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Crítica: Van Halen “A different kind of truth”

Publicado en Crítica con etiquetas A different kind of truth, A.O.R., David Lee Roth, Eddie Van Halen, hard rock, Michael Anthony, tapping, Van Halen, Wolfgang Van Halen el 24/02/2012 por Guitar Xperience

(Esta crítica significa el retorno a la web de un antiguo colaborador del programa, Dani Higuera. Con el estilo particular que le define, cínico, humorístico y un poco cabrón, y que tan bien pudo verse en su crónica del concierto de Alice Cooper (leer aquí), se adentra en los entresijos del disco de rock y metal más esperado de los últimos años. Si bien todos los miembros del staff deseábamos echarle mano al disco, los conocimientos enciclopédicos sobre A.O.R., hard rock, west coast rock y rock clásico del susodicho le hacían el más apropiado para realizar la crítica. Y además es un fanático de Van Halen. Pese a todo, tanto Ivan Macías como un servidor que escribe esta introducción, complementaremos el artículo con nuestra opinión. ¡Este disco es demasiado importante como para que no digamos la nuestra!

Con todos ustedes, Daniel Higuera. Por cierto, aprovecho para decir que algunas de sus afirmaciones pueden herir la susceptibilidad de más de un metalero.)

Artista: Van Halen
Sello: Interscope
Año: 2.012
Estilo: Hard rock, classic rock, A.O.R.

CALIFICACIÓN TÉCNICA

Nivel de técnica: 9/10
Velocidad: 9/10
Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
Nivel de coñazo virtuosístico: -4/-10
Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7/10
PUNTUACIÓN: 7,8/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

Calidad musical: 10/10
Nivel de feeling: 8/10
Posibilidad de escucharlo de un tirón: 7/10
Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
PUNTUACIÓN: 8,25/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

Hablar de un nuevo disco de Van Halen para mí es como volver a ver a un pariente lejano y querido que hacía décadas que no veías. Desde que los descubrí a través del gigantesco “Fair Warning” se convirtieron en mi grupo preferido. Supongo que ya les conocéis, pero mejor presentarles para esos cuatro gatos que no los conocen aún.

1) Los que han estado siempre: Tienes a Eddie Van Halen, que no sé si soy yo, pero creo que él solito se inventa escalas y notas nuevas y hace sonar su guitarra como una orquesta en miniatura, cosa que copió descaradamente Nuno Bettencourt con su sonido de “ametralladora de riffs”. Pero Eddie es un genio único, como Picasso, Groucho o Belén Esteban.

Tienes también a Alex Van Halen, que a parte de ser el hermano mayor de Eddie es un batería cojonudo por derecho propio; injusto que a él y a Nicko McBrain, por una extraña razón, siempre se les aparte del olimpo de los batacas…

Luego tenemos a David Lee Roth, lo más parecido a un dibujo animado humano (mezcla imposible entre Tarzán, Bruce Lee y James Brown), que fue su cantante desde 1977 hasta el lanzamiento de “1984” (¡27 años ha!). Sin embargo, dejó el grupo con la cabeza bien alta, en mi modesta opinión, ya que se trata nada más y nada menos que el segundo mejor disco de todos los tiempos.

2) Hablemos de Bajistas: Al bajo había alguien cuyo peso específico parecía poco o nulo y ha resultado al final que sí que era un componente con mucho de nuclear. Y es que Michael Anthony nunca fue Billy Sheehan, ni falta que le hace, ya que Michael tocaba las notas justas y punto. No es que fuera malo, era muy bueno, pero perseguía ambientar- más que competir con- las correrías melódicas de Roth y Eddie; si a eso le sumamos una voz que era cojonuda para hacer coros, el grupo ha perdido claramente una de sus patas.

Pero a rey muerto, rey puesto, y qué mejor que llevarte a tu hijo/sobrino de gira para vigilarle la drogaína, las juergas y las pelandruscas. Se trata de Wolfgang Van Halen, un chavalín de 19 añitos que tiene el ADN musical de la familia pero tal y como pasa con la diabetes, parece que el talento se ha saltado una generación. No es que el chico sea malo, pero donde Anthony creaba una ambientación rítmica parca y vacilona, a Wolfie le han acabado haciendo lo mismo que a Sid Vicious o a Jason Newsted, simplemente le han bajado el bajo al mínimo.

