Con todos ustedes, Daniel Higuera. Por cierto, aprovecho para decir que algunas de sus afirmaciones pueden herir la susceptibilidad de más de un metalero.)

.

.

• Artista:  Van Halen
• Sello:     Interscope
• Año:       2.012
• Estilo:    Hard rock, classic rock, A.O.R.

.

CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 9/10
• Velocidad: 9/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: -4/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7/10
• PUNTUACIÓN: 7,8/10

.

CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 10/10
• Nivel de feeling: 8/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 7/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
• PUNTUACIÓN: 8,25/10

.

PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

.

    Hablar de un nuevo disco de Van Halen para mí es como volver a ver a un pariente lejano y querido que hacía décadas que no veías. Desde que los descubrí a través del gigantesco “Fair Warning” se convirtieron en mi grupo preferido. Supongo que ya les conocéis, pero mejor presentarles para esos cuatro gatos que no los conocen aún.

1) Los que han estado siempre: Tienes a Eddie Van Halen, que no sé si soy yo, pero creo que él solito se inventa escalas y notas nuevas y hace sonar su guitarra como una orquesta en miniatura, cosa que copió descaradamente Nuno Bettencourt con su sonido de “ametralladora de riffs”. Pero Eddie es un genio único, como Picasso, Groucho o Belén Esteban.

    Tienes también a Alex Van Halen, que a parte de ser el hermano mayor de Eddie es un batería cojonudo por derecho propio; injusto que a él y a Nicko McBrain, por una extraña razón, siempre se les aparte del olimpo de los batacas…

    Luego tenemos a David Lee Roth, lo más parecido a un dibujo animado humano (mezcla imposible entre Tarzán, Bruce Lee y James Brown), que fue su cantante desde 1977 hasta el lanzamiento de “1984” (¡27 años ha!). Sin embargo, dejó el grupo con la cabeza bien alta, en mi modesta opinión, ya que se trata nada más y nada menos que el segundo mejor disco de todos los tiempos.

2) Hablemos de Bajistas: Al bajo había alguien cuyo peso específico parecía poco o nulo y ha resultado al final que sí que era un componente con mucho de nuclear. Y es que Michael Anthony nunca fue Billy Sheehan, ni falta que le hace, ya que Michael tocaba las notas justas y punto. No es que fuera malo, era muy bueno, pero perseguía ambientar- más que competir con- las correrías melódicas de Roth y Eddie; si a eso le sumamos una voz que era cojonuda para hacer coros, el grupo ha perdido claramente una de sus patas.

    Pero a rey muerto, rey puesto, y qué mejor que llevarte a tu hijo/sobrino de gira para vigilarle la drogaína, las juergas y las pelandruscas. Se trata de Wolfgang Van Halen, un chavalín de 19 añitos que tiene el ADN musical de la familia pero tal y como pasa con la diabetes, parece que el talento se ha saltado una generación. No es que el chico sea malo, pero donde Anthony creaba una ambientación rítmica parca y vacilona, a Wolfie le han acabado haciendo lo mismo que a Sid Vicious o a Jason Newsted, simplemente le han bajado el bajo al mínimo.

3) Otros cantantes (inciso anecdótico incluido): He seguido la carrera de la banda de muy cerca, ya que a parte de ser mi grupo preferido, tuve el gran honor de conocerlos en el backstage de su concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona durante el “Balance Tour”, teloneando a Bon Jovi (tendría que haber sido al revés). Entonces estaba con ellos Sammy Hagar, que fue todo un caballero, simpático y locuaz (para la foto en grupo insistió en ponerse conmigo y me dio la mano para que se viera bien en la foto) Por mucho que digan, Sammy fue, es y será un cantante mayúsculo, a pesar de que muchos envidiosos lo quieran menospreciar a cada momento (a él no creo que le duela mucho, hace poco vendió su marca de tequila Cabo Wabo a Campari por 80 milones de dólares y sigue vendiendo discos y actuando por puro placer).

    Pasando al tercero en discordia, el tema Gary Cherone y “Van Halen III” ya se ha hablado y comentado exhaustivamente, pero cabe decir que tampoco era tan mala idea. El caso es que Cherone como frontman es muy histriónico y sobreactuado; no tiene el temple “cool” de la experiencia de Hagar o Roth, y eso alienó a muchos fans, que pensaron que no merecía estar en el puesto. Por si queda alguna duda, a mí “Van Halen III” nunca me pareció una obra maestra, pero tenía unos cuantos temas buenos (sobretodo “Fire in the hole”… aunque también hay que decir que una de las peores canciones de música popular de todos los tiempos también estaba allí: “How many say I”).

.

    El caso es que siempre vi a la banda echando terriblemente de menos al gran Diamond Dave. A él en solitario, si exceptuamos su prodigioso arranque con Vai, Bissonette y Sheehan, tampoco es que las cosas le fueran como para tirar cohetes. Pero es que hubo muchas rencillas personales entre ellos que se mantuvieron décadas hasta que los malos humos se disiparon gracias al símbolo del dólar. Y es que en 2007-08 hicieron un comeback que arrasó a conciencia todo el suelo yankee. Cómo no, no viajaron a Europa, la cual empezaron mimando en sus primeras giras para luego dar la espalda definitivamente con el paso de los años. Al acabar el tour se produjo una lógica descompresión (otra vez problemas personales -con todo el paquete incluido: alcohol, violencia, divorcio, cáncer- de Eddie Van Halen, que se ve que es un perla de mucho cuidado) y se tomaron unos añitos de descanso.
Hasta que en 2012 llegamos a este “A different kind of truth” (horrendo título, por cierto).

    Estos discos de “reunión” suelen ser como mínimo sonrojantes; tan sólo hay que recordar abortos como “The weirdness” de los Stooges o “Angel of retribution” de los Judas, el cual musicalmente consigue sonar peor que los pedos que se tiraron durante las demos de “Screaming for vengeance”. El problema endémico suele ser el piloto automático. Estas reuniones las suelen protagonizar señores o señoras mayores, que: 1) Están ya de la vuelta de todo. 2) Por lo general, podridos de pasta, drogas y sexo. Y 3) Practican sólo para tocar en las bodas de los sobrinos de cada uno.

    La garra o las ganas de experimentar y gustar a su público se han ido, ya que el público ya está ganado de antemano -muchos fans comprarán el disco sin haber oído ni una nota-. Bajo esas circunstancias, y escuchado el primer single, “Tatoo”, sinceramente, me temía lo peor: una canción un tanto desangelada y bizarra que no acababa de enganchar del todo. Encima, me enteré de que el 70% del disco se basaba en viejas demos perdidas en el albor de los tiempos. ¡Refrito a la vista!
Sin embargo, cuando escuché el disco por entero, me quedé patidifuso.

Y es que me gustó. Pero no me entusiasmó.

No era bueno. Pero tampoco era malo.

Era todo lo contrario.

¡Joder, si hasta empecé a tararear algunas de sus canciones!

…¡Aunque ninguna es memorable!…

    Y es que el disco es… ¡extrañísimo! Nada de cancioncillas fáciles como en “1984” o “Diver Down”… los Van Halen se han descolgado con un disco cuanto menos curiosísimo, y eso hoy en día tiene mucho mérito.

. 

.

1.- Tatoo. Coincidí con Albert y varios fans de esta web en que en un primer momento el single era flojucho, sin pegada. Pero también coincidimos que cuanto más escuchas la canción, más te entra, y la acabas hasta tareando. Si la oís con atención, va buceando por toda la canción un acompañamiento de teclados muy suave que le da mucha gracia al conjunto. Y precisamente eso es lo más chocante: siendo “Jump” su canción más famosa, han pasado de todo y han dejado todos los teclados aparte, yendo a la yugular con el hard rock. Sin embargo la canción es un rock suavecillo y tranquilito, que poco tiene que ver con lo que viene después. El solo es muy de la casa, un primo hermano desdentado del solo de “Beat it”, y la propia canción tiene diversos solos por todas partes. No hay mucho desmelene. La canción proviene de una canción que sólo tocaban en directo en 1978 que se llamaba “Down in flames”.

Original…

y remake…

2.- She’s the woman. Otro viejo clásico recalentado y listo para servir. Se trata de la canción que más han dejado igual que la demo, también de finales de los 70. Una canción típica de los Van Halen de la época, con un solo de Eddie que a mí me encanta, con una guitarra rítimica muy bien puesta. ¡Ojo a la batería de Alex Van Halen! Pero no sólo en esta canción, prestad atención a lo que hace este tipo que podría ser vuestro padre… le pega a los parches con un gusto y técnica que ya querrían muchos baterías del progresivo.

original…

primer remake (1977)…

y remake actual…

3.- You and your blues. Coros clarísimos a lo Anthony adornan esta canción, que obviamente toma mucho del blues rock, aunque el solo es muy extraño y breve, y la verdad, a mí me gusta mucho más lo que hace Alex que lo que hace Eddie. David Lee Roth canta con mucha pasión, como en los viejos tiempos, y está claro que vas a mover el pie hasta el final.

 4.- China town. Albert me comentó que esta canción le recordaba mucho al estilo de Mr.Big, es decir, “cabalgadas” sobre el mástil con el metrónomo desbocado. Pues bien, querido Albert, quizás han tomado “prestado” ese sonido porque ¡ellos fueron quienes lo inventaron! ¿Queréis oír de donde sale? Probad estos dos tubos, uno conocido y el otro no: video de “Romeo delight”, y video de “Hot for teacher”, del 80 y el 84 respectivamente.

    Para mí, señoras y señores, se trata de la mejor canción del disco, con un solo marca de la casa de Eddie, tappeando como si no hubiera mañana, aunque como la mayoría de los solos de este disco, acaba de manera un tanto abrupta. Los que améis la guitarra vais a sufrir muchos “coitus interruptus” de ese estilo, aunque al final nos vuelve a regalar otro solo más pequeño. ¡Por fin oímos a Wolfgang hacer alguna floritura con el bajo! Aunque prestad atención porque pasa rápido…

4.- Blood and fire. ¡Otro temazo! Un hard rock altivo y chulesco como siempre nos han regalado estos tipos, que se obstinan en no mirar al calendario y seguir en la misma frecuencia de onda que en 1979… ¡bravo! Tiene un puente muy guapo y un aire muy a “Dance the night away” de “Van Halen II”. El solo es juguetón pero tampoco para hacer air guitar hasta morir extenuado.

Original…

y remake…

5.- Bullethead. Es una canción un tanto extraña, muy frenética y áspera como la lija. Mucho stacatto en las guitarras, con cierto aire punk en muchos fragmentos, lo creáis o no. Hombre, tranquilos que esto no es “Never mind the bollocks”, pero Eddie hace un solo que más bien es una especie de solo en falso, si me permitís una analogía cerda, una paja sin acabar. Un tema muy raro, de verdad, como si le faltara algo de trabajo y arreglo.

