Edición vigésima con bastante variedad estilística, novedades y repaso de algunos de los próximos conciertos. Además recuperamos la sección Net Xperience de los nuevos valores con una banda curiosa y un proyecto dotado de una calidad tremenda.
Aquí está el enlace del podcast del vigésimo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:
Eric Sardinas & Big Motor: Too many ghosts (Sticks & stones)
Marco Sflogi: Andromeda (There’s hope)
Greg Howard: Blue ridge (Stick figures)
SECCIÓN NET XPERIENDE: Chess: Limited company (Victoria)
SECCIÓN NET XPERIENDE: Chess: The only one (Victoria)
Tomatito: Porque tú lo vales (Aguadulce)
Jane Getter: Loop (full-lenght version) (See Jane run)
The Rosenberg Trio feat. Stephane Grapelli: Night & day (Caravan)
Grönholm: Cross of mind (Silent out loud)
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Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores (ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente), y las que se emiten dentro de la sección Guitar Classics (cuyo correspondiente canal es este: Canal de Classics Xperience) en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, esta última secciónno ha tenido cabida en el programa del lunes, por tanto su canal no ha sido actualizado).
Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado“¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.
En esta sección de nuevos talentos os traemos hoy a una banda que ha realizado uno de los álbums más sorprendentes que han pasado no sólo en el año y medio de vida de la web, sino en los tres lustros de programa (y mira que han pasado discos por nuestras manos). Y lo más curioso del caso, es que no es un disco orientado a la guitarra, bajo o stick, lo que sería nuestra tónica. Sí que hay una enorme creatividad en el apartado del bajo eléctrico, como comentaremos en las conclusiones, pero es un trabajo eminentemente vocal y es eso lo que destaca. Aún así, es imposible que no hiciéramos el análisis del disco y la banda.
Tal como reza la nota de prensa, “Victoria”es un proyecto muy amplio, consistente en una trilogía de álbums que narrarán de forma musicalizada diferentes capítulos de una novela gráfica. Tras este proyecto se encuentra Chess, cinco músicos de diferentes nacionalidades (aunque el proyecto se está gestando en España) que poseen a su vez su propio alter ego en el particular mundo de “Victoria”, siendo por tanto personajes de las letras de cada canción así como de la novela gráfica.
Lo que voy a comentar a continuación puede sonar a enorme contradicción, pero dejadme que me explique. La originalidad brilla por su ausencia. Tras una primera escucha, y una segunda y una tercera y… siempre viene a nuestra mente un nombre: Queen. Además de Queen también nos recuerdan a Queen y a Queen también, con un poquito de The Beatles. Y no nos olvidemos además de Queen. Un rasgo que destaca en Chess son las elaboradas armonías vocales. Con toda probabilididad esta es la característica que mejor les define. Los cinco músicos cantan a un nivel similar y eso se nota en las armonías con claro sabor… sí, a Queen. Y ahora viene la contradicción: Chess tienen un sonido poco original en unas composiciones muy elaboradas pero poco originales. Sin embargo, es uno de los discos más originales que han pasado por nuestras manos, como hemos dicho. ¿Esto cómo se come? En España -y en cualquier país- grupos que sean influenciados o directamente copien los hay a patadas, pero desconocemos por qué extraña razón, en nuestro país no hay antecedentes (al menos que recordemos) que tengan una inspiración tan notable por Queen y que hayan parido unas canciones tan excitantes como respetuosas con el sonido de una época, y de las cuales Bryan May & Co se sentirian orgullosos si las escucharan.
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Dicho lo dicho, vamos a ponernos a destripar el álbum.
Chess lo forman Charlie Joss a la voz principal, Juanma Aznar a la voz y al bajo, Christian Lehane a la voz y a la batería, Joshua García a la voz y guitarra y por último Nick Nedelciuc a los teclados, piano y voz. Además cuentan con la colaboración de la cantante Lolita Ramirez y ellos mismos en algún que otro tema han cambiado de instrumento principal, aunque esto lo comentaremos llegado el momento.