3) Otros cantantes (inciso anecdótico incluido): He seguido la carrera de la banda de muy cerca, ya que a parte de ser mi grupo preferido, tuve el gran honor de conocerlos en el backstage de su concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona durante el “Balance Tour”, teloneando a Bon Jovi (tendría que haber sido al revés). Entonces estaba con ellos Sammy Hagar, que fue todo un caballero, simpático y locuaz (para la foto en grupo insistió en ponerse conmigo y me dio la mano para que se viera bien en la foto) Por mucho que digan, Sammy fue, es y será un cantante mayúsculo, a pesar de que muchos envidiosos lo quieran menospreciar a cada momento (a él no creo que le duela mucho, hace poco vendió su marca de tequila Cabo Wabo a Campari por 80 milones de dólares y sigue vendiendo discos y actuando por puro placer).

Pasando al tercero en discordia, el tema Gary Cherone y “Van Halen III” ya se ha hablado y comentado exhaustivamente, pero cabe decir que tampoco era tan mala idea. El caso es que Cherone como frontman es muy histriónico y sobreactuado; no tiene el temple “cool” de la experiencia de Hagar o Roth, y eso alienó a muchos fans, que pensaron que no merecía estar en el puesto. Por si queda alguna duda, a mí “Van Halen III” nunca me pareció una obra maestra, pero tenía unos cuantos temas buenos (sobretodo “Fire in the hole”… aunque también hay que decir que una de las peores canciones de música popular de todos los tiempos también estaba allí: “How many say I”).

El caso es que siempre vi a la banda echando terriblemente de menos al gran Diamond Dave. A él en solitario, si exceptuamos su prodigioso arranque con Vai, Bissonette y Sheehan, tampoco es que las cosas le fueran como para tirar cohetes. Pero es que hubo muchas rencillas personales entre ellos que se mantuvieron décadas hasta que los malos humos se disiparon gracias al símbolo del dólar. Y es que en 2007-08 hicieron un comeback que arrasó a conciencia todo el suelo yankee. Cómo no, no viajaron a Europa, la cual empezaron mimando en sus primeras giras para luego dar la espalda definitivamente con el paso de los años. Al acabar el tour se produjo una lógica descompresión (otra vez problemas personales -con todo el paquete incluido: alcohol, violencia, divorcio, cáncer- de Eddie Van Halen, que se ve que es un perla de mucho cuidado) y se tomaron unos añitos de descanso.
Hasta que en 2012 llegamos a este “A different kind of truth” (horrendo título, por cierto).

Estos discos de “reunión” suelen ser como mínimo sonrojantes; tan sólo hay que recordar abortos como “The weirdness” de los Stooges o “Angel of retribution” de los Judas, el cual musicalmente consigue sonar peor que los pedos que se tiraron durante las demos de “Screaming for vengeance”. El problema endémico suele ser el piloto automático. Estas reuniones las suelen protagonizar señores o señoras mayores, que: 1) Están ya de la vuelta de todo. 2) Por lo general, podridos de pasta, drogas y sexo. Y 3) Practican sólo para tocar en las bodas de los sobrinos de cada uno.

La garra o las ganas de experimentar y gustar a su público se han ido, ya que el público ya está ganado de antemano -muchos fans comprarán el disco sin haber oído ni una nota-. Bajo esas circunstancias, y escuchado el primer single, “Tatoo”, sinceramente, me temía lo peor: una canción un tanto desangelada y bizarra que no acababa de enganchar del todo. Encima, me enteré de que el 70% del disco se basaba en viejas demos perdidas en el albor de los tiempos. ¡Refrito a la vista!
Sin embargo, cuando escuché el disco por entero, me quedé patidifuso.

Y es que me gustó. Pero no me entusiasmó.

No era bueno. Pero tampoco era malo.

Era todo lo contrario.

¡Joder, si hasta empecé a tararear algunas de sus canciones!

…¡Aunque ninguna es memorable!…

Y es que el disco es… ¡extrañísimo! Nada de cancioncillas fáciles como en “1984” o “Diver Down”… los Van Halen se han descolgado con un disco cuanto menos curiosísimo, y eso hoy en día tiene mucho mérito.