6.- As is. Este tema también me recuerda horrores a “Hot for teacher”, con la batería de Alex completamente fuera de control y Eddie dando vueltas a varias melodías. Solo de peli de terror (¡es la única manera que tengo de describirlo, quizás me entendáis cuando lo oigáis!), con mucho tapping, pero ¡otra vez muy breve! Final vacilón a lo ZZ Top, muy yankee. Alex Van Halen sigue pateando culos con su increíble sección rítmica, ¡y pensar que este tío tuvo problemas en las cervicales hace años!

7.- Honeybabysweetiedoll. Quien piense que Eddie Van Halen y compañía han perdido la cabeza al componer lo que parece una mezcla de Edgar Varèse, algo de música atonal a lo King Crimson y una pizca de Aerosmith, que sepa que Van Halen ya habían hecho sus experimentos anteriormente. La canción de Eddie Van Halen en solitario para la película “The wild life”, “Baluchitherium” y sobretodo “Strung Out” (ambas de su discazo “Balance”) confirman que les gusta jugar a de vez en cuando a científicos locos en su estudio privado 5150.

8.- The trouble with never. Un tema bastante simplón que tiene sus momentos, pero tampoco es memorable. El solo también va por el estilo, ramplón, ramplón, y para acabarlo de arreglar, hay una especie de fragmento hablado por Roth con su voz cazallosa y seductora que queda sinceramente fatal. Parece un cansadamas casposo intentando poner cachonda a alguna tía después de ventilarse unos paquetes de Malboro.

9.- Outta Space. ¡Esto si que es bueno! Para mí la segunda canción mejor del disco, sobretodo por su capacidad de sorprender. Tiene muchos cambios y matices interesantes, con Roth haciendo también malabarismos con su voz a la par que Eddie con su guitarra y Alex con la batería… ¡y venga, también un poco Wolfie, que en esta también se le oye un poquillo! El estribillo es de lo más pegadizo del disco, con unos aullidos guitarreros de Eddie de fondo que molan cantidad. El solo es diferente, con poco de cara a la galería, pero es cuanto menos curioso. Y cómo no, Alex sigue arreando hostias a los tambores como un puto amo. Pensar que esta canción se quedó en una simple demo… ¡suerte que ha acabado saliendo a la superficie!

original…

y remake… 

10.- Stay Frosty. Volvemos a 1978, al primer disco de la banda. Allí estaba una versión de “Ice Cream Man” que clavaban estos cincuentones cuando eran veinteañeros. Una canción vacilona a más no poder que pasaba de lo acústico a lo eléctrico como una especie de mazazo de Thor. Pues bien, treinta y tres años después juegan a la misma carta con resultados parecidos. No consiguen el empaque de aquella, pero es tan divertida y desenfadada que les perdonas el autoplagio. Hay dos solos. El de la mitad es bastante tonto. Sin embargo, al final hay otro mucho más elaborado, y que vale la pena que vuestros vecinos oigan a todo volumen.

11.- Big River. Este suena horrores a “Runnin’ with the devil”, también del disco debut. No puedo quitarme la comparación de la cabeza, pero el tema evoluciona bastante bien y es resultón. El solo os gustará, me recuerda mucho a la etapa con Sammy Hagar, muy juguetón y adecuado. Buenas líneas de bajo de Wolfgang, diría que haciendo armónicos y todo. Esta ya la había oído gracias a la red, hay una colección de demos flotando por ahí que contiene esta canción, aunque bajo el nombre “Big trouble”.

original…

y remake…

12.- Beats’ workin. El principio me recuerda a Kiss, y es curioso que haga esa comparación porque supongo que muchos sabréis que Eddie iba a ser en principio el sustituto de Ace Frehley en la banda neoyorkina. Suerte que David Lee Roth se metió por medio (lo que le valió el odio eterno de Gene Simmons) y gracias a ese gesto el mundo también pudo conocer al pirado de Vinnie Vincent. Ya veis, creo que todos ganamos: tenemos por un lado a Vinnie, que a parte de correr por el mástil pasa sus ratos libres matando gatos de vecinos y por el otro un montón de clásicos de Van Halen de 1982 hacia aquí.

    La canción no es gran cosa, y Eddie nos vuelve a regalar con otro de esos “coitus interruptus” de solo; también se acordaron del pobre Wolfgang y le subieron algo el volumen. Escuchadle que aquí se gana los garbanzos con dignidad. Otra que viene de una demo, en este caso “Put out the lights”.

original… 

y remake…

.

.

    Veréis, llevo muchos años escribiendo críticas de discos como fan, y mentalmente llevo escribiéndolas desde que tengo diez años. Respiro música las 24 horas del día, aprecio cada vez más estilos y tendencias, y creo que tengo una opinión bastante sólida y fundamentada. Así que creedme cuando os digo que jamás me había enfrentado a un disco tan difícil de catalogar como éste… Dejemos el rollo de fan total a parte: lo digo desde el punto de vista de crítico objetivo. Después de oírlo del derecho y del revés, sólo sé una cosa: esto es como la tónica, cuanto más la tomas… ¡más te gusta!

    Y para acabar con una chorrada que seguro que no encontraréis en ninguna otra parte, deciros que Van Halen, a mi parecer, han inventado un estilo propio para este disco: Boogie Metal Progresivo. ¡Toma ya! No os lo perdáis y corred a comprarlo… los fans de Van Halen de toda la vida os quedaréis un poco como yo al principio pero dadle cancha que os acabará atrapando.

    Gracias por leer y gracias a Albert Sanz por dejarme otro huequecito en esta web tan cojonuda.

    ¡Saludos!

.

DANI HIGUERA

.

.

OPINIÓN ALBERT SANZ

.

    “A different kind of truth” es una obra extraña. En primer lugar tiene todo lo necesario para ser un disco con el que la crítica nos cebemos. Desde la reunión de Diamond Dave con su ex banda en 2.006, y tras una gira un año después en la que EVH estaba en una situación penosa, tardan casi seis años en editar un nuevo álbum, que para colmo está hecho en base a demos antiguas de los 70. Originalidad 0. Encima editan un single muy poco atractivo y tirando a aburrido, Michael Anthony no está en el grupo y la portada es un plagio de la de un disco de los Commodores. Y en segundo lugar y contra todo pronóstico, es imposible no desmelenarse con algunos de sus temas.

    Realmente es una obra contradictoria. Contradictoria porque no tiene muchos temas dignos de ser colados en un “Greatest Hits”, y sin embargo suenan con una frescura y una potencia aplastantes. Cierto es que la mayoría fueron compuestos en los primeros tiempos y por lo tanto, muestran un sonido y un estilo añorado por la facción de fans de Van Halen que abominan de las eras Hagar y Cheronee, pero aún así suenan frescas, como si no hubieran sido grabadas por la influencia del dólar, sino porque les apetecía en verdad.

    Al revés de lo que opina Daniel en su detallada crítica, no veo mal la inclusión de Wolfgang en la banda. ¿Quien más que él va a haber mamado más Van Halen desde la cuna? Y aunque no haga los excelentes coros de Michael Anthony, toca bastante mejor. Michael Anthony era la sobriedad personificada (lo cual no es malo) pero Wolfgang toca mejor de lo que pensaba y suena bien en la mezcla (Dani, ¿de verdad no lo oyes?). Además, ahora Van Halen sí que son más Van Halen que nunca.

    Conclusión, disco que debería ser mediocre y sin embargo acaba siendo uno de los mejores trabajos en hard rock que hayamos oído en años. Realmente vibrante.

 CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 7/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 7/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6/10
• PUNTUACIÓN: 7,5/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 6,5/10
• Nivel de feeling: 9/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 9/10
• PUNTUACIÓN: 8,6/10

.

PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

.

.

OPINIÓN IVAN MACÍAS

.

    Solo hay una cosa que pueda criticar de este “A Different Kind of Truth”, y es la elección del single; y es que no entiendo como se ha podido elegir el tema que menos engancha, “Tattoo”, para presentar este más que digno trabajo. Un álbum plagado de buenos riffs con un sonido y estilo de los primeros años 80 pero con la calidad de producción del siglo XXI, temas magníficos entre los que destacaría el que debería haber sido el single principal, el potente “She´s the woman” -aún están a tiempo de sacarlo como segundo single si quieren dejar satisfechos a sus más acérrimos fans-, el medio tiempo “Blood and fire” que recuerda a clásicos como “Dance the night away”, “As is” con ese riff endiabladamente rápido que debería funcionar fenomenal en directo, el medio country “Stay Frosty” que bien podría ser el “Ice cream man” del 2.012, o el marchoso “Outta space”. Por otro lado la portada tiene un buen diseño pero deberían haberse alejado del original del disco “Movin’ On” de Commodores para no levantar sospechas malintencionadas teniendo en cuenta que algunos temas están sacados de antiguas demos archivadas del grupo y que no debería suponer reproche alguno. 

    Parafraseando a Satriani: “Por el largo tiempo que Eddie nos ha tenido sin música, que pena que nos tengamos tres  nuevos discos de Van Halen.”

 CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 7/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6/10
• PUNTUACIÓN: 7,6/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 8/10
• Nivel de feeling: 8/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 8/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
• PUNTUACIÓN: 8/10

.

PUNTUACIÓN TOTAL: 7,8/10

.

    Con una entrada muy superior a los últimos conciertos a los que hemos asistido en la sala Salamandra 1, el equipo de Guitar Xperience se acercó para ver a esta diva del bel canto con influencias rockeras que venía a presentar su  magnífico álbum  “What Lies Beneath”. La diva gótica estaba teloneada por dos bandas excelentes, como son Hannibal y Benighted Souls, pero por diversos problemas no pudimos asistir al concierto de los primeros. Si bien es lamentable costumbre de muchos blogs de aficionados o (y esto es más sangrante) medios profesionales ningunear a los teloneros o bien mencionarlos de pasada, una costumbre de los quince años de programa y casi dos de web ha sido analizarlos siempre y darles su importancia debida. Y no es menos cierto que en más de una ocasión hemos disfrutado más de los teloneros que del grupo principal. Además nos satisface el ver como algunas de esas bandas nos han agradecido de palabra o enlazando en sus respetivos blogs/webs la información por nosotros dada. Pero esta vez hemos fallado, al menos a medias. Esperamos que no vuelva a repetirse.

.

.

.

.