El disco está compuesto por catorce temas y el grueso del material ha sido escrito escrito por Charlie Joss, aunque cada uno de los restantes músicos ha compuesto un tema y ha colaborado en los arreglos de los otros. “Victoria” fue grabado en los estudio Tigruss de Gandía (Valencia) con Pepe “The Dog” como ingeniero. El corte llamado “Sausade” fue grabado en otro estudio, concretamente en Elche, en el estudio que posee Rafa Díaz, guitarrista del grupo La Sonrisa del Caimán. De la mezcla y la producción se encargó Charlie Joss.
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1.- Chessiture. Compuesta por Charlie Joss y Nick Nedelciuc. Comenzamos bien: una intro épica con orquesta sintetizada, percusión y vientos. Algo menos de un minuto para un comienzo impactante.
2.- Victoria. Varios clásicos del rock se dan cita en esta composición de Charlie Joss. Las armonías vocales de Queen hacen su presencia pero no en demasiada cantidad. Cabe destacar que Lehane no toca la batería sino que lo hace el propio Joss, demostrando un excelente nivel en este apartado. Lástima que la voz solista no está a la altura en esta canción del resto del disco, pero aún así es un tema excelente y muy potente.
3.-Lemon heaven. El nivel aumenta con esta joya. Una pseudo balada compuesta por Joss y que comienza con un piano y un bajo que se dan la mano de forma creativa para introducir una melancólica guitarra tocada con bottleneck. Charlie Joss cambia totalmente de registro, cantando -sin perder la sensibilidad- de forma un tanto teatral. El asunto balada cambia en los estribillos, con el grupo acelerado en modo Queen/The Darkness. Difícil destacar algo de este temazo, aunque lo haría con la compenetración de Aznar y Nedelciuc al bajo y al piano.
4.- The best of me.Curiosa balada compuesta también por Joss. En ella, el vocalista canta en un registro más agudo y popero muy ochentero. Personalmente me recuerda a ciertos clásicos del synth-pop tipo Limahl en Kagagoogoo. De todas maneras, algunos estallidos de furia rockera eliminan el posible babosismo/horterez que podría tener la composición. Muy interesante la linea con e-bow que interpreta García a la guitarra y ciertos detalles de Aznar al bajo, quien en cuatro temas ya se ha mostrado como un bajista muy creativo.
5.- Faith.Compuesto a medias por Charlie Joss y Nick Nedelciuc. Queen a tope desde el primer segundo, con todo el grupo cantando la primera estrofa a cappella. Brutal. Joss recupera el tono grave del primer tema pero con ese tonillo teatral tan agradable. El estribillo es una muestra de los Queen más divertidos, pese a que al final la cosa acaba derivando en una especie de funk rock a lo RHCP. Imposible destacar a alguien sobre el resto en esta canción.
6.- Limited company. Sólo con la primera estrofa Joss ya da toda una lección de expresividad vocal. Una composición (también del vocalista) en la que cual tenemos armonías y melodías a lo Queen y The Beatles con ciertos toques de psicodelia que recuerdan al David Bowie de los 70. Recuperamos las armonías vocales de todos los miembros como en algún tema anterior y Joss vuelve a encargarse de la batería.
7.- Oh Daniela. Primera canción que no ha sido creada por Joss, sino por Juanma Aznar, Joshua García y Lolita Ramirez quien también se encarga de la voz principal, aunque Joss también dice la suya en algunos momentos. Balada popera y muy comercial que por la letra intuyo debe estar dedicada al bebé de algún miembro de la banda (hasta hay algún momento en que se oyen ruidos de bebés). La melodía del estribillo es simplemente mágica. Si existiera justicia, esta canción estaría sonando en todas las emisoras de radio.
8.- The only one. Cambiamos radicalmente de sonido. Pasamos ahora a un hard rock muy agresivo (e incluso heavy metal) de corte setentero, muy influenciado por Deep Purple, sobretodo por esos teclados a lo Hammond y un atractivo riff de guitarra. Joshua García se desmelena en el solo de guitarra como no lo habiamos oído hasta el momento. El estribillo añade algo de comercialidad pero sin bajar la intensidad. Un corte muy sorprendente teniendo en cuenta la tónica que llevaba el disco. Compuesto por el batería Christian Lehane.