1.- Tatoo. Coincidí con Albert y varios fans de esta web en que en un primer momento el single era flojucho, sin pegada. Pero también coincidimos que cuanto más escuchas la canción, más te entra, y la acabas hasta tareando. Si la oís con atención, va buceando por toda la canción un acompañamiento de teclados muy suave que le da mucha gracia al conjunto. Y precisamente eso es lo más chocante: siendo “Jump” su canción más famosa, han pasado de todo y han dejado todos los teclados aparte, yendo a la yugular con el hard rock. Sin embargo la canción es un rock suavecillo y tranquilito, que poco tiene que ver con lo que viene después. El solo es muy de la casa, un primo hermano desdentado del solo de “Beat it”, y la propia canción tiene diversos solos por todas partes. No hay mucho desmelene. La canción proviene de una canción que sólo tocaban en directo en 1978 que se llamaba “Down in flames”.

Original…

y remake…

2.- She’s the woman. Otro viejo clásico recalentado y listo para servir. Se trata de la canción que más han dejado igual que la demo, también de finales de los 70. Una canción típica de los Van Halen de la época, con un solo de Eddie que a mí me encanta, con una guitarra rítimica muy bien puesta. ¡Ojo a la batería de Alex Van Halen! Pero no sólo en esta canción, prestad atención a lo que hace este tipo que podría ser vuestro padre… le pega a los parches con un gusto y técnica que ya querrían muchos baterías del progresivo.

original…

primer remake (1977)…

y remake actual…

3.- You and your blues. Coros clarísimos a lo Anthony adornan esta canción, que obviamente toma mucho del blues rock, aunque el solo es muy extraño y breve, y la verdad, a mí me gusta mucho más lo que hace Alex que lo que hace Eddie. David Lee Roth canta con mucha pasión, como en los viejos tiempos, y está claro que vas a mover el pie hasta el final.

4.- China town. Albert me comentó que esta canción le recordaba mucho al estilo de Mr.Big, es decir, “cabalgadas” sobre el mástil con el metrónomo desbocado. Pues bien, querido Albert, quizás han tomado “prestado” ese sonido porque ¡ellos fueron quienes lo inventaron! ¿Queréis oír de donde sale? Probad estos dos tubos, uno conocido y el otro no: video de “Romeo delight”, y video de “Hot for teacher”, del 80 y el 84 respectivamente.

Para mí, señoras y señores, se trata de la mejor canción del disco, con un solo marca de la casa de Eddie, tappeando como si no hubiera mañana, aunque como la mayoría de los solos de este disco, acaba de manera un tanto abrupta. Los que améis la guitarra vais a sufrir muchos “coitus interruptus” de ese estilo, aunque al final nos vuelve a regalar otro solo más pequeño. ¡Por fin oímos a Wolfgang hacer alguna floritura con el bajo! Aunque prestad atención porque pasa rápido…

4.- Blood and fire. ¡Otro temazo! Un hard rock altivo y chulesco como siempre nos han regalado estos tipos, que se obstinan en no mirar al calendario y seguir en la misma frecuencia de onda que en 1979… ¡bravo! Tiene un puente muy guapo y un aire muy a “Dance the night away” de “Van Halen II”. El solo es juguetón pero tampoco para hacer air guitar hasta morir extenuado.

Original…

y remake…

5.- Bullethead. Es una canción un tanto extraña, muy frenética y áspera como la lija. Mucho stacatto en las guitarras, con cierto aire punk en muchos fragmentos, lo creáis o no. Hombre, tranquilos que esto no es “Never mind the bollocks”, pero Eddie hace un solo que más bien es una especie de solo en falso, si me permitís una analogía cerda, una paja sin acabar. Un tema muy raro, de verdad, como si le faltara algo de trabajo y arreglo.

6.- As is. Este tema también me recuerda horrores a “Hot for teacher”, con la batería de Alex completamente fuera de control y Eddie dando vueltas a varias melodías. Solo de peli de terror (¡es la única manera que tengo de describirlo, quizás me entendáis cuando lo oigáis!), con mucho tapping, pero ¡otra vez muy breve! Final vacilón a lo ZZ Top, muy yankee. Alex Van Halen sigue pateando culos con su increíble sección rítmica, ¡y pensar que este tío tuvo problemas en las cervicales hace años!