    La banda francesa liderada por la vocalista Géraldine Gadaut nos ofreció todo lo que el aficionado a Tarja Turunen busca: metal pesado y oscuro acompañado por una bella voz en la más pura tradición de las vocalistas del género (y con ocasionales voces guturales por parte del bajista Jean-Gabriel Bocciarelli). Lirismo y melodía más cercana a la vertiente pop dulzona del estilo, tipo Anette Olzon de los Nightwish o Marcela Bovio de Stream of Passion, que no a la vertiente operística que representa Tarja. No obstante, estilísticamente hablando, la propuesta de Benighted Soul encajó a la perfección tanto con la estrella de la jornada como con los gustos del numeroso público, que en esos momentos casi abarrotaba la sala.

    Cabe decir que si bien el sonido de la banda se articula en torno a la voz de Gadaut, su actitud era de comunicación continua con el resto de compañeros. Compañeros entre los que destacaría al teclista Flavien Morel, por las atmósferas que creaba y algunos excelentes solos que tocó, y a Nicolas Adam, impresionante, divertido y virtuoso a la batería. Destacar también el excelente sonido de este concierto, equivalente al del grupo principal, algo que es toda una rareza.

    Excelente concierto que como siempre pasa con los buenos teloneros, supo a muy poco.

.

.

.

.

.

    Tarja volvía a España a presentar su propuesta en solitario. Lejos quedan ya los tiempos de Nightwish aunque muchos fans deseamos su casi improbable vuelta (a tenor de que la Olzon por fin se ha puesto las pilas), y esa noche íbamos a disfrutar de la descarga del “What lies beneath”, tercer disco en solitario (¿por qué será que tantos medios desconocen la existencia del “Henkäys ikuisuudesta” y siempre mencionan al “What lies beneath” como su segundo disco?). Un trabajo muy operístico en su interpretación vocal pero con unas bases gótico-metálicas contundentes que le proporcionan al conjunto una mezcla de estilos muy peculiar. Lo que está claro es que la guapísima Tarja, desde que dejó/fue despedida de Nightwish ha tirado más por derroteros líricos dejando a un lado las influencias power y symphonic metal que caracterizaban los primeros discos de su ex banda, y acercándose a sonidos góticos con melodías de teclado enigmáticas, riffs de guitarra entrecortados y la incorporación de instrumentos de cuerda, otorgando a sus composiciones de una singular mezcla de oscuridad y belleza.

    Los músicos para la gira son los mismos que han grabado el disco excepto en el bajo, donde Doug Wimbish (Living Colour) ha sido sustituido para esta parte final de la gira por Kevin Chown (ex Tony MacAlpine y ex Tiles), Mike Terrana (Masterplan, Tony Hernando, ex Rage, ex Malmsteen, etc.)  en la batería, Alex Scholpp (ex Farmer Boys) en la guitarra, Max Lilja (Hevein y ex Apocalyptica) en el chelo y Christian Kretschmar (Schiller) en los teclados. Una banda excelente dispuesta a hacer vibrar al personal.

.

.

    El concierto empezó tras una intro new age con el primer tema del disco, “Anteroom of death“, con una Tarja provista de una especie de máscara con cuernos que le daba un aspecto muy barroco y algo siniestro, mientras un telón traslucido con el dibujo de la portada del disco separaba al grupo del público; un comienzo muy impactante sumándose al espectáculo poco después los increíbles coros del grupo Van Canto, que aunque grabados por no poder llevarlos al directo les daba al show una carga épica maravillosa. Una vez superada la antesala de la muerte ya estábamos listos para bajar a los infiernos. Tras una extensa ovación por parte del público al alzarse el telón y poder ver el rostro de la diva, comenzó a sonar “Lost northern star”, el tercer tema del disco “My winter storm“, donde unos coros de película satánica dan paso a una melodía de opera muy relajada casi angelical.

    A continuación se pudo escuchar los cantos arabescos y la inconfundible intro de chelo de Lilja que daba paso a “Dark star”, uno de los mejores temas -sinó el mejor- del último disco. ¡Formidable! Tras este viaje por la estrella perdida del norte y por la estrella oscura sonó el single del disco anterior “I Walk Alone”, con esos teclados enigmáticos, mitad de cuento de hadas mitad terroríficos, con gran aporte de Max Lilja al chelo. Después sonó “Naiad”, una hermosa balada con entradas operísticas de nuevo que sólo se puede encontrar en la versión deluxe europea del último disco, seguido por un impresionante solo de batería del mohicano y fornido Mike Terrana, (quizás el más ovacionado de la noche) toda una auténtica bestia al servicio de su instrumento que nos demostró que es capaz de tocar no sólo solos de batería que no aburran, sino de atreverse además a tocar sobre piezas de música clásica a las que no se les ha hecho ningún arreglo ni se ha añadido ningún instrumento adicional. En esta ocasión, Terrana lanzó su agresivo virtuosismo sobre la tonadilla clásica del “Can Can”, que dejó alucinados a los que aún no conocían esta vertiente suya.

    Tras ese estallido de dominio técnico con las baquetas sonó el tema “Little lies” de nuevo del último disco. Un buen tema donde pudimos escuchar a Tarja en registros no habituales, y que vino precedida de una larga intro instrumental donde Scholpp y Lilja intercambiaron solos con sus instrumento. A continuación, Tarja nos permitió disfrutar de un avance de su próximo disco, “Into the sun”, una hermosa balada muy orientada hacia la ópera pero sin llegar a la altura de sus mejores canciones.

.

Eso sí que es actitud. ¡Oh yeah!

.

    Seguidamente y sin dar respiro, llegó la primera de los dos únicas concesiones al legado de Nightwish: “Bless the child” que logró por parte de la audiencia aplausos continuos. Una versión excelente en la que tuvo mucho que ver la gran labor del teclista Christian Kretschmar. Y llegó el turno del set acústico. Los músicos se replegaron en el centro del escenario y con Tarja en los teclados y Christian en otro chelo interpretaron un hermoso medley formado por “Rivers of lust”, “Minor heaven”, “Montañas de silencio” (sólo presente en la versión americana del último disco), “Sing for me” y la bella y emotiva balada “I feel immortal”. Tras el set, Tarja pegó la bronca de manera amistosa y divertida a los técnicos de la sala para que retiraran las sillas y los instrumentos rápidamente. Aunque todo quedó como una broma simpática, no es menos cierto que el fantasma de Nightwish apareció de nuevo, haciéndonos recordar los tiempos en que ella llenaba estadios con su ex banda al lado. En cuanto el escenario quedó despejado, sonó la apoteósica intro de chelo y teclado de Max y Kretschmar,  con la que empieza el particular homenaje de Tarja a las películas de James Bond, la excelente “In for a kill”.

.

    Tras la falsa despedida y unos minutos de ausencia, volvió la banda para ofrecernos el primer bis, nada más y nada menos que una versión del “Over the hills and far away” de Gary Moore, que ya interpretaba con Nightwish, en la segunda de las concesiones realizadas a su antiguo grupo. El público exaltado coreó de lo lindo el tema y seguro que más de uno se emocionó (entre los que nos incluimos), pensando donde estaría el bueno de Gary en ese momento, quien sabe si sobre la colinas y muy lejos, aunque también muy cerca en el corazón y el recuerdo de sus fans.

    Y ya para terminar, esta vez de verdad,  nos ofrecieron dos magníficos temas: el “Die Alive“ y el “Until my last breath” , ambos reconocibles por sus respectivas intros de teclados muy en la onda gótica que se puede escuchar en la actualidad.

.

    En resumen, un muy buen concierto aunque algo corto todo hay que decirlo (no llegó a la hora y media), donde pudimos ver a una Tarja en forma, con un sonido en la sala de primera calidad, una puesta en escena bastante correcta y una audiencia que respondió al reclamo de esta gran diva. La banda rayó a gran altura tanto técnica como interpretativamente, aunque si tuvieramos que destacar a alguien sería a Max Lilja por su constante aporte con el violonchelo, ya sea en forma de melodía clásica o de furia metalera, a Mike Terrana por su virtuosismo y alardes lanzando las baquetas al aire y recogiéndolas sin mirar, y por supuesto a Tarja, por cantar siempre al límite de sus posibilidades y no despeinarse ni dejar de sonreír ni un momento y por mostrarse tan agradable con el público hablando siempre en un má que correcto castellano. Fue una pena, eso sí, no poder escuchar el single del último disco “Falling awake” y ver como Alex le metía mano al formidable solo de guitarra de Joe Satriani que se puede escuchar en la versión de estudio del tema. También fue una pena un set-list tan parco en versiones, puesto que sólo un día antes, los aficionados madrileños pudieron disfrutar de versiones de Scorpions, Bon Jovi o los mismos Nightwish.

    Pese a que la sombra de Nightwish es alargada, Tarja hace todo lo que puede ya sea en estudio como en directo para demostrar que su propuesta en solitario es como poco, tan interesante como la de la formación que la lanzó a la fama. La lástima es que ni las ventas de discos ni entradas entre su ex grupo y ella pueden compararse. Pese a que la Sala Mandra estuvo a reventar, Nightwish, incluso en estos tiempos de recesión, llenarian dos Sala Mandras. En verdad Tarja no era Nightwish, y el carisma del resto de sus ex compañeros sigue siendo atractivo para los fans, pero no hay duda de que la banda de la finlandesa en solitario es de una enorme calidad a todos los niveles. Confiamos en que el tercer disco pegue en las listas de ventas y podamos ver a la diva en una sala de mayor aforo. Por parte de ella y sus músicos poco más pueden hacer, solo queda que los fans la apoyen aún más. Por nuestra parte, y teniendo presente este gran concierto, está claro que seguiremos muy atentamente sus próximas aventuras.

.

    Y para seguir con la tradición, completamos el artículo con más fotos, videotubes y algunos temas grabados en exclusiva por Guitar Xperience para todos vosotros.

.

• Dark star
• Naiad + Solo Mike Terrana + Little lies (intro instrumental) + Little lies
• Bless the child
• In for a kill
• Over the hills & far away
• Die alive

.

.

.

.

.

.

.

.

IVAN MACIAS & ALBERT SANZ

.  

     Debido a un catarrazo histórico, el programa de esta noche no se realizará y por descontado, el miércoles no habrá la tradicional entrada con el podcast. A cambio tendréis la detallada crónica del concierto de la diva gótica Tarja Turunen realizado anoche en la Sala Mandra 1 dentro de su gira “What lies beneath Final Tour”.

.

    Cambiando de tema, recordaros que esta semana tenemos dos conciertos de notable interés que prometen sensaciones fuertes: los reyes del metal progresivo Dream Theater estarán el 24 en Barcelona (Sant Jordi Club) y el 25 en Madrid (Palacio Vistalegre), y el revolucionario del blues Joe Bonamassa estará el 23 en Madrid (Auditorio A del Palacio Municipal de Congresos), el 24 en Murcia (Sala Narciso Yepes del Auditorio Víctor Villegas) y el 26 en Barcelona (Palau de la Música).

    Dos conciertos que es imposible perderse.