9.- Killing ourselves.Aunque comenzamos como una balada acústica, pronto el tema cambia a una mezcla de country y pop muy divertida. En esta ocasión Queen no hacen presencia, lo hacen The Beatles, con un Charlie Joss (también compositor) que recuerda en bastantes momentos a Paul McCartney. Muy buenas las aportaciones de Joshua García a las seis cuerdas. Curioso es el cambio en plan pop electrónico que hay por el 3:30. Un tema comercial y muy radiable.
10.- Fat bastard.Compuesto a medias por Charlie Joss y Matthew Williams. Retomamos el rock más cañero, o más bien el punk rock más cañero. Juanma Aznar se calza además una guitarra para acompañar a Joshua García. Sin duda es un tema ideal para descargar adrenalina en directo (tanto los músicos como el público).
11.- So much better now.Esta vez tenemos cambios en la formación: Juanma Aznar compone y canta y Charlie Joss se sienta a la batería. Comienza como una balada soul setentera melancólica, un poco en plan película de Tarantino. Luego hay un cambio en plan funk rock muy interesante. Aznar canta con algún tipo de filtro que le distorsiona la voz. No lo suficiente como para impedirnos disfrutar de su timbre pero sí para que quede extraño. El resto del grupo aporta buenos momentos, como el piano de Nedelciuc o las guitarras de García. Joss además vuelve a mostrar lo buen batería que es.
12.- Sausade.Cambiamos ahora a toda una frikada que sin embargo tiene un atractivo hipnótico. Charlie Joss y Rafael Faust componen este tema. Acompañan a las voces Lolita Ramirez y el mencionado Faust. Joss por su parte también toca la batería (¡y de qué manera!). Decía que es una rareza ya que está cantado en brasileño y tiene un aire de bossanova y folk muy agradable, y finaliza con unos vientos que empalman con la siguiente.
13.- The power of man.Penúltimo tema, y como el siguiente, compuesto a medias entre Joss y Damian Shine. Tan sólo tenemos orquesta sintetizada, bajo, batería y voz. El tono es por momentos muy triste a la par que cinematográfico. El grupo entero está inmenso con las múltiples capas vocales que pueden escucharse. Atentos al bajo solista y la batería en el segmento final de la canción.
14.- So long.Interesante la linea de bajo del comienzo sobre la que canta Joss. El tema posee un agradable aire a hard rock angelino ochentero, pero los coros Queen le dan un punto diferenciador. El sonido de las guitarras es excelente. Un final rockero perfecto para acabar el disco.
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Como véis, he mencionado continuamente el nombre de Queen, pero lejos de ser unos clones, es como si Chess hubiera cogido lo mejor para llevárselo a su terreno. Por otra parte, los dioses del rock han sido y serán Queen (llamadme rarito o sacrílego, pero para mi nunca lo han sido los Stones), por lo que ser influenciados por ellos hasta un extremo tan elevado como aquí no deja de tener su gracia. Los juegos de voces en especial recuerdan muchísimo a los ingleses, pero lejos de pensar en que sean unos plagiadores, sólo puedo alabar el extraordinario trabajo de armonía que se esconden tras esos juegos, y la de horas que deben de haberle echado en el estudio ensayando.
No obstante, no todo es Queen en la vida de Chess. Tras una escucha detenida, es fácil deducir que canciones como “The only one”, “Oh Daniela”, “Sausade” o “So much better now” demuestran que sí existe un sonido Chess. De todas formas, si bien lo bueno sería que evolucionasen hacia un estilo más propio de cara a siguientes trabajos, no es menos cierto que estamos ante un álbum conceptual y primero de una trilogía; por tanto, el alejarse de las influencias y del sonido que han conseguido en los dos siguientes sería un error.
