blues.

    Dunn, originario de Memphis, no tuvo la suerte del apoyo familiar de Robin Gibb, lo cual no impidió que durante los años de instituto formara su primera banda en la que trabaria amistad con el guitarrista Steve Crooper, y al que permanecería unido profesionalmente casi toda su carrera.

    Dunn y Crooper entraron a formar parte del plantel de músicos del legendario sello Stax/Volt. Junto a Crooper y el batería Don Nix (también perteneciente a Stax/Volt) y varios músicos más formarian el combo de blues, rhythm & blues y soul Mar-Keys. Si bien esta formación tuvo un temprano éxito en el circuito local, tras tres años de agotadoras giras sin levantar cabeza y con muchas deudas, el grupo se disuelve y Dunn pasa a formar parte de la plantilla de una discográfica rival. Sin embargo, al poco tiempo Stax/Volt decide crear su primera “corporate band” formada por músicos de su propia plantilla y realiza una enorme inversión publicitaria. El resultado fue la banda de funk y soul instrumental Booker T. & The MG’s, una de las grandes bandas de la historia del funk y miembros del Rock & Roll Hall of Fame. Dunn retornó al sello y se incorporó como nuevo bajista cuando el grupo llevaba tres años de existencia.

    Tras casi veinte años y diversos discos grabados Stax/Volt quiebra y con ello los Booker T. & The MG’s deciden tomarse un descanso. Dunn inicia entonces una carrera prolífica como productor y músico de sesión, convirtiéndose en el toque de prestigio que todo gran artista necesitaba incorporar a sus grabaciones, y hablamos de artistas de la talla de Isaac Hayes, Elvis Presley, Muddy Waters, Eric Clapton, Diana Ross, Rod Stewart o The Manhattan Transfer. Sin embargo, lo que le daria fama mundial sería la incorporación en los 80 junto a su amigo Steve Crooper en The Blues Brothers, un grupo creado por los actores cómicos John Belushi y Dan Aykroyd. Estos tenían una sección en el programa Saturday Night Live desde el 75 hasta el 79 y entre chistes y bromas rendían tributo a la música negra americana y tocaban temas con la banda de dicho programa. Lo que comenzó como una broma acabó convirtiéndose en algo serio: a la gente le gustaba en verdad los temas que sonaban en el programa así que Belushi y Aykroyd decidieron que The Blues Brothers tuvieran vida más allá del programa de televisión. Con Crooper y Dunn en la formación, The Blues Brothers hicieron giras exitosas, grabaron varios discos considerados de culto e incluso rodaron dos películas en las que Dunn también actuó como actor secundario.

    La carrera de Donald “Duck” Dunn siguió hasta hace poco, combinando sesiones con las reuniones ocasionales pero continuas de los Booker T. & The MG’s y The Blues Brothers (aunque sin Belushi ni Aykroyd, lógicamente),  hasta que  este pasado 13 murió de muerte natural a la edad de 70 años mientras dormía en un hotel de Tokyo, donde estaba realizando una gira por Japón.

    Con su muerte se va un músico afable aparte de un bajista con una excelente técnica, un tremendo groove y un sónido único.

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• Artista:  Andy Timmons Band
• Sello:     Timstone Records / Favored Nations Entertainment
• Año:       2.011
• Estilo:    Hard rock, rock, pop

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CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 7/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7,5/10
• PUNTUACIÓN: 7,9/10

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CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 7/10
• Nivel de feeling: 10/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 8/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
• PUNTUACIÓN: 8,25/10

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PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

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    Cuando uno se enfrenta a un disco de versiones, la valoración musical se hace más compleja. El versionador no ha creado nada y el trabajo duro ya está hecho. Pero la cosa se complica cuando el discípulo disecciona, deconstruye, se lleva a su terreno y otorga energías renovadas al original, y encima respeta su esencia. Llegados a este punto, ¿hay que valorar el resultado como una canción nueva o no? Si la versión ha dado tanto o más trabajo que el original, ¿tiene más mérito eso que intentar parir algo desde la nada? Andy Timmons se ha liado la manta a la cabeza y ha tenido el valor de meterle mano al legado de los de Liverpool. Esto tiene doble mérito, puesto que The Beatles son los máximos representantes del pop, así como The Rolling Stones lo son del rock y Elvis Presley del rock and roll. Y encima lo hace versionando de arriba a abajo uno de sus mejores discos, el “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band”.

    Es difícil afirmar si el americano ha conseguido hacer que nos olvidemos de los originales, puesto que algunas de sus melodías están grabadas a fuego en el ADN de los aficionados a la música, pero sí que ha conseguido llevar a su terreno todo el álbum y conseguir a la vez que los beatlemaníacos se sientan orgullosos y los aficionados al shred instrumental lo disfruten y no se lleven las manos a la cabeza ante tal sobredosis de estribillos comerciales y la ausencia total de desmadre metalero.

    El disco -aparecido en noviembre- viene firmado por segunda vez en la discografía del guitarrista como Andy Timmons Band: sus compañeros son -al igual que en las últimas giras- Mike Daane al bajo y Mitch Marine a la batería, y entre los tres se han encargado mano a mano del trabajo, ya que Andy les ha dado bastante margen de maniobra a la hora de encarar los arreglos. Las versiones se han hecho siguiendo escrupulosamente el original: o sea, las mismas canciones, duraciones similares y en su mismo orden. Sólo hay una variación, y es la de haber incluido una versión del “Strawberry fields forever”, tambien de los ingleses, pero incluida en el “Magical mystery tour”. El formato trío suena muy directo, con tan sólo una guitarra por tema, pero Andy Timmons es de los escasos guitarristas que son capaces de llenar una canción, con un sonido vibrante que da la sensación por momentos de que hay más guitarras (añadiría también a Eddie Van Halen y Nuno Bettencourt a esa escasa lista). Daane y Marine también están tremendos, y se nota la conjunción y buen rollo que hay entre los tres, tocando de manera que todo parezca fácil y fluido, cuando sabemos que esto no tiene nada de fácil.