.

.

• Artista:  The Aristocrats
• Sello:     BOING Music
• Año:       2.011
• Estilo:    Jazz, jazz fusión, rock progresivo

.

CALIFICACIÓN TÉCNICA

• Nivel de técnica: 9/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: -5/-10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 7/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6/10
• PUNTUACIÓN: 7/10

.

CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 6/10
• Nivel de feeling: 7/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 4/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 4/10
• PUNTUACIÓN: 5,25/10

.

PUNTUACIÓN TOTAL: 6/10

.

       Ya hace un tiempo que un oyente nos tiró de las orejas al respecto de las calificaciones en las críticas. Se quejaba de que salvo en las reviews hechas a Yngwie Malmsteen, el resto tenían siempre unas calificaciones muy elevadas e insinuaba que sólo criticábamos discos de artistas que nos gustaban. Sí y no. Dado el carácter amateur del programa y la web, en bastantes ocasiones nos decantamos por bandas y solistas que en efecto, nos gustan; que ya que nadie cobra un duro, qué menos que disfrutar de lo que uno escribe, y aunque cueste creer, intentamos ser imparciales. Pero también es cierto que más de una vez hemos hecho críticas de gente que no conociamos, como por ejemplo, la realizada al guitarrista germano Christian Muenzner. Obtuvo buena puntuación, sí, pero personalmente servidor no ha vuelto a introducir su CD en la bandeja del equipo HI-FI. Y para equilibrar un poco la balanza y evitar futuras quejas, hoy toca hablar de un CD de debut de una banda formada por unos músicos de los que me considero rendido admirador, y que sin embargo me ha supuesto una inesperada decepción.

.

.

    The Aristocrats tiene una génesis curiosa. El bajista Bryan Weller y el batería Marco Minnemann, cuyo trabajo con Steve Vai, Mike Keneally, Necrophagist, Paul Gilbert o Adrian Belew Trio les había otorgado un gran prestigio (especialmente a Minnemann, que como ya sabréis, a punto ha estado de recalar en Dream Theater). Ambos se conocían y eran amigos. Cuando Bryan fue invitado al The Anaheim Bass Bash, un evento dentro del marco de la feria Namm, consistente en conciertos y jams de célebres bajistas, no dudó en pedir a Marco que le acompañara. De mutuo acuerdo decidieron que necesitaban incorporar a un guitarrista. Alguien de la organización sugirió a Govan, todo un maestro de la guitarra eléctrica en casi cualquier estilo existente y el más fiel representante de la “generación YouTube”. Cada uno de ellos compuso dos temas y envió los MP3 al resto. El problema era Govan vive en Londres, Beller en Nashville y Minnemann a caballo entre Berlin y San Diego, y para colmo los tres tienen siempre compromisos. Las fechas se acercaban y ni Beller ni Minnemann estaba convencidos de la preparación de Govan de cara al concierto. Cada uno de ellos había compuesto dos temas y todo el material era en exceso complejo. Ambos conocían el virtuosismo del otro pero no sabían si Govan iba a estar a la altura. Sin embargo, y tras un solo día de ensayo (justo el día antes del concierto) las expectativas fueron ampliamente superadas: entre ellos surgió una gran química y afinidad y el concierto fue un éxito.

    Tan extasiado acabó el público, que durante semanas, todas las redes sociales y los perfiles en FaceBook de cada uno de ellos ardían en peticiones para el trío (que ni siquiera tenía nombre) visitara cada ciudad donde hubiera uno de sus fans y por supuesto que grabaran un disco. Convencidos por el público y por ellos mismos de que tenían que plasmar aquel buen rollo antes de que fueran reclamados por otros artistas, ofrecieron la idea a varias discográficas que pasaron del tema. Así que, creando su propio sello y autofinanciándolo de su propio bolsillo, por fin salió a la luz este CD. Lo que no nos esperábamos que además fueran a realizar una gira por Europa -incluida España- presentando este trabajo, señal de que The Aristocrats han traspasado fronteras.

.

.

     El disco consta de nueve temas en los que predomina el jazz fusión y la experimentación, aderezada con elementos de rock, blues y funky. El trío ha apostado por composiciones muy densas en las cuales es difícil definir cual es la melodía principal, y que por desgracia no atraerán demasiado al fan del metal progresivo, que es mayormente el fan que tienen cada uno de ellos en solitario. Otro dato negativo es que tampoco tenemos las descargas de solos hipervirtuosos que esperábamos de Govan. No digo que no toque a un nivel muy alto, pero sí que a tenor de las decenas de videos vistos en Internet no vemos a ese guitarrista tan espectacular como ecléctico.

.

1.- Boing!… I’m in the back. El tema con el que se abre el CD y que contiene todo lo malo y lo bueno. Mezcla de rock, “metal new age – oriental” a lo Steve Vai, trash metal y búsqueda de sonidos extraños, como en el comienzo, con una batería totalmente panoramizada a la izquierda y una ecualización general extraña. El tema tiene su atractivo pero una vez acaba tienes la sensación de haber escuchado un medley de todo el álbum y no una sola canción.

2.- Sweaty knockers. Este sería el tema más standard en el sentido de que contiene más dosis de rock y metal y hay buena dosis de virtuosismo por parte de todos los músicos. También hay un desarrollo melódico más comprensible.

3.- Bad asteroid. Si bien comenzamos con una intro muy jazzística el tema evoluciona a terrenos de rock and roll clásico e incluso metal, hasta que a la mitad, el trío se nos pone en plan jazzístico combinado con algo de funky.

4.- Get it like that. Comienzo muy oscuro y enigmático y una atmósfera que nos acompañará durante más de siete minutos. La canción más jazzística de todo el disco. Tal vez la mayor muestra de virtuosismo de Minnemann y unos excelentes solos de guitarra limpia de Govan. Sin embargo, para romper con la monotonía que podía tener el tema, hacia el final hay un abrupto e incomprensible cambio hacía unos sonidos de metal pesado y agresivo.

5.- Furtive jack. Una divertida intro de reggae (WTF?) sirve a Govan para dar una lección de técnica clase y a Minnemann de como puede adaptarse a cualquier estilo. Cerca de la mitad evoluciona a terrenos de free jazz con momentos de cierta controlada confusión, con cada uno de los miembros tocando a su bola (atentos a Beller). Tras el ecuador Govan se pone en plan shredder con gran cantidad de distorsión. Al igual que el primer tema, no queda clara cual es la melodía principal, a no ser que sea la intro reggae con la cual también termina. De todas formas, tal vez sea este el tema con el que más se luce Bryan Beller al bajo.

6.- I want a parrot. Casi diez minutos de duración para una composición parecida a la segunda: sonidos rockeros, melodías reconocibles y un ambiente más relajado. Aunque haya momentos más potentes con regusto al Hendrix más fusionero, se mantiene la actitud tranquila. Hay que destacar la melodía principal realizada por Govan y Beller (ambos en estado de gracia) y los bonitos solos de bajo de éste último.

 7.- See you next tuesday. Fusión en estado puro. Una especie de King Crimson cuando se ponen en modo heavy y con un Guthrie Govan que homenajea sin rubor en su solo a Adrian Belew. Tenemos también un riff principal muy mueve greñas. El tema más cercano al rock progresivo de todo el disco.

8.- Blues fuckers. Blues y rock and roll en el cual la banda ha querido experimentar con diferentes sonidos. Govan pasa de guitarras tocadas a dedos con un punto de overdrive para los ritmos rápidos y con auto-wah y flanger para otros más tranquilos, mientras que Minnemann y Beller se nos muestran muy jazzísticos, especialmente el alemán. Un tema extraño ya que se adivina algo de blues y r ‘n r pero que no acaba de cuajar ni como tema rockero, ni bluesero ni fusionero.

9.- Flatland. Llegamos al final con la que podría considerarse la balada del álbum. Sonidos limpios y relajantes y un bajo (probablemente) fretless para una gozada de jazz con una pizca de fusión. Minemmann demuestra que puede ser sutil y tranquilo sin perder por eso complejidad en la ejecución. Govan demuestra también que es un maestro no sólo de la técnica sino de la expresividad y la emoción tocando un solo realmente hermoso.

.

.

.

.

    Ni mucho menos The Aristocrats han realizado un mal trabajo, pero da la sensación de haberse quedado a medias: es denso y complejo, pero no llega a niveles de la fusión de Jaco Pastorius o King Crimson. Los continuos cambios de ritmo y estilo suenan extraños y abruptos, no fluidos y naturales como en esos y otros muchos otros referentes. Hay rock pero no lo suficiente como para atraer a fans del rock o el metal progresivo. Hay mucho jazz, pero incluso el jazz más vanguardista -a excepción del free jazz- tiene unas estructuras y melodías reconocibles. Y si bien hay un enorme virtuosismo en todo lo que tocan, éste aparece en forma de ritmos y apenas en forma de solos (lo cual no es necesariamente malo, pero es lo que atrae en primera instancia a los fans de Guthrie Govan). Sí que hay momentos excitantes en las canciones pero no en la suficiente cantidad como para hacer que te estalle la cabeza.

     De lo que no hay duda, y conociendo los antecedentes de cada uno de ellos, que su hábitat natural es el directo. Y donde la escucha de su material grabado puede ser aburrida, sin duda que en directo no lo será tal, habida cuenta del nivelazo de cada uno de ellos por separado.

    En espera de su próxima visita a nuestro país (consultad nuestra agenda), os dejamos con estos videos que muestran como se las gastan estos chicos.

.

.

    Programa número doce. Seguimos como en ediciones anteriores hablando de algunos de los conciertos más destacados que tendrán lugar en breve, pero lógicamente centramos la atención en el estreno guitarrístico y rockero más importante del año: el retorno de los míticos Van Halen con su cantante original David Lee Roth.

    Aquí está el enlace del podcast del doceavo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

.

Programa # 12 – Temporada 15 – 13/02/12

.

• Tarja: In for a kill (What lies beneath)
• Danger Danger: Naughty naughty (Danger Danger)
• Joe Bonamassa: The last matador of Bayonne (Dust bowl)
• SECCIÓN GUITAR CLASSICS: Barón Rojo: Barón Rojo (Larga vida al rock ‘n)
• Dream Theater: This is the life (A dramatic turn of events)
  
• Güru: I want you out (Güru)
• SECCIÓN NET XPERIENCE: Nima Collective: Memory on (Songs of strange delight)
• SECCIÓN NET XPERIENCE: Nima Collective: Fragile (Songs of strange delight)
• Van Halen: Blood and fire (A different kind of truth)
• SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Patricia Tapia’s KHY: Despertaré (Irrompible)

.

    Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores. Ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente. Por último tenemos el Canal de Classics Xperience  que está dedicado a la sección homónima en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música.

    Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado “¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el 94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.

(ARTÍCULO EDITADO CON INFORMACIÓN DE ÚLTIMA HORA. NOVEDADES AL FINAL DE LA ENTRADA)

.

.

    Ya anunciamos en la sección agenda que el cantante norteamericano Ted Poley va a realizar un único concierto en España, concretamente el próximo viernes 17 en la sala Copérnico de Madrid. También anunciamos que será teloneado por Güru, la banda del prestigioso guitarrista David Palau y que además contará con un invitado de excepción como es Jorge Salán, con quien tocará algunos de sus clásicos. Toda una fiesta del hard rock y el A.O.R.. Si bien pocas bandas del estilo han sobrevivido a los 90 manteniendo su legión de fans intacta -Bon Jovi, Mötley Crüe o Poison-, es cierto que Danger Danger siguen estando en el recuerdo de muchos fans sin que su música haya perdido frescura o suene rancia. Y además Ted Poley no ha parado de grabar y girar con multitud de proyectos: Melodica, Prophet, Pleasure Dome, Bone Machine o él mismo en solitario ha conseguido que su legado (aunque sea en salas de pequeño aforo) no muera.

    Pues bien, hace un par de días saltaba la liebre y David Palau confirmaba en su perfil en FaceBook que Güru no sólo iban a ser sus teloneros sino su banda de acompañamiento. Dada la sorpresa y lógica extrañeza que nos ha causado esta noticia, ayer tarde realizamos una minientrevista telefónica al guitarrista catalán para que nos confirmase esto y nos diera más detalles. Lo que no esperábamos que la sorpresa al respecto fuera aún mayor y que viniera acompañada de otra sorpresa inesperada y más bien negativa y que hace referencia al futuro inmediato de Güru.

.

ALBERT SANZ (en adelante “AS”):  En principio Güru solo iba a ser la banda telonera, ¿cómo es que también ha acabado siendo su banda de acompañamiento?

DAVID PALAU (en adelante “DP”): Es que en realidad SIEMPRE ha sido así. Ted Poley lleva un tiempo que cuando hace cosas en solitario le acompañan bandas locales, no es la primera vez que lo hace. Como supongo que la promotora que lo trae a España (North Music) lo sabía se lo propusieron. Él buscó referencias al respecto y eligió a mi banda, entonces la gente de North Music me lo propuso a mi también y… ¿qué te puedo contar?, es un honor. Aparte de abrir la velada es un honor ser el soporte para este señor.

AS: Supongo que él ha escuchado vuestro disco y habrá visto la onda en la que os movéis y que sois muy similares en estilo.

DP: Sí. Él lo sabe. Todo este tiempo he estado muy en contacto con él y es una persona que se documenta mucho, mira muchos youtubes, facebooks o myspaces; es una persona que está muy al corriente de todo. Incluso llegó a mencionarme cosas mías que había visto con Alejandro Sanz. Fíjate, ¡qué sabrá Ted Poley de Alejandro Sanz o Miguel Bosé!, ¡jejeje! Pero el tipo sí se documentó muy en serio, y dijo “bueno, si esta gente va a estar conmigo y se van a subir al escenario conmigo, al menos debo saber  quienes son”, lo cual le honra mucho.

AS: O sea que realmente siempre ha sido así. Es que sorprende porque no se había dicho nada. Has sido tu el que has tirado de la manta.

DP: Sí, y lo dije porque no creo que haya que esconder nada. Me parece muy lícito y muy digno que Poley haga esto. En FaceBook vi la página del concierto y que mucha gente preguntaba sobre los músicos de acompañamiento, y por alguna extraña razón no se había dicho nada al respecto. Yo lo dije como lo más natural del mundo. 

AS: Es que no es algo que haya que esconder es algo muy positivo tanto para Ted como para ti. Sobre los ensayos… no habréis tenido mucho tiempo ¿verdad? ¿Cómo lo habéis hecho?

DP: Nosotros, los Güru, hemos trabajado mucho todo el set-list ya desde hace un tiempo. Como te he dicho, he estado constantemente en contacto con Ted y se ha preparado un concierto a su medida con el set-list que él ha seleccionado y con las peculiaridades que aporta en directo. Es cierto que llegará un día antes del show y nos encerraremos todos en el estudio a trabajar todo el día para acabar de pulir lo que sea necesario. Pero por nuestra parte ha sido algo hecho a conciencia. Yo grabé todos los ensayos en mi estudio y se los iba mandado hasta que diese el visto bueno. Ha sido un proceso muy laborioso y que nos hemos tomado muy en serio.

AS: ¡O sea que a lo mejor el que la caga es él!

DP: ¡Jajaja! No hombre, espero que no. Espero que haya hecho los deberes como hemos hecho nosotros, ¡jaja!

AS: ¿El set-list va a estar basado en su carrera en solitario, o habrá temas de otras bandas suyas como Danger Danger, Prophet o Bone Machine?

DP: Es que no puedo desvelar mucho.

AS: Claro.

DP: Hay que respetarlo, pero puedo decir que habrá bastantes hits de Danger Danger y de su carrera en solitario.

AS: Siendo un profesional no creo que tengas ningún problema, pero nos produce bastante morbo guitarrero ver como te enfrentas a algunos solos de Andy Timmons.

DP: Es algo delicado.

AS: Es que ya sabes que en este tipo de conciertos siempre va a estar el típico friki fan de las guitarras que estará allí analizándolo todo (o sea, como nosotros).

DP: Estoy más que preparado y dispuesto a ello. Soy consciente de que me subo en el lugar de un señor muy respetado, y que además soy absolutamente fan de su forma de tocar, de su fraseo y de su sonido y le tengo un enorme respeto, por lo cual me he preparado con todo el cariño del mundo. No pretendo ser Andy Timmons porque eso sería estúpido por mi parte, pero sé que toco sus composiciones y sus solos e intentaré respetarle al máximo para que la gente cierre los ojos y pueda escuchar lo que su mente recuerda respecto a Danger Danger. Pero por encima de eso soy David Palau y toco como toco, por lo que también habrá mucha parte de mi.

AS: Otra cosa que despierta bastante morbo es que colabore Jorge Salán, ya que significa juntar a los dos guitarristas españoles de rock más grandes que hay hoy en día. La escuela más veterana y la más nueva.

DP: ¡Gracias!

AS: ¿Está previsto alguna especie de duelo de guitarras o simplemente os vais a ceñir a la canción y punto?

DP: ¡Hombre! ¿Tú qué crees? ¡Dos guitarristas de este calibre encima del escenario con los amplis sangrando distorsión… imagínate tú la que se va a liar!

AS: ¡Eso espero!

DP: ¡Jejeje! Claro hombre, nos hemos juntado dos tiparracos para hacer el gamberro un rato y además con el absoluto consentimiento de Ted Poley. O sea que sí, claro que habrá solos y diversión llegado el momento. 

AS: Muy bien. Espero que todo el mundo grabe eso y lo suba rápido a YouTube.

DP: Pues sí, claro que sí. Por cierto, estuve el sábado en la presentación del sexto disco de Jorge aquí en Madrid y estuvo muy bien. Ya le felicité en privado pero aprovechando este momento, le quiero felicitar publicamente.

AS: Estuvimos en Madrid en diciembre para entrevistar a Vinnie Moore y de paso también le entrevistamos. Aunque ahora vaya más de cantautor y no tan en plan shredder el disco es muy bueno y él sigue siendo una bestia. Es un crack este chaval y un encanto de persona.

DP: Es muy de admirar su talento y su trayectoria y su voluntad de tener su carrera en solitario habiendo estado en bandas grandes y en bandas que le daban una estabilidad económica importante. La verdad es que es muy loable lo que él hace, el pelear por sus ideales de esa manera. Me quito el sombrero.

AS: Para finalizar, ¿los Güru en esta ocasión son los mismos del último concierto del Museu del Rock o hay alguna nueva variación?

DP: Sí claro, está Toni Mateos y Jordi Vericat a la batería y el bajo, que son los que ya viste.

AS: ¿Y cual es la diferencia?

DP: Pues que Pau Sastre ya no está.

AS: ¡Ay Dios!

DP: Hemos hablado y conversado mucho y nuestros puntos de vista en algún momento del camino empezaban a diverger. Además ha sacado un disco propio no hace mucho y realizó la presentación en Barcelona y yo sentía que no tenía la intensidad ni las ganas de volcarse en una banda como Güru, como creo que se merece un proyecto de este nivel. Muy cordialmente comprendimos que él debía seguir su carrera en solitario y yo debía buscar a otra persona para cantar en la banda. Quien va a estar liderando a la voz aquí en Madrid va a ser Dagarod, a quien tengo un enorme respeto. Él ha estado en los Burning Kingdom de Manuel Seoane. Le vi hace un tiempo y me dejó perplejo con su técnica y el color de su voz. Le llamé y su actitud y su amabilidad han sido inmensas desde el primer momento. El viernes estará cantando en Güru y lo hará excepcionalmente bien tal y como hemos comprobado en los ensayos, porque el tipo tiene un nivel increíble.

.

.

    Y esto es lo que dio de sí esta microentrevista. Tras algunas revelaciones sorprendentes y el posterior comentario de que el segundo disco de Güru -de posible aparición en enero de 2.013- contendrá la garra que le faltaba al primero (en parte por la inclusión de Dagarod a las voces), finalizó esta breve conversación que tan a bien tuvo Palau mantener con Guitar Xperience.

.

    Cambiando de tercio y como segundo tema del artículo, ya es conocida la especie de hecatombe nuclear dentro del seno de las “bisbalistas”. Palau desde su FaceBook ha lanzado el siguiente comunicado:

.

“Hola a todos/as!

He recibido muchos mails preguntando los motivos de mi marcha de la banda de Bisbal y mi destino actual, así que me siento en deuda con todo el apoyo y palabras de respeto que he recibido: 

Mi marcha de la banda no responde en absoluto a nada personal. Mi relación profesional y personal con David es más estrecha y mejor que nunca, David y yo hemos sido inseparables desde 2007 y así será por muchos años. Guardo en mi corazón una verdadera colección de momentos irrepetibles durante éste largo tiempo.

Hace más de un año al plantear la gira Acústica, se hizo un primer cálculo de concierto y fechas. Éstos iban a terminar en Diciembre 2011. Por ése entonces me llamó el señor Serrat para la gira Serrat & Sabina 2012 y yo acepté encantado por el honor que éso suponía y porque en ningún momento afectaba a la gira de mi artista, el señor Bisbal.

Las cosas no han ido así (afortunadamente) y David hoy tiene una gira extensa, triunfadora y llena de países aún por visitar debido a su reciente y exitoso DVD “Una noche en el Real” del que me siento profundamente orgulloso de haber participado y ayudado a nacer desde su creación. Las giras se solapáron y yo debo hacer frente a mi palabra y compromiso profesional con los señores Serrat & Sabina adquirido en su momento.