Respecto a la banda, por una vez me es realmente muy difícil destacar a alguien. Al cambiarse en algunos momentos de instrumento, colaborar en los arreglos y cantar todos en todas las canciones, la sensación de cohesión es total. Recomiendo la escucha con auriculares para apreciar los millones de matices que impregnan cada canción. Charlie Joss es un vocalista increíble, con un rango tonal bastante amplio y una notable capacidad expresiva, tanto en temas rockeros como en otros más pop (pese a que algo debió pasar en la grabación del tema “Victoria” paraque no fuera cantada con la calidad del resto de canciones). Además a la batería -y sin menospreciar el trabajo de Christian Lehane- también tiene un gran nivel. Lo mismo puede decirse de Lehane, García, Aznar y Nedelciuc. Grandes músicos en su terreno y encima tremendos cantantes. Dado que Guitar Xperience es un programa de guitarristas, bajistas y stickistas, es normal que nos fijemos en estos instrumentos. Para mi sorpresa, creo que tiene más momentos de creatividad el bajo de Aznar que no la guitarra de García (aunque no existan solos de bajo como tal). En modo alguno es un menosprecio al trabajo del guitarrista, pero resulta agradable comprobar como hay bajistas que no se limitan a seguir la tónica del acorde de turno y deciden hacer algo más.
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En cuanto al tema de la mezcla, para ser una autoproducción, la calidad es poco menos que sorprendente y a la altura de cualquier propuesta mainstream que pueda sonar en las emisoras de radio; y la mejor manera de comprobarlo -como he comentado- es escucharlo con auriculares.
Por último, no puedo dejar de mencionar el sencillo pero elegante diseño del libreto, a cargo de Charlie Joss y Rafael Faust, el trabajo de peluqueria y estética de Guillermo y Pamela Nardi (cuyas sensaciones transmitidas van del “¡Cómo mola!”al “¡Dios mio, que horteras!, pero que no dejan indiferentes a nadie) y a la transformación de los músicos en superhéroes/villanos en la portada (creados por el dios Photoshop en base a las especificaciones de Charlie Joss).
En definitiva, “Victoria” y Chess son una rara avis dentro del panorama musical no sólo español, sino europeo. Fans de la buena música, ¿a qué esperáis para darle una oportunidad?
¡Ay qué tiempos aquellos! Hacer la crítica del DVD del concierto de Whitesnake como cabeza de cartel del prestigioso festival Monsters of Rock que tuvo lugar en el circuito de Donington Park en agosto de 1990 dentro de su gira mundial “Liquor & Poker World Tour” va a ser como volver de nuevo a mi juventud, ya que con mis 18 añitos recién cumplidos pude asistir una semana antes al show que ofreció la banda en el velódromo de Horta de Barcelona, y ver por segunda vez en poco tiempo a mi ídolo de la guitarra por aquellos tiempos Steve Vai. Y digo por segunda vez porque dos años antes pude verle con David Lee Roth en lo que fue mi estreno en el mundo de los conciertos de bandas de rock, y que más tarde se convertiría en una auténtica pasión para mí.
Aquellos sí que eran días gloriosos para el hard rock y el rock en general, cuando se podían ver por televisión video clips y actuaciones en directo de las bandas del momento en los diferentes programas musicales, y muchas de ellas llenaban estadios y salas de gran aforo rivalizando en ventas con los cantantes de pop prefrabicados de mayor éxito; y es que todavía no existían los productos de marketing de los reality y el rock tenía toda la popularidad que se merecía.
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Bueno, pasando a comentar lo que es este DVD puedo decir que la banda que nos presentaba el líder del grupo, el vocalista David Coverdale no estaba nada mal: Tommy Aldridge (ex Pat Travers, ex Ozzy Osbourne) en la batería, Rudy Sarzo (ex Quiet Riot, ex Ozzy Osbourne) en el bajo, Rick Serate (el más desconocido)en los teclados y Adrian Vanderberg (ex Vandenberg) y Steve Vai (ex David Lee Roth) en las guitarras. Muchos critican el hecho de que Coverdale haga y deshaga a su antojo a la serpiente blanca, pero no se puede dudar del buen ojo que tiene para escoger a los mejores músicos y sintonizar musicalmente con ellos.