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    A diferencia de la mayoría de reviews, no tiene mucho sentido analizar las canciones una a una; las melodías son de sobra conocidas y a la vez la banda ha llevado a su terreno todas las composiciones, de manera que suenan en verdad al estilo que ya conocemos y admiramos. En todo caso, comentaré algunos momentos más destacables.

• “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band” / “With a little help of my friends”. Magistrales adaptaciones que encima vienen empalmadas  de manera excelente.
• “Within you, without you”. Curioso el sonido a lo Steve Vai (deudor en cierta manera de los primeros tiempos del guitarrista) y el elevado uso de la palanca de vibrato, recurso poco usado en sus solos.
• “When I’m sixty-four”. Timmons sorprende con un sonido muy country que tampoco es usual escucharle.
• “Lovely Rita” / “Good morning, good morning”. Si no conocieramos los originales de The Beatles pensaríamos que son canciones típicas del ex Danger Danger, pero no es así, con lo cual aquí nos damos cuenta de la influencia que han tenido los ingleses en su formación musical.
• “Strawberry fields forever”. Aquí nos encontramos ante los momentos más rockeros y shredders de todo el disco, con un Timmons bastante desmelenado.

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    Resulta difícil encontrarle pegas al disco. Cumple su función de servir de homenaje a la vez que las dota de una identidad propia. Si hubiera que buscarle pegas, sería quizás el miedo a no ser fiel al original. Es decir, hay guitarra, pero teniendo en cuenta el formato trío, no hay demasiada guitarra. Y además, si en las canciones originales no había solos aquí tampoco los hay, con lo cual es posible que a algún fan del guitarreo le sepa a poco. Respecto a los fans de Andy Timmons, creo que no se sentirán defraudados ya que tenemos al Andy de siempre, solo que algo más contenido. Y los fans de The Beatles creo que pueden sentirse orgullosos de que uno de los guitarristas con más clase y elegancia del momento haya decidido rockerizar estos clásicos inmortales (tiemblo de pensar que habría hecho Malmsteen si se le hubiera ocurrido la misma idea).

    Lo dicho, un trabajo extraordinario que dota de una nueva vida a un clásico y que demuestra que puede hacerse un disco de guitarra instrumental que no canse y guste a casi todo el mundo.

    Os dejamos con unos videos que forman parte del making off del disco en el cual se explican algunos de sus secretos.

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    Edición vigésima con bastante variedad estilística, novedades y repaso de algunos de los próximos conciertos. Además recuperamos la sección Net Xperience de los nuevos valores con una banda curiosa y un proyecto dotado de una calidad tremenda.

    Aquí está el enlace del podcast del vigésimo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

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Programa # 20 – Temporada 15 – 14/05/12

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• Fear Factory: Zero signal (Demanufacture)
• Eric Sardinas & Big Motor: Too many ghosts (Sticks & stones)
• Marco Sflogi: Andromeda (There’s hope)
• Greg Howard: Blue ridge (Stick figures)
• SECCIÓN NET XPERIENDE: Chess: Limited company (Victoria)
• SECCIÓN NET XPERIENDE: Chess: The only one (Victoria)
• Tomatito: Porque tú lo vales (Aguadulce)
• Jane Getter: Loop (full-lenght version) (See Jane run)
• The Rosenberg Trio feat. Stephane Grapelli: Night & day (Caravan)
• Grönholm: Cross of mind (Silent out loud)

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    Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores (ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente), y las que se emiten dentro de la sección Guitar Classics (cuyo correspondiente canal es este: Canal de Classics Xperience) en la que  damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, esta última sección no ha tenido cabida en el programa del lunes, por tanto su canal no ha sido actualizado).

    Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado “¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.

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    Ya sabéis que desde hace varios meses están corriendo rios de tinta respecto a la reunificación de los originales Black Sabbath. Finalmente, y pese a una presentación por todo lo alto, las negativas a formar parte del proyecto por parte de Tony Iommi y Bill Ward (el primero por recuparse del cáncer que padece y el segundo por desavenencias económicas) han dado al traste con la esperada reunión; y tan sólo los afortunados que puedan ir en junio al Download Festival podrán disfrutar del único concierto de los Black Sabbath programado.

    Todo esto ya se conocía, como también que Sharon Osbourne no iba a permitir que su marido se quedara en casa cuando tantos miles de aficionados de todo el mundo habían demostrado estar dispuestos a dejarse el dinero que hiciera falta, por lo que la gira de Black Sabbath se reconvirtió en Ozzy & Friends, quedando el bueno de Geezer Butler como único representante junto a Ozzy de la mítica formación. Y a punto de comenzar la gira europea que le hará recorrer los principales festivales, se ha dado a conocer a la banda llamada Ozzy & Friends: Gus G., Zakk Wylde y Slash a las guitarras, Rob “Blasko” Nicholson y Geezer Butler a los bajos, Adam Wakeman al teclado y Tommy Clufetos a la batería. Además, la formación será teloneada en los conciertos que no pertenezcan a festivales (aunque en algunos también coinciden) por los Black Label Society del mencionado Wylde.

    Lo que no ha trascendido de momento es si hay más amigos invitados o cuales de estos van a estar en todos los conciertos, y por parte de la web oficial de Ozzy se mantiene el secreto. Por de pronto, es seguro que Slash tiene fechas con su proyecto con Miles Kennedy en las que coincide con esta gira por lo que no podrá estar en todos los conciertos. Asismismo, en los set-lists está programada una larga parte de temas de Black Sabbath que contará con Geezer Butler al bajo, pero no queda claro si éste va a permanecer durante toda la gira.