Así pués, mi auséncia será puramente temporal y mi regreso con David será un hecho real y muy deseado por ambas partes. Mi deuda con David es infinita por su gratitud, compañerismo, amistad y confianza al ponerme al cargo de tan importante carrera como és la suya.

Muchas gracias a David, a mis compañeros y a todo/as vosotros/as por vuestras muestras constantes de afecto y respeto.

Echaré enormemente de menos a mi gran familia Bisbal.

Un cordial saludo y hasta pronto !

David Palau”

.

    Fuera ya de la entrevista, le hablé sobre este respecto ya que las “bisbalistas” están desesperadas ante la confirmada ausencia del “tío de la gorra y la Ibanez blanca” del grupo del cantante de sus amores; algo a lo que deberían de irse acostumbrando ya que evolucionar es ley de vida. De hecho, eones atrás y antes de que las “bisbalistas” o el mismo David Bisbal nacieran, Palau era conocido como “el guitarrista de Sergio Dalma”, por tanto puede pasar (o no) que en un futuro el guitarrista acabe siendo fijo en otra formación. David Palau realizó los siguientes comentarios sobre esta situación:

.

DP: Sí, ha habido un poquito de revuelo. La gente cuando no sabe las cosas en este país se las inventa y para no dar más rienda suelta a la imaginación colectiva, qué mejor que yo en primera persona explique la cosas con toda la educación del mundo. Además soy una persona muy dada a dar la cara y a decir las verdades por su nombre, obviamente con cariño y con respeto por todo el mundo. No hay de que esconderse de nada. ¡La gente tiende a esconderse y es algo que nunca he entendido!

AS: Igualmente este tema me hace gracia. Creo que debes ser el único mercenario (con todos mis respetos por la palabra mercenario) en España al que le pasa esto, que aunque todas las fans sigan de manera enloquecida a su ídolo, también lo hagan con uno de sus músicos y además a un nivel importante.

DP: ¡Jejeje! Pues no sé si le pasa a alguien más pero me siento muy agradecido y a la vez muy respetado. La gente sabe que he estado en muchos tinglados y con muchos artistas, pero es cierto que llevaba casi seis años con David del cual puedo decir que aparte de ser su guitarrista y su director musical, soy su amigo y esto es algo TEMPORAL. Es algo de lo que hemos hablado y en cuanto acabe la gira con Serrat & Sabina VUELVO CON ÉL. Pero es cierto y me honra que la gente me siga allá donde voy al margen del artista que esté acompañando en ese momento.

AS: No sé si sabes de que acaba de abrirse un grupo llamado “Admiradores de David Palau” que en poco tiempo está creciendo en suscriptores.

DP: LO SÉ. Se llama ”Admiradores del guitarrista David Palau”. Soy el primer sorprendido porque yo no alimento este tipo de lugares y me doy cuenta de que hay gente que está muy pendiente de mi trabajo y de lo que hago, y obviamente es algo que me produce mucha FELICIDAD.

.

Dios mío. Nunca pensé que acabaría poniendo una foto del "ricitos de oro" en una web de guitarristas.

. 

Mejor subo esta también en pose "shred" y la acompaño de un video cañero, no sea que alguien me eche a los leones...

 .

.

.

EDITO:

    Tras la interesante pregunta formulada por Javi en la sección de comentarios de este artículo y por varias personas más via email, esta misma tarde (estamos a miércoles 15) me he puesto en contacto con Palau. De hecho, se ha puesto en contacto él conmigo porque debido a los ensayos le ha sido imposible contestarme cuando le he llamado. La pregunta es importante y aún así la pasé por alto: ¿Qué teclista van a llevar Güru como banda propia y como banda de soporte de Poley? Es bien sabido que por diversos compromisos Kike Serrano (que hizo un gran trabajo en el disco debut de la formación) ya no está con ellos, y tal y como vimos en el Museu del Rock, sus pistas son lanzadas por un secuenciador alojado en un ordenador portátil. Pero, ¿y qué pasa con Poley? Gran parte del sonido característico del A.O.R. lo aportan los sintetizadores, y por extensión, el trabajo de Kasey Smith fue muy importante a la hora de definir el sonido de Danger Danger. ¿Va Ted Poley a llevar también los teclados secuenciados? La respuesta es no. Pedro Hoyuelos se encargará de esta tarea en un par de temas de Güru y después en todo el set-list del vocalista americano.

    Hoyuelos es un veterano teclista con un currículum interminable a sus espaldas (o a sus manos más bien): Luz Casal, Mocedades, Alejandro Sanz y un largo etc. lo convierten en el homónimo a las teclas de David Palau. Además, ha sido hasta hace muy poquito compañero suyo en la banda de David Bisbal (hasta que el guitarrista catalán ha dejado la banda). Así pues, el nivel sigue asegurado. Ahora sólo queda que se abarrote la sala pasado mañana y todo el mundo -músicos incluidos- salga satisfecho del concierto.

.

Pedro a la izquierda junto a David y parte de la "familia bisbalera". Por cierto, ¿soy yo solo o Pedro tiene en esta foto un lejano aire a Mike Mangini?

.

.

    A lo largo de tres décadas, Metallica ha sido cabeza de cartel en los más importantes festivales y sin duda que eso no va a cambiar. Lo que no es tan normal que una banda monte su propio festival y se encarguen ellos mismos de gran parte de los aspectos de la organización. Pues bien, aprovechando las energías renovadas que ha insuflado a la banda la celebración de su reciente treinta universario, han decidido organizar ellos mismos su propio festival, el Orion Music + More que se celebrará en Atlantic City (Nueva Jersey) el 23 y 24 de junio.

    Lo más chocante es que no hay grupos de primera linea -a excepción de Artic Monkeys y Avenged Sevenfold- que les puedan hacer sombra mediaticamente, aparte de un sorprendente equilibrio entre bandas de metal e… ¡indies!

    La lista de bandas confirmada hasta el momento es esta:

• A Place to Bury Strangers
• Arctic Monkeys 
• Avenged Sevenfold
• Best Coast
• Cage The Elephant
• Fucked Up
• Gary Clark Jr.
• Hot Snakes
• Liturgy
• Lucero
• Modest Mouse
• Roky Erickson
• The Black Angels
• The Gaslight Anthem
• Titus Andronicus
• The Sword
  .

    Como no puede ser de otra forma, Metallica serán los cabezas de cartel, pero la gran sorpresa es que tocaran en ambas noches y lo que tocaran: en una  interpretarán por completo “Metallica”, también conocido como “The black album”, y en la segunda el “Ride the lightning“. Las entradas cuestan 175 $ y 750 $ . Estas últimas entradas VIP, incluyen pulsera de acceso especial, acceso a la sala VIP del festival (con catéring, cerveza y vino gratis), posibilidad de ver el festival desde una plataforma, WC’s exclusivos y zona de relajación. Sobre el inicio de venta de abonos, ha habido una preventa exlusiva para socios del club de fans oficial entre el 8 y el 10 de febrero y el resto de abonos se han puesto a la venta el 11.

    Si queréis daros una vueltecita por los USA y asistir al festival, que sepáis que la venta va a un ritmo muy veloz, ¡así que daros prisa!

    De momento os dejamos con el largo video que sirve de presentación del evento y de rueda de prensa virtual. Más info en http://www.orionmusicandmore.com/.

.

.

.

    La sección Net Xperience de hoy os trae a un stickista de nombre Nima Rezai, que está al frente de un proyecto realmente interesante. Hay ciertos músicos o formaciones a las que cuesta ubicar en esta sección ya que eso de nuevos valores no se les puede aplicar dada su trayectoria y calidad; pero como sus discos no tienen distribución en nuestro país y es un desconocido por estas latitudes, lo ubicamos en esta sección de nuestros descubrimientos hechos a través de internet.

    Nima Rezai tuvo como maestro a uno de los más destacados maestros del stick, Bob Culbertson -al que conoció en la adolescencia-, quien le hizo fascinarse por él. Bob comenzó con el bajo, pero una serie de problemas físicos le hicieron cambiarse al stick. Nima también intentó seguir el mismo camino pero se sentía mucho más cómodo con el instrumento inventado por Emmet Chapman.

.

Cualquiera diria que Bob Culberstson tenía problemas para tocar el bajo viendo esto…

.

     Aunque lo más curioso es que afirma que realmente no le gusta el sonido del instrumento, pero sí sus posibilidades tímbricas. Dejemos a Nima con sus propias palabras: “Este instrumento como cualquier otro instrumento tiene sus pros y sus contras. Yo en realidad no era un fan de su sonido, por lo que esa es una de una de las cosas en que realmente he empleado mucho tiempo. He estado tratando de encontrar un mejor sonido y al mismo tiempo no imitar a un bajista. Quería hacer que sonase como un instrumento original. Vi a mi maestro hacer eso también. Vi que él no estaba tratando de tocar el bajo por un lado y la melodía por el otro. Y siempre lo vi interactuar de tal manera, casi como si fuera un arpista. Eso es lo que me fascinó. Pero es un músico solista -la mayoría de stickistas lo son-, y a mi siempre me gustó la interacción entre los miembros de un grupo. Esa es una de las razones por las que compré un stick. He tenido suerte de encontrar un enfoque diferente al habitual en este instrumento y que encaje con todo el grupo.”

.

    Lo cierto es que tiene razón en una cosa, y es que hay pocos intérpretes del chapman stick que estén integrados en una banda, aunque sean el instrumento líder. Y aún añadiría algo más. Dichos intérpretes gozan de una virtud que a la vez es un problema: son gente muy inquieta que se aleja musicalmente de la comercialidad. Es por ello que lo habitual es encontrarlos siempre dentro de contextos de rock progresivo, música ambient o new age. Esto es una virtud, en efecto, ya que suele ser música muy rica en matices. Toda una delicia para los sentidos y los oídos más exigentes. Sin embargo es una música que aleja a oyentes a los que un poco de superficialidad y comercialidad no les molesta (lo cual no implica menor creatividad) y que buscan algo no tan árido o complejo de escuchar. Por tanto, y aunque adoremos la música progresiva o de fusión por su complejidad armónica, también es agradable encontrarse de tanto en tanto a stickistas como Greg Howard (jazz con una pizca de fusión), Irene Orleansky (world music), Kevin Keith (funky & soul) o Nick Beggs (descarado y divertido pop ochentero).