7.- Honeybabysweetiedoll. Quien piense que Eddie Van Halen y compañía han perdido la cabeza al componer lo que parece una mezcla de Edgar Varèse, algo de música atonal a lo King Crimson y una pizca de Aerosmith, que sepa que Van Halen ya habían hecho sus experimentos anteriormente. La canción de Eddie Van Halen en solitario para la película “The wild life”, “Baluchitherium” y sobretodo “Strung Out” (ambas de su discazo “Balance”) confirman que les gusta jugar a de vez en cuando a científicos locos en su estudio privado 5150.

8.- The trouble with never. Un tema bastante simplón que tiene sus momentos, pero tampoco es memorable. El solo también va por el estilo, ramplón, ramplón, y para acabarlo de arreglar, hay una especie de fragmento hablado por Roth con su voz cazallosa y seductora que queda sinceramente fatal. Parece un cansadamas casposo intentando poner cachonda a alguna tía después de ventilarse unos paquetes de Malboro.

9.- Outta Space. ¡Esto si que es bueno! Para mí la segunda canción mejor del disco, sobretodo por su capacidad de sorprender. Tiene muchos cambios y matices interesantes, con Roth haciendo también malabarismos con su voz a la par que Eddie con su guitarra y Alex con la batería… ¡y venga, también un poco Wolfie, que en esta también se le oye un poquillo! El estribillo es de lo más pegadizo del disco, con unos aullidos guitarreros de Eddie de fondo que molan cantidad. El solo es diferente, con poco de cara a la galería, pero es cuanto menos curioso. Y cómo no, Alex sigue arreando hostias a los tambores como un puto amo. Pensar que esta canción se quedó en una simple demo… ¡suerte que ha acabado saliendo a la superficie!

original…

y remake…

10.- Stay Frosty. Volvemos a 1978, al primer disco de la banda. Allí estaba una versión de “Ice Cream Man” que clavaban estos cincuentones cuando eran veinteañeros. Una canción vacilona a más no poder que pasaba de lo acústico a lo eléctrico como una especie de mazazo de Thor. Pues bien, treinta y tres años después juegan a la misma carta con resultados parecidos. No consiguen el empaque de aquella, pero es tan divertida y desenfadada que les perdonas el autoplagio. Hay dos solos. El de la mitad es bastante tonto. Sin embargo, al final hay otro mucho más elaborado, y que vale la pena que vuestros vecinos oigan a todo volumen.

11.- Big River. Este suena horrores a “Runnin’ with the devil”, también del disco debut. No puedo quitarme la comparación de la cabeza, pero el tema evoluciona bastante bien y es resultón. El solo os gustará, me recuerda mucho a la etapa con Sammy Hagar, muy juguetón y adecuado. Buenas líneas de bajo de Wolfgang, diría que haciendo armónicos y todo. Esta ya la había oído gracias a la red, hay una colección de demos flotando por ahí que contiene esta canción, aunque bajo el nombre “Big trouble”.

original…

y remake…

12.- Beats’ workin. El principio me recuerda a Kiss, y es curioso que haga esa comparación porque supongo que muchos sabréis que Eddie iba a ser en principio el sustituto de Ace Frehley en la banda neoyorkina. Suerte que David Lee Roth se metió por medio (lo que le valió el odio eterno de Gene Simmons) y gracias a ese gesto el mundo también pudo conocer al pirado de Vinnie Vincent. Ya veis, creo que todos ganamos: tenemos por un lado a Vinnie, que a parte de correr por el mástil pasa sus ratos libres matando gatos de vecinos y por el otro un montón de clásicos de Van Halen de 1982 hacia aquí.

La canción no es gran cosa, y Eddie nos vuelve a regalar con otro de esos “coitus interruptus” de solo; también se acordaron del pobre Wolfgang y le subieron algo el volumen. Escuchadle que aquí se gana los garbanzos con dignidad. Otra que viene de una demo, en este caso “Put out the lights”.

original…

y remake…

Veréis, llevo muchos años escribiendo críticas de discos como fan, y mentalmente llevo escribiéndolas desde que tengo diez años. Respiro música las 24 horas del día, aprecio cada vez más estilos y tendencias, y creo que tengo una opinión bastante sólida y fundamentada. Así que creedme cuando os digo que jamás me había enfrentado a un disco tan difícil de catalogar como éste… Dejemos el rollo de fan total a parte: lo digo desde el punto de vista de crítico objetivo. Después de oírlo del derecho y del revés, sólo sé una cosa: esto es como la tónica, cuanto más la tomas… ¡más te gusta!