    De todas formas, sí podemos confirmar una grata noticia, y es que aparte de la participación de Ozzy & Friends y Black Label Society el 14, 15, y 16 de junio en el Azkena Rock Festival en Vitoria Gasteitz, ambos grupos tocarán también un día antes del festival -el 13 de junio- en el Palacio de Vistalegre de Madrid con Slash y Butler, por tanto, una visita a la capital de España se hace de lo más tentadora para cualquier aficionado al metal.

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   En esta sección de nuevos talentos os traemos hoy a una banda que ha realizado uno de los álbums más sorprendentes que han pasado no sólo en el año y medio de vida de la web, sino en los tres lustros de programa (y mira que han pasado discos por nuestras manos). Y lo más curioso del caso, es que no es un disco orientado a la guitarra, bajo o stick, lo que sería nuestra tónica. Sí que hay una enorme creatividad en el apartado del bajo eléctrico, como comentaremos en las conclusiones, pero es un trabajo eminentemente vocal y es eso lo que destaca. Aún así, es imposible que no hiciéramos el análisis del disco y la banda.

    Tal como reza la nota de prensa, “Victoria” es un proyecto muy amplio, consistente en una trilogía de álbums que narrarán de forma musicalizada diferentes capítulos de una novela gráfica. Tras este proyecto se encuentra Chess, cinco músicos de diferentes nacionalidades (aunque el proyecto se está gestando en España) que poseen a su vez su propio alter ego en el particular mundo de “Victoria”, siendo por tanto personajes de las letras de cada canción así como de la novela gráfica.

    Lo que voy a comentar a continuación puede sonar a enorme contradicción, pero dejadme que me explique. La originalidad brilla por su ausencia. Tras una primera escucha, y una segunda y una tercera y… siempre viene a nuestra mente un nombre: Queen. Además de Queen también nos recuerdan a Queen y a Queen también, con un poquito de The Beatles. Y no nos olvidemos además de Queen. Un rasgo que destaca en Chess son las elaboradas armonías vocales. Con toda probabilididad esta es la característica que mejor les define. Los cinco músicos cantan a un nivel similar y eso se nota en las armonías con claro sabor… sí, a Queen. Y ahora viene la contradicción: Chess tienen un sonido poco original en unas composiciones muy elaboradas pero poco originales. Sin embargo, es uno de los discos más originales que han pasado por nuestras manos, como hemos dicho. ¿Esto cómo se come? En España -y en cualquier país- grupos que sean influenciados o directamente copien los hay a patadas, pero desconocemos por qué extraña razón, en nuestro país no hay antecedentes (al menos que recordemos) que tengan una inspiración tan notable por Queen y que hayan parido unas canciones tan excitantes como respetuosas con el sonido de una época, y de las cuales Bryan May & Co se sentirian orgullosos si las escucharan.

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    Dicho lo dicho, vamos a ponernos a destripar el álbum.

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• Artista:  Chess
• Sello:     Autoedición
• Año:       2.011
• Estilo:    Rock, hard rock, A.O.R., rock sinfónico
• Contacto: Web oficial 1, web oficial 2 y grupo en FaceBook

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CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 8/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 7/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 9/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7/10
• PUNTUACIÓN:8,2/10

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CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 9/10
• Nivel de feeling: 9/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 7,5/10
• PUNTUACIÓN: 8,9/10

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PUNTUACIÓN TOTAL: 8,55/10

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    Chess lo forman Charlie Joss a la voz principal, Juanma Aznar a la voz y al bajo, Christian Lehane a la voz y a la batería, Joshua García a la voz y guitarra y por último Nick Nedelciuc a los teclados, piano y voz. Además cuentan con la colaboración de la cantante Lolita Ramirez y ellos mismos en algún que otro tema han cambiado de instrumento principal, aunque esto lo comentaremos llegado el momento.

    El disco está compuesto por catorce temas y el grueso del material ha sido escrito escrito por Charlie Joss, aunque cada uno de los restantes músicos ha compuesto un tema y ha colaborado en los arreglos de los otros. “Victoria” fue grabado en los estudio Tigruss de Gandía (Valencia) con Pepe “The Dog” como ingeniero. El corte llamado “Sausade” fue grabado en otro estudio, concretamente en Elche, en el estudio que posee Rafa Díaz, guitarrista del grupo La Sonrisa del Caimán. De la mezcla y la producción se encargó Charlie Joss.

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1.- Chessiture. Compuesta por Charlie Joss y Nick Nedelciuc. Comenzamos bien: una intro épica con orquesta sintetizada, percusión y vientos. Algo menos de un minuto para un comienzo impactante.

2.- Victoria. Varios clásicos del rock se dan cita en esta composición de Charlie Joss. Las armonías vocales de Queen hacen su presencia pero no en demasiada cantidad. Cabe destacar que Lehane no toca la batería sino que lo hace el propio Joss, demostrando un excelente nivel en este apartado. Lástima que la voz solista no está a la altura en esta canción del resto del disco, pero aún así es un tema excelente y muy potente.

3.- Lemon heaven. El nivel aumenta con esta joya. Una pseudo balada compuesta por Joss y que comienza con un piano y un bajo que se dan la mano de forma creativa para introducir una melancólica guitarra tocada con bottleneck. Charlie Joss cambia totalmente de registro, cantando -sin perder la sensibilidad- de forma un tanto teatral. El asunto balada cambia en los estribillos, con el grupo acelerado en modo Queen/The Darkness. Difícil destacar algo de este temazo, aunque lo haría con la compenetración de Aznar y Nedelciuc al bajo y al piano.