El grupo presentaba su nuevo disco “Slip of the tongue”, un disco muy ochentero y muy en la línea del anterior, el exitoso “1987”, pero menos bluesero, algo por lo que recibió algunas críticas de sus fans más conservadores que veían como la sustitución de Adrian Vanderberg por Steve Vai en la grabación del disco debido a un problema en la muñeca de Adrian le daba un toque más virtuoso y efectista al disco, alejándose del feeling de discos anteriores, aunque el disco en realidad fuera compuesto por Adrian, ya que Steve se limitó a grabar las guitarras. Del hard rock y blues clásico de los comienzos no quedaba apenas nada: en su lugar teniamos un hard rock y A.O.R. sobreproducido, con múltiples capas de guitarra y teclado, y un Steve Vai que contra todo pronóstico, obtenía mayor protagonismo del esperado. No obstante, “Slip of the tongue” era un excelente disco aunque iba en una dirección diferente, y para cualquier aficionado a la guitarra, se trata de uno de los mejores trabajos de Vai.
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Lo primero que se observa al empezar a ver el DVD es que la calidad de imagen no es demasiado buena y muy deficiente y en blanco y negro en algunos momentos, llegando incluso a ralentizar a cámara lenta bastantes planos, como si faltara metraje. Sin embargo, esto se compensa con una calidad sonora excelente gracias a una nueva remezcla 5.1 Surround hecha en el 2011, que maximiza la sonoridad del show. Y es que tal y como podemos leer en la carta de presentación que hay en el libreto del DVD, esta edición está justificada por su valor emotivo y para que el fan pueda disfrutar y recordar aquella inolvidable gira celebrando ya sus 20 años de historia, además de por ser el proyecto más demandado desde la creación de www.whitesnake.com.
Desde el primer tema podemos ver a todos los músicos a un nivel interpretativo muy alto: David con un pedazo de chorro de voz nada que ver con los últimos conciertos en los que le he visto, Steve participando más en los nuevos temas dejando los clásicos para Adrian pero compenetrados en riffs y solos haciendo sonar sus guitarras como nunca, al igual que Tommy y Rudy con sus instrumentos. El directo empieza intercalando temas del nuevo disco con el de 1984 “Slide it in”, aunque los temas se basarían sobretodo en el último y en el de 1987 de igual nombre.Eel primero en sonar es el potente y salvaje “Slip of the tongue”, seguido por el clásico “Slide it in” y la intro acústica de “Judgement day” con su riff inconfundible, volviendo poco después al blues de otro clásico como “Slow & easy”.
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A continuación sonaba el desenfrenado y rockero “Kitten´s got claws” con un Steve Vai sensacional y portentoso. Después era el turno del protagonismo de Adrian Vandenberg presentado como The flying dutchman y su solo “Adagio for Strato”:un solo de largas notas con mucha reverb y delay, muy de la época y que no estaba mal pero que tampoco aportaba nada demasiado interesante, y el tema “Flying dutchman boogie” ya más elaborado y musical para finalizar con otro solo de tapping demostrando su habilidad con la guitarra pero sin llegar a la técnica e inspiración de las composiciones de Steve Vai.
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Seguidamente, otro clásico (ahora más que entonces): su éxito comercial de 1987 “Is this love”, aquí se equivocaron a mi entender, el solo tenía que haberlo tocado Adrian y no Steve por tener un estilo más parecido al guitarrista original John Sykes. Vuelta al nuevo disco con la más “rockera con sabor a blues” del disco, “Cheap & nasty” con su estribillo coreable y vuelta a “1987″ con “Crying in the rain” con un solo de batería entre medio a cargo de Tommy y Steve de protagonistanuevamente, extraña y no muy comprensible elección habiendo Adrian participado en el álbum, para enlazar con el single del nuevo disco “Fool for your loving” que en realidad era una versión actualizada del tema original que aparecía en el disco “Ready an’ willing”.