    Y Nima Rezai se incluye dentro de este grupo. Tiene un enorme nivel técnico pero aún más de composición y todos sus temas están orientados a un tipo de jazz muy rico en matices, con elementos de fusión, latinos, rockeros o de world music, etc., en los que no tiene reparos en otorgar el protagonismo a otros compañeros. Pero un rasgo importante de diferenciación estriba en que sus bandas son directamente “ensembles” o pequeñas orquestas con un número de músicos mayor de lo habitual. Rezai, que vive en el sur de California, tiene cuatro álbums -uno de ellos en directo- bajo el nombre de Nima & Merge. De hecho, el nombre artístico de su grupo era en principio Merge, pero tras un tour por Alemania descubrió que ya existía otro llamado así, por lo que añadió su nombre al anterior. Sin embargo, dado la gran variedad de músicos que aparecen en su último trabajo y su enfoque musical, el nombre ha cambiado al de Nima Collective.

    Hace unos meses, el propio stickista, ante mi interés, tuvo la deferencia de irme contando en que estado se hallaba el CD, desde la finalización de la grabación hasta su distribución en sitios como CD Baby pasando por el proceso de mastering. Finalmente llegó a mis manos y, demasiado tiempo después nos disponemos a analizarlo (aunque en mi descargo debo decir que ya apareció en el último programa de la pasada temporada).

.

.

.

 .

• Artista:  Nima Collective
• Sello:     Music Unifier Records
• Año:       2.011
• Estilo:    Jazz, jazz fusión, rock progresivo, new age y world music
• Contacto: Web oficial de la banda, perfiles en Twitter y Google +, grupo en FaceBook y canal en YouTube.

• Nivel de técnica: 8/10
• Velocidad: 7/10
• Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
• Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
• Nivel resto de músicos: 9/10
• Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 10/10
• Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6,5/10
• PUNTUACIÓN: 8,4/10

.

CALIFICACIÓN MUSICAL

• Calidad musical: 10/10
• Nivel de feeling: 10/10
• Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10
• Ganas de hacer “headbanging”: 7,5/10
• PUNTUACIÓN: 9,4/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 8,9/10

 .

    El CD consta de diez temas. Tres han sido compuestos en su totalidad por nuestro protagonista. Cuatro lo han sido en colabroación con algunos de sus músicos invitados (como el gran stickista Bob Culbertson). Por último, los tres restantes tienen como célebres autores a John Lennon y Paul McCartney, Sting y Jimi Hendrix. El propio Nima lo ha producido, grabado y mezclado uunto a Toby Rosen, y del mastering analógico se ha encargado Shawn Hathfield en los Audible Oddities Studios.

.

.

1.- Division.  Comenzamos con un tema compuesto por Nima Rezai y el violinista Jesús Florido. Empieza con didgeridoo y unas percusiones para dar paso al stick de 12 cuerdas de Rezai. Aunque el stick está presente sin duda que el violín es el instrumento principal, bien secundado por los vientos. Sin embargo, lo que en apariencia parece un tema jazzístico varia en su tramo final en una suerte de ritmo pseudo electrónico interesantísimo, con Chistopher García (batería) y Rezai en estado de gracia y el violín dando el contrapunto. Impresionante comienzo de disco.

2.- Norwegian wood. Christopher García abre el tema tanto con la batería. Al haber menos instrumentación destaca más el stick pero de nuevo es Florido quien lleva la voz cantante. El tema original de The Beatles que ya tenía ese aire oriental en parte por la inclusión del sitar, aquí se ha llevado un paso más allá, y aparte de world music, debido al aire relajante del tema debería pasar a los anales de la música new age. Rezai toca además un bonito y complejo solo de santur.

3.- Three steps. Canción compuesta junto al saxofonista y flautista Dan Heflin. La batería de García aparece junto al stick a quien se le une un rato después unas percusiones electrónicas tocadas también por Nima Rezai. La melodía principal está tocada simultáneamente por la flauta travesera y el saxo, lo cual crea un sonido muy interesante. Dado el aire tranquilo de la canción el stick tiene mucho espacio para respirar, aunque es flauta y saxo (con solo incluido) quien lleva el peso de la canción. Destaquemos el inesperado solo de guitarra de Adam Darling. Con un sonido distorsionado y una gran reverb, no me acaba de decidir si ha sido tocado con una guitarra fretless o con una normal y bottleneck/slide.

4.- Fragile. Primera de las versiones que aparecen en el disco, en este caso de Sting.  El koto de Randin Graves inicia la canción y pese al sonido tan oriental, enseguida reconocemos la melodía compuesta por el astro inglés. En cuanto entra el resto del grupo resulta impresionante como Nima ejecuta la célebre melodía, tocando con delay inteligentemente ajustado. De nuevo Jesús Florido al violín lleva gran peso del tema, con melodías y pequeños solos que tienen cierta influencia del jazz manouche de Stephane Grappelli (al menos el sonido es muy parecido). Christopher García por su parte, además de percusión con tabla, toca la batería a un nivel de los grandes baterías progresivos. El problema de la canción es su escasa duración -menos de cuatro minutos- y que sabe a poco.

5.- Float.  Alumno y maestro han compuesto este tema junto al saxofonista Dan Heflin. Se nota la influencia de Bob Culbertson puesto que la intro de stick de Nima Rezai suena más al sonido clásico de toda la vida del stick. Jesús Florido y Nima tocan al unísono, o más bien juegan entre ellos, en una suerte de improvisación relajante y tranquila; aunque animados por la batería de García, poco a poco vamos in crescendo. Florido toca un solo de violín con mucho pizzicato en una onda muy guitarrera. Tenemos también la guitarra clásica de Adam Darling, pero aparece en un discreto segundo plano aportando realmente poco.

6.- Persia.  Nos enfrentamos ahora al tema más experimental del disco. Aparecen instrumentos exóticos como el santour (Rezai), el daf o el udu (intérpretado por Houman Pourmehdi) y el taar (ídem por Milad Derakhshani), con otros más clásicos como el violín, el saxo o la batería a cargo de los músicos anteriormente citados. Se incorpora también el chelo de Michael Álvarez. El tema oscila entre la world music de tintes orientales y medievales, rock progresivo oscuro y new age. Una canción curiosa a la que es difícil descubrir la melodía principal debido a las múltiples capas sonoras y los diferentes solos que se van intercalando. Pero y con todo, no deja de ser impresionante.

7.- Memory on. Nima Rezai compone en solitario esta canción. Escuchamos por primera vez en el disco el AcouStick, o sea, un stick con caja de resonancia. Si habéis visto el video de Bob Culbertson ya sabéis de lo que hablamos. Harry Scorzo se encarga esta vez del violin y Delton Davis de diferentes elementos percusivos con los que improvisa sobre la jazzística base de Christopher García. Aunque también sea el violín quien lleva la melodía, es imposible no fijarse en el stick, muy rítmico y jazzístico también.

8.- In time. Un stick con delay y una reverb amplia da paso a la batería electrónica de Nima y al xilófono de Delton Davis. Tenemos un segundo stick realizando la melodía principal y un tercero realizando un colchón de sonidos sintetizados, y aunque también aparezcan los saxos de Dan Heflin, esta vez es Nima quien se muestra como principal músico del disco. Toda la canción tiene un curioso aire oscuro y muy cinematográfico, como a película de espias. 

9.- Little wing / Machine gun. Hendrix aparece homenajeado en esta particular versión. Rezai, Florido, García y Davis realizan una espectacular y fiel versión. Aunque el violín en principio pudiera recordarnos a la adaptación realizada en su día por The Corrs, no llegan al nivel de sonidos célticos de los irlandeses (aunque de sonoridad celta hay un rato). Por primera vez escuchamos el chapman stick con sonido de distorsión en un solo muy rockero. Aunque sea una balada, el fuego de Hendrix afecta a todos los músicos, puesto que la canción va in crescendo en fuerza, agresividad, intensidad y velocidad.

10.- Take me down. Y para acabar el disco qué mejor manera de hacerlo con un tema techno pop, muy ambiental, y que rompa con la tónica general. Adam Darling, quien tocó la guitarra clásica varios temas atrás se encarga ahora de la batería electrónica (muy minimalista, eso sí). Jesús Florido se atreve a tocar el violín con un ligero toque de whammy y armonizador, y Nima con su stick pasado por el delay aporta un ritmo muy interesante, además de tocar un solo con sonido a sintetizador ochentero muy Depeche Mode. Por la mitad del tema, el guitarrista Randin Graves se incorpora para doblar a Florido y el piano de Kevin Goode (aunque en segundo plano) también acompaña la línea de bajo del stick. Una muy interesante composicón que sive tanto para bailar como para relajarse por contradictorio que esto pueda parecer.

.

.

    Independiemente de los gustos personales de cada uno, el disco es un trabajo tremendo a nivel de composión y armonía. Se puede decir que todos los músicos son unos virtuosos en su campo, pero en ningún momento no hay ni un solo ni nada fuera de lugar. Todo gira entorno a la canción y nadie está por encima de nadie. Aunque todo parece muy trabajado y estudiado, a la vez fluye con una naturalidad pasmosa. Desconozco si existe el concepto de improvisación con guión previo, pero en algunos momentos así lo parece. El sonido, la mezcla y la producción son magistrales, así como la colocación de los diferentes instrumentos en el panorama stereo (recomiendo la escucha con auriculares), y son muy superiores a los de muchas bandas famosas que manejan presupuestos estratosféricos para sus álbums. Sin embargo, pese a que la base es jazzística, la incorporación de muchos elementos dispares y todo el aire relajante que respira el álbum da lugar a un álbum que puede gustar a un abanico muy amplio de oyentes.

    Nima Rezai además ha creado un álbum en el cual el chapman stick no es un instrumento solista (salvo en momentos puntuales) y que está integrado a la perfección en un grupo sin que su sonido diferente al resto de instrumentos (al menos a oídos profanos en la materia) les haga fijarse demasiado en él y perder la concentración en el resto de instrumentistas o melodías. En este sentido la integración es perfecta, tanto la suya como la del resto de compañeros.

.

    “Songs of strange delight” de Nima Collective es un trabajo en el cual por momentos consigue hacerte olvidar si está sonando tal o cual instrumento, o que estes escuchando jazz, flamenco o nu metal. Mediante unos elevados niveles de creatividad, feeling y accesibilidad a cualquier oyente, consigue llevarte al verdadero espíritu de la música. Consigue llevarte a un punto en el que ya no te planteas si lo que oyes te gusta o no, simplemente estás admirando la belleza de un arte en estado puro.

   Con toda probabilidad, “Songs of strange delight” sea lo más parecido a la perfección que hayamos esuchado en años.

.

.

.

.

.

.

     Ya teníamos ganas de que llegara este concierto. Llevamos tiempo siguiendo la trayectoria de esta cantante tanto con Nexx como con Mägo de Oz; y aunque es bien cierto que “Irrompible” ha tardado demasiado tiempo en hacer acto de presencia tanto en el programa como en la web, no podíamos dejar de asistir a este concierto.