4.- The best of me. Curiosa balada compuesta también por Joss. En ella, el vocalista canta en un registro más agudo y popero muy ochentero. Personalmente me recuerda a ciertos clásicos del synth-pop tipo Limahl en Kagagoogoo. De todas maneras, algunos estallidos de furia rockera eliminan el posible babosismo/horterez que podría tener la composición. Muy interesante la linea con e-bow que interpreta García a la guitarra y ciertos detalles de Aznar al bajo, quien en cuatro temas ya se ha mostrado como un bajista muy creativo.

5.- Faith. Compuesto a medias por Charlie Joss y Nick Nedelciuc. Queen a tope desde el primer segundo, con todo el grupo cantando la primera estrofa a cappella. Brutal. Joss recupera el tono grave del primer tema pero con ese tonillo teatral tan agradable. El estribillo es una muestra de los Queen más divertidos, pese a que al final la cosa acaba derivando en una especie de funk rock a lo RHCP. Imposible destacar a alguien sobre el resto en esta canción.

6.- Limited company. Sólo con la primera estrofa Joss ya da toda una lección de expresividad vocal. Una composición (también del vocalista) en la que cual tenemos armonías y melodías a lo Queen y The Beatles con ciertos toques de psicodelia que recuerdan al David Bowie de los 70. Recuperamos las armonías vocales de todos los miembros como en algún tema anterior y Joss vuelve a encargarse de la batería.

7.- Oh Daniela. Primera canción que no ha sido creada por Joss, sino por Juanma Aznar, Joshua García y Lolita Ramirez quien también se encarga de la voz principal, aunque Joss también dice la suya en algunos momentos. Balada popera y muy comercial que por la letra intuyo debe estar dedicada al bebé de algún miembro de la banda (hasta hay algún momento en que se oyen ruidos de bebés). La melodía del estribillo es simplemente mágica. Si existiera justicia, esta canción estaría sonando en todas las emisoras de radio.

8.- The only one. Cambiamos radicalmente de sonido. Pasamos ahora a un hard rock muy agresivo (e incluso heavy metal) de corte setentero, muy influenciado por Deep Purple, sobretodo por esos teclados a lo Hammond y un atractivo riff de guitarra. Joshua García se desmelena en el solo de guitarra como no lo habiamos oído hasta el momento. El estribillo añade algo de comercialidad pero sin bajar la intensidad. Un corte muy sorprendente teniendo en cuenta la tónica que llevaba el disco. Compuesto por el batería Christian Lehane.

9.- Killing ourselves. Aunque comenzamos como una balada acústica, pronto el tema cambia a una mezcla de country y pop muy divertida. En esta ocasión Queen no hacen presencia, lo hacen The Beatles, con un Charlie Joss (también compositor) que recuerda en bastantes momentos a Paul McCartney. Muy buenas las aportaciones de Joshua García a las seis cuerdas. Curioso es el cambio en plan pop electrónico que hay por el  3:30. Un tema comercial y muy radiable.

10.- Fat bastard. Compuesto a medias por Charlie Joss y Matthew Williams. Retomamos el rock más cañero, o más bien el punk rock más cañero. Juanma Aznar se calza además una guitarra para acompañar a Joshua García. Sin duda es un tema ideal para descargar adrenalina en directo (tanto los músicos como el público).

11.- So much better now. Esta vez tenemos cambios en la formación: Juanma Aznar compone y canta y Charlie Joss se sienta a la batería. Comienza como una balada soul setentera melancólica, un poco en plan película de Tarantino. Luego hay un cambio en plan funk rock muy interesante. Aznar canta con algún tipo de filtro que le distorsiona la voz. No lo suficiente como para impedirnos disfrutar de su timbre pero sí para que quede extraño. El resto del grupo aporta buenos momentos, como el piano de Nedelciuc o las guitarras de García. Joss además vuelve a mostrar lo buen batería que es.

12.- Sausade. Cambiamos ahora a toda una frikada que sin embargo tiene un atractivo hipnótico. Charlie Joss y Rafael Faust componen este tema. Acompañan a las voces Lolita Ramirez y el mencionado Faust. Joss por su parte también toca la batería (¡y de qué manera!). Decía que es una rareza ya que está cantado en brasileño y tiene un aire de bossanova y folk muy agradable, y finaliza con unos vientos que empalman con la siguiente.

13.- The power of man. Penúltimo tema, y como el siguiente, compuesto a medias entre Joss y Damian Shine. Tan sólo tenemos orquesta sintetizada, bajo, batería y voz. El tono es por momentos muy triste a la par que cinematográfico. El grupo entero está inmenso con las múltiples capas vocales que pueden escucharse. Atentos al bajo solista y la batería en el segmento final de la canción.

14.- So long. Interesante la linea de bajo del comienzo sobre la que canta Joss. El tema posee un agradable aire a hard rock angelino ochentero, pero los coros Queen le dan un punto diferenciador. El sonido de las guitarras es excelente. Un final rockero perfecto para acabar el disco.

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    Como véis, he mencionado continuamente el nombre de Queen, pero lejos de ser unos clones, es como si Chess hubiera cogido lo mejor para llevárselo a su terreno. Por otra parte, los dioses del rock han sido y serán Queen (llamadme rarito o sacrílego, pero para mi nunca lo han sido los Stones), por lo que ser influenciados por ellos hasta un extremo tan elevado como aquí no deja de tener su gracia. Los juegos de voces en especial recuerdan muchísimo a los ingleses, pero lejos de pensar en que sean unos plagiadores, sólo puedo alabar el extraordinario trabajo de armonía que se esconden tras esos juegos, y la de horas que deben de haberle echado en el estudio ensayando.

    No obstante, no todo es Queen en la vida de Chess. Tras una escucha detenida, es fácil deducir que canciones como “The only one”, “Oh Daniela”, “Sausade” o “So much better now” demuestran que sí existe un sonido Chess. De todas formas, si bien lo bueno sería que evolucionasen hacia un estilo más propio de cara a siguientes trabajos, no es menos cierto que estamos ante un álbum conceptual y primero de una trilogía; por tanto, el alejarse de las influencias y del sonido que han conseguido en los dos siguientes sería un error.