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Y llegó el turno de lo que todos esperábamos: el lucimiento de Steve Vai; Presentado como Mr. Passion & Warfare por David Coverdale interpreta unas versiones más cortas de lo habitual de los temas “For the love of God”, con la guitarra en sustain y colgada de un cable al final, y “The audience is listening” con Steve revolcándose por el suelo y haciendo piruetas por el escenario.Todo un lujo para sus fans el poder escuchar algún tema de su reciente -en aquel momento, claro- segundo disco en solitario “Passion & Warfare” y que será recordado posteriormente como su mejor disco, al menos hasta el día de hoy.
Después sonarían dos temazos del “1987” como son el “Here i go again” (otra revisión del tema de 1982 del mismo nombre grabada en el disco “Saints & Sinners”) -esta vez sí con solo de Adrian ya que él fue quien lo compuso- y el “Bad boys”, con una incursión del tema “Children of the night” con un Steve Vai haciendomalabarismos sobre las cuerdas de su guitarra con forma de corazón que ya la popularizó en su etapa con Roth.
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Para finalizar se escucharía el bluesero “Ain´t no love in the heart Of the city” con todo el público cantando el estribilloyla potencia del impresionante “Still of the night”, con el famoso solo ejecutado con el arco de violín por parte de Adrian Vandenberg.
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El DVD se completa con una galería de fotografías realizadas en la gira “Liquor & Poker World Tour” y un “Behind The Scenes” con imágenes del proceso de creación del álbum “Slip Of The Tongue”en el lago Tahoe y extraídas de la colección privada de David Coverdale.
En resumen, pese a la baja calidad visual (en bastantes ocasiones y de una manera sorprendentemente negativa, parece haberse confeccionado a base de grabaciones hechas por aficionados), la calidad de la mezcla surround en este DVD o la stereo en la versión CD son excelentes; y entre eso y que nos encontramos con un documento visual de alto valor nostálgico y emotivo que rinde culto a aquella época, y que ha sido muy solicitado y largamente esperado por los fans, es indudable que la experiencia de verlo es de lo más disfrutable. Además cuenta con unos extras que dejará contento a quien se haga con él.
Carlos Segarra Rock N’ Roll Club: Suzie Q (Back to the Club)
Rodrigo y Gabriela: Take 5 (foc-ing version 9) (re-Foc)
Blotted Science: Activation synthesis theory (The machinations of dementia)
SECCIÓN GUITAR CLASSICS: Eric Clapton: Layla (Unplugged)
Kaki King: Solipsist (Legs to make us longer)
Kaki King: Magazine (Legs to make us longer)
Tal Wikenfeld: Truth to be told (Transformation)
Marc Bonilla: Lycanthrope (EE Ticket)
Steve Ray Vaughan: Little wing (The last child)
Steve Ray Vaughan: 3rd from the sun (The last child)
SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Aerosmith: Dude (looks like a lady) (A little south of sanity)
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Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores (ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente), y las que se emiten dentro de la secciónGuitar Classics (cuyo correspondiente canal es este: Canal de Classics Xperience) en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, la sección Net Xperience no ha tenido cabida en el programa del lunes, por tanto su canal no ha sido actualizado).
Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado“¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.
Hoy os traemos todo un discazo. Una auténtica joya del rock más clásico creada por un grupo de músicos nacionales con dilatada experiencia en directo, y que rezuma amor por la música. Whiskey Viejo está formado por Joaquín Padilla (vocalista de Iguana Tango), Borja Montenegro (guitarrista de Manolo Tena y Soledad Jiménez), Ricardo Esteban (bajista de La Orquesta Mondragón y los Petersellers), Toni Vázquez (batería de Radio Futura y Manolo Tena) y Chema Hernández (teclista de Presuntos Implicados). La banda se formó en 2.010 simplemente como diversión, realizando covers de grandes bandas del hard rock americano. Una especie de alternativa a lo realizado en sus bandas principales; sin embargo, se corrió la voz de su excelente calidad en directo, por lo que les picó el gusanillo y a finales de aquel año empezaron a trabajar en temas propios.