    Poco antes de las 21:00 del pasado sábado 4 de febrero de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona), la Sala Mandra 2 permanecía cerrada, y unos pocos fans hacían cola ante la puerta, resistiendo el frío reinante. Unos pocos minutos antes del concierto de Leaves, el frío en el interior de la sala era casi el mismo que fuera y apenas había público para calentar el interior. Aunque el regalo del CD de los teloneros con la entrada en la puerta fue un buen detalle para entrar con el optimismo por las nubes.

    Siguiendo la tónica habitual cuando no conocemos a un artista, como es el caso del telonero, no investigamos nada previamente; que también somos fans y queremos sorprendernos (o cagarnos en todo según se mire). No saber de que palo van los teloneros te permite no ir con ideas preconcebidas. En esta ocasión los de Patricia Tapia estaban teloneados por Leaves, una banda barcelonesa formados por Franck y Manjón a las guitarras, Francis al bajo, Jordy a la batería, Mireia a los teclados y liderados por la cantante Raquel.

.

.

    Leaves se mueven en una onda de metal gótico y doom ambiental muy interesante. Enseguida destaca la voz de Raquel, con un estilo muy expresivo y muy buena técnica y que curiosamente recuerda por momentos a Björk. En cuanto salieron a escena ya vimos un serio problema y fue que la voz estuvo un poco baja, y claro, la música está muy centrada en la creación de ambientes un tanto etéreos y oscuros en los que la voz en el eje. A favor tuvimos que tanto el dúo de guitarras como el bajo sonaron con mucha potencia y claridad.

    Al finalizar el primer tema, Raquel presentó a sus compañeros y comentó lo feliz que estaba ya que dos semanas antes la habían operado de un problema en una retina y ya podía estar sobre el escenario. Sin conocer el directo de esta banda, creo que esta fue la razón para verla un tanto estática durante el set. Cierto es que su música no es para pegar muchos botes, pero el sonido es contundente y muy denso, así que unos meneos de melena no sobran. Pero por esta vez se lo perdonamos.

    Tras una media hora en la que tuvieron que lidiar con un público escaso y apático y un tremendo frío en la sala, tengo que admitir que -y con todo lo positivo de su propuesta- no disfruté del concierto y no fue por el asunto de sonido. La razón es que un estilo de metal alternativo, lento, oscuro, ambiental y etéreo con influencias de The Gathering, Anathema (primera época) y Björk no puede realizarse sin la presencia de un teclista. Si bien en los créditos de la banda aparece Mireia a los teclados, y tras una escucha preliminar del CD podemos constatar que los hay, sobre el escenario vimos un cuarteto. Pueden haber mil causas para la ausencia de Mireia, pero a estas alturas no pasa nada por llevar algunas bases grabadas (mientras no se haga playback sobre ellas, claro está). De esta manera faltó algo y salvo en un par de temas, las guitarras carecían de la sutileza necesaria para crear esos ambientes al sonar con un poderío y distorsión tremendas. No es algo que no tenga solución, pero no me veo capaz de asisitir a un concierto de hora y media de Leaves sin teclados.

    No obstante es una banda a seguir y un día de estos destriparemos su álbum.

.

.

    Y tras diez minutos para el consabido cambio de backline y la colocación de dos pancartas a los lados que mostraban media cara de Tapia (algo inútil, puesto que los mismos músicos las tapaban al ser el escenario de pequeñas dimensiones), salieron a escena los KHY, o lo que es lo mismo, Patricia Tapia (voz), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros) y los nuevos fichajes, Javier Sane (bajo y coros) y Juan Sánchez (guitarra rítmica y coros). Comenzaron fuerte, con una descarga de metal moderno como son los temas “Principio sin final” y “Entre cristales” que sonaron seguidos, y continuaron con un exhaustivo repaso a sus dos discos. “Sin ti”, “En la inmensidad”, “Promesas olvidadas” o “Despertaré”,  y las versiones de “El violín del diablo” de Mägo de Oz y “Beat it” de Michael Jackson hicieron las delicias del público que llenó el aforo sólo al cincuenta por ciento de la sala (algo desgraciadamente típico en Barcelona), pero que devolvió al grupo toda esa energía en forma de continuos aplausos y gritos de admiración, dirigidos muchos de ellos en especial a su menuda vocalista. No tuvimos ni a Fran ni a Carlitos de los Mägo de invitados ni interpretaron nada de Metallica como en el concierto del día anterior en Madrid, pero aún así el set-list fue excelente. Otro tema destacable fue “Cuando se apague la luz”, un momento de lo más emotivo. La que es una de las mejores baladas de los últimos tiempos nos puso la piel de gallina con la interpretación y el feeling que mostraban Patricia a la voz y Guadaño a los teclados. Lástima que la jodieron los capullos asistentes que estaban hablando a grito pelado en la barra (¿pero habían ido a un concierto de heavy metal o a hablar del puto fútbol?). Algún ¡schhh! pudo escucharse por parte de algún fan que sí deseaba disfrutar de la balada. Menos mal que el segundo tramo de la canción vino con sorpresa, puesto que la banda entró a lo bestia y por sorpresa, a contagiar de poderío metalero una melodía tan hermosa.

    Y tema tras tema el concierto finalizó con “Vidas en ruinas”, el cañero single del reciente “Irrompible” . Un final previsible pero muy esperado.

.

.

    La banda ralló a un nivel tremendo y desde luego (sin haberlos visto en directo con anterioridad) no se acusa los recientes cambios en la formación. Óscar Pérez y Juan Guadaño estuvieron muy precisos en sus respectivos instrumentos, pero la disposición del teclista, y la iluminación y el humo en la zona del batería impidieron verlos bien.  Javier Sane también estuvo muy bien al bajo. Moviéndose sin parar por el escenario (aunque fuera tan pequeño) demostró soltura y ganas pese a su juventud, y en algún momento intercaló lineas de slap muy potentes. De la pareja de guitarristas otro tanto. Aunque el hecho de no poder alejarse demasiado de sus pedaleras limitaba sus movimientos, también estuvieron inspiradísimos. Juan Sánchez tocó sus partes con fuerza a la vez que hacía coros con una buena voz y se encargaba de algún solo. Jaime de la Aldea se mostró con una actitud más seria, pero sus manos no paraban de hacer diabluras por el mástil. Un muy buen solista, con feeling y técnica de sobra, y que pasa sin problemas de tocar en un estilo más clásico a versionar con maestría el solo de EVH en “Beat it” o tocar la larguísima línea de arpegios del tema de Mägo de Oz. A Patricia Tapia la dejamos para el final. Si ya sorprende en disco por su notable técnica así como expresividad y capacidad de emocionar, es en directo donde hay que demostrar que lo que se ha grabado no se ha hecho con la ayuda del Autotune. Y no, Patricia suena en directo igual que en disco, casi mejor diría, porque en disco no puedes apreciar la fuerza, la rabia, la intensidad y el carisma que desprende esta mujer sobre el escenario. Si a esto unimos una evidente sensualidad y una atractiva estética tenemos a la cantante rockera perfecta.

    Pese a todo, también tuvimos parte negativa y vino dada por el sonido. En los dos primeros temas escuchábamos mejor los coros que a la propia líder. Por fortuna esto duró nada más que esas dos canciones. Bajo y batería sonaron perfectos, con una gran pegada y definición. El teclado también sonó de manera aceptable, pero las dos guitarras sonaron flojas, en especial la de de la Aldea. Vamos a ver, en los ritmos se les oía, pero los dos guitarras de Leaves sonaron con mucha más potencia y nitidez, y aquí no. Pero lo de los solos de Jaime ya fue de escándalo. Algunos se oían demasiado fuerte, otros muy flojos, pero la mayoría directamente si no le mirabas no te enterabas de lo que estaba haciendo. Una pena.

    Para ir acabando, destacar como anécdota la excelente memoria de Patricia:   entre un par de temas dedicó una canción a dos chicas y un chico que habían estado en el concierto de Madrid del día anterior, y al firmar autógrafos a la finalización reconoció también a un asistente a un concierto de los Mägo de Oz. Aparte de que repartió autógrafos, fotos, risas y sonrisas entre todos los que la reclamaban, demostrando que la rockstar se queda en el escenario al acabar el concierto, y que entonces sale la Patricia Tapia persona, adorable y simpática. Vamos, ¡un encanto!

    Aunque ella sea el centro de todas las miradas (es que esas mechas lilas y las tiras del mismo color de su traje son de lo más hipnóticas), el resto de músicos ayudan a conformar una banda muy interesante y con un directo de lo más contundente, y de la que nos declaramos fans incondicionales (hasta el compañero Ivan Macías, cuya aversión al metal cantado en castellano es notoria afirma lo mismo) y de la cual esperamos más discos y más giras.

.

    Os dejamos con unos videotubes del concierto, para que veáis una muestra del espectáculo de esta gran banda. Si queréis disfrutar de casi todo el concierto, el usuario de YouTube LouSaN92 lo ha grabado y lo ha subido a su canal (pinchando aquí). La calidad de imagen no es muy buena pero el audio es de lo más aceptable,  y os puede dar una idea de lo que da de sí esta banda en directo.

.

.

.

    Onceava edición en la que gran parte del guión -al igual que la semana pasada- gira entorno a algunos conciertos interesantes que tendrán lugar en nuestro país en breve. Virtuosismo y buena música a partes iguales en un programa en el que por desgracia vais a ver que por motivos técnicos, los comentarios se oyen con un cierto ruido de fondo que no hemos conseguido eliminar. Aunque sea algo molesto, por fortuna lo que es la música (y al fin y al cabo lo que importa) se oye con la calidad habitual.

    Aquí está el enlace del podcast del onceavo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

.

Programa # 11 – Temporada 15 – 06/02/12

.

• Tarja feat. Joe Satriani: Falling awake (What lies beneath)
• Tarja feat. Jason Hook: Extracto de Falling awake (Falling awake Limited Vynil Edition)
• Tarja feat. Julian Barrett: Extracto de Falling awake (?)
• Raphaël Fays: Rumba latina (Jazz Hot. The gipsy way)
• Joe Bonamassa: Seagull (Sloe gin)
• John Petrucci: Tunnel vision (Suspended animation)
• Patricia Tapia’s KHY: Vidas en ruinas (Irrompible)
• The Aristocrats: I want a parrot (The aristocrats)
• Hamlet: Tiempo (Syberia)
• Greg Howe: Morning view (Sound proof)
• SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Fuck Off: No return (Another sacrifice)

.

    Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores. Ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente. Por último tenemos el Canal de Classics Xperience  que está dedicado a la sección homónima en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, las secciones Net Xperience y Classics Xperience no han tenido cabida en el programa del lunes, por tanto sus canales no han sido actualizados).

    Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado “¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el 94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.