     Respecto a la banda, por una vez me es realmente muy difícil destacar a alguien. Al cambiarse en algunos momentos de instrumento, colaborar en los arreglos y cantar todos en todas las canciones, la sensación de cohesión es total. Recomiendo la escucha con auriculares para apreciar los millones de matices que impregnan cada canción. Charlie Joss es un vocalista increíble, con un rango tonal bastante amplio y una notable capacidad expresiva, tanto en temas rockeros como en otros más pop (pese a que algo debió pasar en la grabación del tema “Victoria” para que no fuera cantada con la calidad del resto de canciones). Además a la batería -y sin menospreciar el trabajo de Christian Lehane- también tiene un gran nivel. Lo mismo puede decirse de Lehane, García, Aznar y Nedelciuc. Grandes músicos en su terreno y encima tremendos cantantes. Dado que Guitar Xperience es un programa de guitarristas, bajistas y stickistas, es normal que nos fijemos en estos instrumentos. Para mi sorpresa, creo que tiene más momentos de creatividad el bajo de Aznar que no la guitarra de García (aunque no existan solos de bajo como tal). En modo alguno es un menosprecio al trabajo del guitarrista, pero resulta agradable comprobar como hay bajistas que no se limitan a seguir la tónica del acorde de turno y deciden hacer algo más.

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    En cuanto al tema de la mezcla, para ser una autoproducción, la calidad es poco menos que sorprendente y a la altura de cualquier propuesta mainstream que pueda sonar en las emisoras de radio; y la mejor manera de comprobarlo -como he comentado- es escucharlo con auriculares.

    Por último, no puedo dejar de mencionar el sencillo pero elegante diseño del libreto, a cargo de Charlie Joss y Rafael Faust, el trabajo de peluqueria y estética de Guillermo y Pamela Nardi (cuyas sensaciones transmitidas van del “¡Cómo mola!” al “¡Dios mio, que horteras!, pero que no dejan indiferentes a nadie) y a la transformación de los músicos en superhéroes/villanos en la portada (creados por el dios Photoshop en base a las especificaciones de Charlie Joss).

    En definitiva, “Victoria” y Chess son una rara avis dentro del panorama musical no sólo español, sino europeo. Fans de la buena música, ¿a qué esperáis para darle una oportunidad?

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    Con un día de retraso os traemos el podcast correspondiente a la edición décimo novena, con alguna novedad y recordatorio de los principales conciertos que van a acontecer en Barcelona. Vais a ver un error, que por fortuna no es grave: debido a problemas técnicos, no pudo grabarse la despedida sobre el tradicional “Crosstown traffic” de Jimi Hendrix; pero al menos ocurrió en el final y no afectó a ninguno de los temas emitidos.

     También hubo otro error de despiste básicamente: al anunciar los próximos conciertos de Fear Factory en España hemos comentado que el de Barcelona tendría lugar en la sala Apolo 1 cuando en verdad será en la Sala Mandra 1. Espero que sepáis perdonar la confusión.

    Aquí está el enlace del podcast del décimo noveno programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

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Programa # 19 – Temporada 15 – 7/05/12

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• Fear Factory: Final exit (Mechanize)
• Devin Towsend Project feat Anneke van Giersbergen: Numbered! (Addicted!)
• Kiko Loureiro: Mounday morning (Universo inverso)
• Rodrigo y Gabriela with C.U.B.A. feat. John Tempesta:  Hanuman (Area 52)
• Johnny Winter: Highway 61 revisited (Captured Live!)
• Strings 24: Introspective (intro) (Strings 24)
• Strings 24: Outraged dimensions (Strings 24)
• Eric Sardinas & Big Motor: Beyond the eight (Sticks & stones)
• SECCIÓN GUITAR CLASSICS: Alice Cooper feat. Steve Vai & Joe Satriani: Feed my Frankestein (Hey stoopid)
• Emir Hot: Sevdah metal rhapsody (Sevdah metal)

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    Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores (ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente), y las que se emiten dentro de la secciónGuitar Classics (cuyo correspondiente canal es este: Canal de Classics Xperience) en la que  damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, la sección Net Xperience no ha tenido cabida en el programa del lunes, por tanto su canal no ha sido actualizado).

    Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado “¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.

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    Más de tres cuartos de entrada nos reunimos el miércoles 2 de mayo para acudir a otro de los conciertos programados dentro del 23 Festival de Guitarra de Barcelona: concretamente el de Michael Schenker, legendario músico ex líder del grupo británico UFO, ex guitarrista de forma irregular en la primera formación de los alemanes Scorpions (con permiso de Uli Jon Roth, claro), y con una extensa y brillante carrera en general, aunque con sus altibajos todo hay que decirlo, con su propio grupo Michael Schenker Group o con MacAuley Schenker Group.

    En esta ocasión le acompañaron dos pesos pesados de la época dorada del grupo teutón Scorpions, Francis Buchholz en el bajo y Herman Rarebell en la batería además del mercenario vocalista escocés Doogie White, cuyos más famosos trabajos han sido  como cantante en un par de discos con Yngwie Malmsteen y otro con Rainbow, y el guitarrista de apoyo Wayne Findlay, bastante desconocido al menos para mí pero que cumplió de forma notoria tocando incluso algunos solos en los temas de Scorpions.

    Con esta formación se veía venir un concierto interesante que prometía mucho en principio por sus reconocidos músicos y que sumado al hecho de que presentaban un muy buen disco de estudio -“Temple of Rock”- le daba en conjunto un valor añadido al show que lo hacía apetecible. Sin embargo yo hubiese esperado más temas de este último, del que sólo pudimos escuchar “Before the Devil knows you’re dead”, el único en el que canta Doogie White, porque a pesar de que el cantante con mayor protagonismo en el disco no estaba, el vocalista y compositor de las letras de casi todos los temas Michael Voss, Doogie podría haber puesto su voz en ellos, y es que temas tan buenos como “How long”, “Fallen angel”, “Hangin on” o “The end of an era” no sonaron y fue un pena.