En mayo de 2.011 se encerraban en el estudio y a mitades de noviembre Whiskey Viejo daban a luz a su primer retoño, titulado de forma homónima. La banda se encerró en los estudios El Cielo de Madrid y grabaron a la antigua usanza, en directo, en tomas del tirón y sin posteriores overdubs o retoques. Sí que hay algunos invitados que grabaron posteriormente, como son Jorge Ojea de Luz Casal a las guitarras acústicas, eléctricas y dobro, Sonia Herrero de La Prima Donna a los coros, Pilar Machi (hermana de la popular Carmen “Aída” Machi), Lorenzo Azcona a los saxos y arreglos de vientos y Howard Brown a la trompeta. La mezcla y posterior masterización corrió a cargo del prestigioso José Maria Rosillo (Loquillo, Fito, Amaral, etc.). La propia banda se encargó de la producción; todo para preservar el espíritu clásico que impregnan sus composiciones.
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A ver que tal nos sienta este whiskey viejo.
1.- El pasajero. Comenzamos con un comienzo sorprendente, puesto que estamos ante una balada cálida, llena de feeling y que transmite buenas sensaciones. Joaquín se no muestra muy americano en su forma de cantar, recordando a Carlos Tarque de M-Clan. Piano, mandolina, bellos coros, letra emotiva y aroma a rock sureño por los cuatro costados.
2.- Bye bye honey. Seguimos con un rock and roll clásico a medio tempo y con sonido de guitarras sucias. El órgano Hammond de Hernández tiene mucha presencia acompañando de manera perfecta a un Padilla que canta de forma más agresiva esta vez. Montenegro toca un solo bien ejecutado pero con un sonido muy sucio, acorde con la tónica del tema. Ideal para escuchar en un garito con una cerveza en la mano.
3.- Viejas cuentas pendientes. El espíritu de unos primerizos Aerosmith se hace presente con otro rock and roll no tan guarrete como antes. Los saxos aportan un toque de clase y estilo a la composición. Auténtico glamour rockero.
4.- Lo que no eres. Rock sureño a lo M-Clan movido y alegre. Vientos y pianos acompañando a guitarras con slide en un tema excelente y vacilón. De lo mejor del disco.
5.- Acuérdate de mí. Retomamos la tranquilidad con otra tranquila balada, que como la canción anterior, también recuerda a los M-Clan, lo cual no es que sea necesariamente malo. La letra es muy bonita y Joaquín la canta de forma magnífica acompañado al estribillo de unos excelentes coros femeninos. El solo Hammond otorga una sonoridad casi eclesiástica.
6.- Dejándonos llevar. Otra muestra de hard rock crudo potente. Pese al tempo lento del tema, el grupo toca con mucha intensidad, especialmente Toni Vázquez a la batería, quien realiza unas líneas con más matices y complejidad de lo que aparenta. El solo de guitarra aunque corto es realmente excitante. Una de las mejores composiciones del disco.
7.- Una mala resaca. Más aires a clásicos del género en un tema que oscila entre el hard rock angelino y el rock sureño. Una vez más los teclados proporcionan un colchón sobre el que las guitarras pueden sacar toda su rabia. ¡Excelente!
8.- Flores en el barro. Nueva balada esta vez con tintes country y que podría ser la más radiable por las emisoras comerciales si estas no estuvieran más interesadas en promocionar a artistas clónicos y música carente de todo valor artístico. Preciosa letra con un gran trabajo en los coros del estribillo. Joaquín Padilla está especialmente sensible en este tema.
9.- Distancias de seguridad. Aquí tenemos una muestra de rhythm and blues que hasta ahora no habían realizado. Combinándolo con rock clásico, vientos, pianos, guitarra slide y una letra de lo más vacilona, acaba siendo la canción más macarra y divertida del disco. El solo de saxo de Lorenzo Azcona queda genial, al que da réplica un inspirado Borja Montenegro. Como detalle, este tema aparece en el libreto con su letras (libreto con un diseño la mar de elegante, por cierto) pero no así en la contraportada, siendo solo nueve los títulos que están escritos en ella.