    La sala Apolo 1 una vez más no estuvo a un nivel demasiado alto en cuestión de sonido pero ya sabemos que tampoco da más de sí en este tipo de espectáculos, aunque tampoco defraudó sino que se mantuvo a un nivel medio durante todo el concierto, lo cual resultó aceptable. 

    El setlist fue bastante interesante desplegando temas de todas las épocas y formaciones, incluso temas de Scorpions en los que no ha participado Schenker como “Rock you like a hurricane” o “Blackout” que son auténticos temazos. Es algo de agradecer, pero hubiese sido más lógico, a mi entender, reemplazarlos por los del último disco. En cuanto a los temas de UFO y MSG los temas elegidos fueron acertados ya que fueron los más representativos de la trayectoria cada grupo.

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    El show empezó puntual con Karelia, el grupo francés que abría para Michael Schenker. Un grupo interesante con un estilo entre rock industrial y gótico donde se combinaban unas guitarras rockeras con la voz semigótica de su vocalista Matthieu Kleiber, que hacía recordar en algunos temas al vocalista del grupo Sisters of Mercy. Nos ofrecieron unos cuantos temas de cosecha propia y una versión del tema “The show must go on” de Queen que al menos fue diferente.

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    Después de una media horita de pruebas de sonido con igual puntualidad salió a escena un extremadamente delgado Michael Schenker para empezar con uno de sus clásicos instrumentales: “Into the arena” y su riff pegadizo. Vibrante inicio donde pudimos ver el buen estado de forma de los músicos ya que pese a la avanzada edad de todos ellos (excepto quizás Wayne, que debe ser el más joven), se les veía con bastantes fuerzas aunque tampoco para dar saltos y demás exaltaciones de euforia y, en el caso de Schenker, que por ser la estrella del show debería dar una imagen de más protagonismo, se le pudo ver durante todo el concierto un poco estático y poco comunicador con el público, cosa que ya me esperaba y temía, pero sí es verdad que esta vez pude verle un poco más activo que otras veces. Lo que sí observé en su forma de tocar, fue esa posición tan encorvada en el escenario con la guitarra muy abajo y metida entre las piernas; le auguro problemas de espalda en no mucho tiempo, pero bueno si es su posición y no puede corregirla no se puede hacer nada.

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    A continuación vendrían la rockera “Armed and ready”, un magnífico tema del disco “MSG I”, saliendo ya a la palestra Doogie White y “Lovedrive”, un excelente tema de los primeros tiempos de Scorpions con un buen Doogie pero sin que hiciera que nos olvidásemos del gran Klaus Meine. Bueno, hay que decir que a nivel vocal no está en su mejor momento, pero tampoco hizo un mal papel con un registro que se adaptó bastante bien a todos los temas que cantó. Después sonó otro tema del mismo disco de Scorpions, “Another piece of meat” y otro tema del “MSG I”, “Cry for the nations”, que nos dejó muy buen sabor de boca, para continuar con “Let sleeping dogs lie” del “MSG II”.

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    Tras unos momentos de descanso el grupo se preparó para uno de los momentos álgidos de la noche para mí, el fantástico tema instrumental “Coast to coast” nuevamente del disco “Lovedrive”, tema en el que Schenker demuestra como se puede ser una leyenda de la guitarra y estar en el Olimpo de los mejores guitarristas de rock del mundo sin ser un gran virtuoso, ya que con esos lentos pero épicos acordes y la melodía a modo de himno se puede emocionar y poner los pelos de punta a más de uno.

    A continuación vino “Assault attack” y el único tema del último disco “Before the Devil knows you’re dead” que no está mal, pero por debajo de otros temas del disco; en cierta forma era previsible que sonara ese porque es el único tema del disco en el que canta Doogie White. Llegados a este punto del concierto, Michael ya había lucido y paseado toda una buena colección de Gibson Flying V con diferentes colores y motivos decorativos.

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    Y llegó el turno para el primer tema de UFO, “Lights out”, muy ovacionado por el público y “On and on”, otro muy buen tema de MSG, seguidos por dos más de UFO, “Let it roll” y “Shoot shoot”, para entrar en la fase final del show con los enormes “Rock you like a hurricane” de Scorpions y “Rock bottom” de UFO; el primero fue el delirio total donde el público cantó de lo lindo el estribillo y el segundo más o menos lo mismo, con ese riff inconfundible que hace que sea un tema fantástico. A partir de aquí el grupo sale del escenario y tras una corta espera y los pertinentes silbidos del público vuelven para descargar los bises: “Holiday” del recurrido disco “Lovedrive” de Scorpions, “Blackout”, uno de los mejores temas de Scorpions, y la que nunca falta como colofón, el megaclásico de UFO “Doctor doctor”.

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 Para los completistas, este fue el set-list. 

1. Into the arena
2. Armed and ready
3. Lovedrive (Scorpions)
4. Another piece of meat (Scorpions)
5. Cry for the nations
6. Let sleeping dogs lie
7. Coast to coast (Scorpions)
8. Assault attack
9. Before the devil knows you´re dead
10. Lights out (UFO)
11. On and on
12. Let it roll (UFO)
13. Shoot shoot (UFO)
14. Rock you like a hurricane (Scorpions)
15. Rock bottom (UFO)
16. Bis 1: Holiday (Scorpions)
17. Bis 2: Blackout (Scorpions)
18. Bis 3: Doctor doctor (UFO) 

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    La poca más de hora y media que duró el espectáculo fue suficiente para disfrutarlo teniendo en cuenta que todos están ya maduritos, y es que los conciertos de dos horas de duración cada vez son más escasos debido al envejecimiento de los músicos de rock ya que muchos llevan ya a sus espaldas tres o cuatro décadas rockeando sobre los escenarios.

    Y ya para finalizar, os dejamos con más videotubes y fotografías.

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IVAN MACÍAS

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    En la sección de Agenda ya llevamos un par de meses mencionando esta gira pero volvemos a hacerlo a propósito de las novedades que la banda nos acaba de regalar recientemente.

    Tras un turbulento periodo con problemas internos que dieron lugar  primero a la separación de la banda, segundo, a la escisión en dos grupos, tercero, a la aparición de dos proyectos simultáneos llamados Fear Factory, y por último, al juicio que otorgó la propiedad del nombre a la banda de Bell y Cazares, los Fear Factory “legales” se asientan con el segundo disco de la nueva era. Burton C. Bell, Dino Cazares y los  ex Strapping your Lad Byron Stroud y Gene Hoglan grabaron en 2.010 “Mechanize” y supuso un retorno a los orígenes death metaleros de la banda, recordando a los Fear Factory del “Soul of a new machine” combinados con Slayer  pero sin olvidar el toque industrial y eléctrónico que ya es de todos conocido. Ahora presentan en sociedad mediante el siguiente trailer “The industrialist”, que saldrá a la venta el 1 de junio en Europa y el 5 en USA.

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    La producción ha corrido a cargo del grupo junto a Rhys Fülber, quien ha sido teclista suyo en casi todos los discos y giras (y que no sé a que esperan a nombrarlo como miembro oficial) y ha sido mezclado por Greg Reely (Paradise Lost, Front Line Assembly, Skinny Puppy, etc.), el propio Dino Cazares y Logan Mader (ex Soulfly y Cavalera Conspiracy). 

   Es de suponer que “The industrialist” siga la senda de “Mechanize”. Sin duda que los dos nuevos miembros han aportado mucho al nuevo sonido y está claro que esto volverá a ser motivo de disputa sobre quien representa más al espíritu de Fear Factory, si los nuevos Fear Factory o Arkaea (Raymond Herrera + Christian Olde Wolbers); pero lo que está claro es que el disco será una excelente muestra del metal más técnico y agresivo del momento.

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    En cuanto a la gira, sólo dos fechas serán en las que el grupo nos visite, y teniendo en cuenta que una de ellas es festivalera, tan sólo en otra podrá verse el set-list completo. El 26 de mayo estarán actuando dentro del Sonisphere y al día siguiente, el 27, lo harán en la Sala Mandra 1 de L’ Hospitales de Llobregat (Barcelona).

    Los puntos de venta son los siguientes:

• Sonisphere: Red Ticketmaster, www.ltinews.net, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes, www.atrapalo.com y www.breakpoint.es
• Sala Mandra 1: Revolver, Pentagram, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes y www.ticketamaster.es.

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    De momento y para ir haciendo boca, os dejamos con el concierto íntegro ofrecido el pasado 26 de abril en el Teatro Vorterix de Buenos Aires (Argentina). La calidad es bastante aceptable y da buena cuenta del excelente estado de forma del grupo.

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• Artista:  Whitesnake
• Sello:     Frontiers Records
• Año:       2.011
• Estilo:    Hard rock, rock, A.O.R. 

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CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 7/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 6/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7/10
• PUNTUACIÓN: 7,5/10

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CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 9/10
• Nivel de feeling: 9/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 8/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
• PUNTUACIÓN: 8,5/10

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PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

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    ¡Ay qué tiempos aquellos! Hacer la crítica del DVD del concierto de Whitesnake como cabeza de cartel del prestigioso festival Monsters of Rock que tuvo lugar en el circuito de Donington Park en agosto de 1990 dentro de su gira mundial “Liquor & Poker World Tour” va a ser como volver de nuevo a mi juventud, ya que con mis 18 añitos recién cumplidos pude asistir una semana antes al show que ofreció la banda en el velódromo de Horta de Barcelona, y ver por segunda vez en poco tiempo a mi ídolo de la guitarra por aquellos tiempos Steve Vai. Y digo por segunda vez porque dos años antes pude verle con David Lee Roth en lo que fue mi estreno en el mundo de los conciertos de bandas de rock, y que más tarde se convertiría en una auténtica pasión para mí.

    Aquellos sí que eran días gloriosos para el hard rock y el rock en general, cuando se podían ver por televisión video clips y actuaciones en directo de las bandas del momento en los diferentes programas musicales, y muchas de ellas llenaban estadios y salas de gran aforo rivalizando en ventas con los cantantes de pop prefrabicados de mayor éxito; y es que todavía no existían los productos de marketing de los reality y el rock tenía toda la popularidad que se merecía.

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    Bueno, pasando a comentar lo que es este DVD puedo decir que la banda que nos presentaba el líder del grupo, el vocalista David Coverdale no estaba nada mal: Tommy Aldridge (ex Pat Travers, ex Ozzy Osbourne) en la batería, Rudy Sarzo (ex Quiet Riot, ex Ozzy Osbourne) en el bajo, Rick Serate (el más desconocido) en los teclados y Adrian Vanderberg (ex Vandenberg) y Steve Vai (ex David Lee Roth) en las guitarras. Muchos critican el hecho de que Coverdale haga y deshaga a su antojo a la serpiente blanca, pero no se puede dudar del buen ojo que tiene para escoger a los mejores músicos y sintonizar musicalmente con ellos.