10.- Andando hasta el amanecer. Más toques de country concedidos por unas guitarras acústicas (una rasgueando y la otra usando slide) y un bonito acompañamiento tanto de órgano como de piano. Una mezcla hermosa de country y gospel en formato balada que recuerda a The Black Crowes y Lynyrd Skynyrd y que queda perfecto como cierre del disco. Una manera de terminar relajada y con un regusto nostálgico; nostalgia por unos tiempos en los que música así sonaba a todas horas en las listas de éxitos (americanas claro está).
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Musicalmente hablando, los Whiskey Viejo han creado una obra cuya originalidad es nula. Las influencias de Aerosmith, The Black Crowes, Lynyrd Skynyrd, Rolling Stones y M-Clan estás presentes en cada uno de los temas que conforman el disco. Pero está claro que si te mueves en terrenos de rock clásico, hard rock angelino, southern rock, r&b (el auténtico, no la mierda que nos quieren vender con el mismo nombre de Beyoncé y compañía) es imposible sonar original. No obstante, siempre he pensado que tiene tanto mérito intentar buscar la originalidad como realizar algo bueno y que suene trillado. En este caso los referentes son continuos, pero esto no resta brillantez a un gran disco.
A nivel interpretativo todos rallan a gran altura, pero destacaría a Chema Hernández a los teclados ya que me ha recordado al trabajo de Derek Sherinian en el primer CD de los Black Country Comunnion: no parece que destaque y sin embargo está presente en todos los temas del disco, y si elimináramos sus partes el tema se quedaría cojo. A quién también destacaría sería a Joaquín Padilla. Todo el mundo tendrá presente a Iguana Tango, banda de pop rock comercial que se coló en todas las emisoras hace tiempo y se hizo fija en las galas de una edición de Gran Hermano. Banda cuyos singles e himnos poperos eran comerciales hasta decir basta, aunque sin el componente repelente de otras similares. Lo que mucha gente no sabrá y es algo que se descubre fácilmente tirando de Wikipedia u otras fuentes, es el bagaje rockero e incluso heavy de Padilla, con lo cual no es de extrañar que se haya enrolado en este proyecto.
No obstante, hay dos detalles que ensombrecen ligeramente el resultado final. Una estaría la mezcla. Suena cruda, rockera, con un punto añejo maravilloso. Una mezcla muy trabajada no sólo para recordar a bandas del género sino para recordar a una época concreta del rock and roll. Pero en ese intento, el bajo ha quedado un poco bajo (valga la redundancia) en la mezcla y es una lástima que no hayamos podido disfrutar mejor del trabajo de Ricardo Esteban. El otro detalle negativo afecta a la voz de Padilla. En su intento de que la gente se olvide de su pasado más popero y almibarado, canta continuamente con un deje americano que llega a ser irritante. No es que un poco quede mal ya que Carlos Tarque de M-Clan lo hace y no pasa nada, pero es que hay momentos en los que dan ganas de decirle, “mira amigo Joaquín, ¿por qué no cantas directamente en inglés?”. Tarque padecía de ese síndrome (que no sólo afecta a rockeros, sino a casi todos los estilos “modernos” -en especial a cantantes femeninas de pop en español-) en sus inicios, pero supo encontrar un equilibrio. Aquí no hay tal equilibrio, pero el resultado se compensa con unas composiciones excelentes y unos acompañamientos a los coros no menos excelentes.
En definitiva, un gran disco de una formación de la cual esperamos futuros trabajos si sus agendas se lo permiten. Sólo apto para sibaritas del rock añejo con garra, clase y buen gusto.
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EDITO
A las pocas horas de publicar esta crítica, me he topado con la trágica noticia del fallecimiento del batería Toni Vázquez el pasado ocho de marzo debido a un cáncer (más info en http://www.mariskalrock.com/index.php/2012/03/08/fallece-toni-vazquez/). Desde Guitar Xperiencie deseamos mandar condolencias y nuestro apoyo a la familia de Toni y a sus compañeros de Whiskey Viejo.