    El grupo presentaba su nuevo disco “Slip of the tongue”, un disco muy ochentero y muy en la línea del anterior, el exitoso “1987”, pero menos bluesero, algo por lo que recibió algunas críticas de sus fans más conservadores que veían como la sustitución de Adrian Vanderberg por Steve Vai en la grabación del disco debido a un problema en la muñeca de Adrian le daba un toque más virtuoso y efectista al disco, alejándose del feeling de discos anteriores, aunque el disco en realidad fuera compuesto por Adrian, ya que Steve se limitó a grabar las guitarras. Del hard rock y blues clásico de los comienzos no quedaba apenas nada: en su lugar teniamos un hard rock y A.O.R. sobreproducido, con múltiples capas de guitarra y teclado, y un Steve Vai que contra todo pronóstico, obtenía mayor protagonismo del esperado. No obstante, “Slip of the tongue” era un excelente disco aunque iba en una dirección diferente, y para cualquier aficionado a la guitarra, se trata de uno de los mejores trabajos de Vai. 

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    Lo primero que se observa al empezar a ver el DVD es que la calidad de imagen no es  demasiado buena y muy deficiente y en blanco y negro en algunos momentos, llegando incluso a ralentizar a cámara lenta bastantes planos, como si faltara metraje. Sin embargo, esto se compensa con una calidad sonora excelente gracias a una nueva remezcla 5.1 Surround hecha en el 2011, que maximiza la sonoridad del show. Y es que tal y como podemos leer en la carta de presentación que hay en el libreto del DVD, esta edición está justificada por su valor emotivo y para que el fan pueda disfrutar y recordar aquella inolvidable gira celebrando ya sus 20 años de historia, además de por ser el proyecto más demandado desde la creación de www.whitesnake.com.

    Desde el primer tema podemos ver a todos los músicos a un nivel interpretativo muy alto: David con un pedazo de chorro de voz nada que ver con los últimos conciertos en los que le he visto, Steve participando más en los nuevos temas dejando los clásicos para Adrian pero compenetrados en riffs y solos haciendo sonar sus guitarras como nunca, al igual que Tommy y Rudy con sus instrumentos. El directo empieza intercalando temas del nuevo disco con el de 1984 “Slide it in”, aunque los temas se basarían sobretodo en el último y en el de 1987 de igual nombre.Eel primero en sonar es el potente y salvaje “Slip of the tongue”, seguido por el clásico “Slide it in” y la intro acústica de “Judgement day” con su riff inconfundible, volviendo poco después al blues de otro clásico como “Slow & easy”.

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    A continuación sonaba el desenfrenado y rockero “Kitten´s got claws” con un Steve Vai sensacional y portentoso. Después era el turno del protagonismo de Adrian Vandenberg presentado como The flying dutchman y su solo “Adagio for Strato”: un solo de largas notas con mucha reverb y delay, muy de la época y que no estaba mal pero que tampoco aportaba nada demasiado interesante, y el tema “Flying dutchman boogie” ya más elaborado y musical para finalizar con otro solo de tapping demostrando su habilidad con la guitarra pero sin llegar a la técnica e inspiración de las composiciones de Steve Vai.

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    Seguidamente, otro clásico (ahora más que entonces): su éxito comercial de 1987 “Is this love”, aquí se equivocaron a mi entender, el solo tenía que haberlo tocado Adrian y no Steve por tener un estilo más parecido al guitarrista original John Sykes. Vuelta al nuevo disco con la más “rockera con sabor a blues” del disco, “Cheap & nasty” con su estribillo coreable y vuelta a “1987″ con “Crying in the rain” con un solo de batería entre medio a cargo de Tommy y Steve de protagonista nuevamente, extraña y no muy comprensible elección habiendo Adrian participado en el álbum, para enlazar con el single del nuevo disco “Fool for your loving” que en realidad era una versión actualizada del tema original que aparecía en el disco “Ready an’ willing”.

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    Y llegó el turno de lo que todos esperábamos: el lucimiento de Steve Vai; Presentado como Mr. Passion & Warfare por David Coverdale interpreta unas versiones más cortas de lo habitual de los temas “For the love of God”, con la guitarra en sustain y colgada de un cable al final, y “The audience is listening” con Steve revolcándose por el suelo y haciendo piruetas por el escenario. Todo un lujo para sus fans el poder escuchar algún tema de su reciente -en aquel momento, claro- segundo disco en solitario “Passion & Warfare” y que será recordado posteriormente como su mejor disco, al menos hasta el día de hoy.

    Después sonarían dos temazos del “1987” como son el “Here i go again” (otra revisión del tema de 1982 del mismo nombre grabada en el disco “Saints & Sinners”) -esta vez sí con solo de Adrian ya que él fue quien lo compuso- y el “Bad boys”, con una incursión del tema “Children of the night” con un Steve Vai haciendo malabarismos sobre las cuerdas de su guitarra con forma de corazón que ya la popularizó en su etapa con Roth.

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    Para finalizar se escucharía el bluesero “Ain´t no love in the heart Of the city” con todo el público cantando el estribillo y la potencia del impresionante “Still of the night”, con el famoso solo ejecutado con el arco de violín por parte de Adrian Vandenberg.

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     El DVD se completa con una galería de fotografías realizadas en la gira “Liquor &  Poker World Tour” y un “Behind The Scenes” con imágenes del proceso de creación del álbum “Slip Of The Tongue” en el lago Tahoe y extraídas de la colección privada de David Coverdale.

    En resumen, pese a la baja calidad visual (en bastantes ocasiones y de una manera sorprendentemente negativa, parece haberse confeccionado a base de grabaciones hechas por aficionados), la calidad de la mezcla surround en este DVD o la stereo en la versión CD son excelentes; y entre eso y que nos encontramos con un documento visual de alto valor nostálgico y emotivo que rinde culto a aquella época, y que ha sido muy solicitado y largamente esperado por los fans, es indudable que la experiencia de verlo es de lo más disfrutable. Además cuenta con unos extras que dejará contento a quien se haga con él.

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IVAN MACíAS