Y para acabar con una chorrada que seguro que no encontraréis en ninguna otra parte, deciros que Van Halen, a mi parecer, han inventado un estilo propio para este disco: Boogie Metal Progresivo. ¡Toma ya! No os lo perdáis y corred a comprarlo… los fans de Van Halen de toda la vida os quedaréis un poco como yo al principio pero dadle cancha que os acabará atrapando.

Gracias por leer y gracias a Albert Sanz por dejarme otro huequecito en esta web tan cojonuda.

¡Saludos!

DANI HIGUERA

OPINIÓN ALBERT SANZ

“A different kind of truth” es una obra extraña. En primer lugar tiene todo lo necesario para ser un disco con el que la crítica nos cebemos. Desde la reunión de Diamond Dave con su ex banda en 2.006, y tras una gira un año después en la que EVH estaba en una situación penosa, tardan casi seis años en editar un nuevo álbum, que para colmo está hecho en base a demos antiguas de los 70. Originalidad 0. Encima editan un single muy poco atractivo y tirando a aburrido, Michael Anthony no está en el grupo y la portada es un plagio de la de un disco de los Commodores. Y en segundo lugar y contra todo pronóstico, es imposible no desmelenarse con algunos de sus temas.

Realmente es una obra contradictoria. Contradictoria porque no tiene muchos temas dignos de ser colados en un “Greatest Hits”, y sin embargo suenan con una frescura y una potencia aplastantes. Cierto es que la mayoría fueron compuestos en los primeros tiempos y por lo tanto, muestran un sonido y un estilo añorado por la facción de fans de Van Halen que abominan de las eras Hagar y Cheronee, pero aún así suenan frescas, como si no hubieran sido grabadas por la influencia del dólar, sino porque les apetecía en verdad.

Al revés de lo que opina Daniel en su detallada crítica, no veo mal la inclusión de Wolfgang en la banda. ¿Quien más que él va a haber mamado más Van Halen desde la cuna? Y aunque no haga los excelentes coros de Michael Anthony, toca bastante mejor. Michael Anthony era la sobriedad personificada (lo cual no es malo) pero Wolfgang toca mejor de lo que pensaba y suena bien en la mezcla (Dani, ¿de verdad no lo oyes?). Además, ahora Van Halen sí que son más Van Halen que nunca.

Conclusión, disco que debería ser mediocre y sin embargo acaba siendo uno de los mejores trabajos en hard rock que hayamos oído en años. Realmente vibrante.

CALIFICACIÓN TÉCNICA

Nivel de técnica: 7/10
Velocidad: 7/10
Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 7/10
Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6/10
PUNTUACIÓN: 7,5/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

Calidad musical: 6,5/10
Nivel de feeling: 9/10
Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10
Ganas de hacer “headbanging”: 9/10
PUNTUACIÓN: 8,6/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

OPINIÓN IVAN MACÍAS

Solo hay una cosa que pueda criticar de este “A Different Kind of Truth”, y es la elección del single; y es que no entiendo como se ha podido elegir el tema que menos engancha, “Tattoo”, para presentar este más que digno trabajo. Un álbum plagado de buenos riffs con un sonido y estilo de los primeros años 80 pero con la calidad de producción del siglo XXI, temas magníficos entre los que destacaría el que debería haber sido el single principal, el potente “She´s the woman” -aún están a tiempo de sacarlo como segundo single si quieren dejar satisfechos a sus más acérrimos fans-, el medio tiempo “Blood and fire” que recuerda a clásicos como “Dance the night away”, “As is” con ese riff endiabladamente rápido que debería funcionar fenomenal en directo, el medio country “Stay Frosty” que bien podría ser el “Ice cream man” del 2.012, o el marchoso “Outta space”. Por otro lado la portada tiene un buen diseño pero deberían haberse alejado del original del disco “Movin’ On” de Commodores para no levantar sospechas malintencionadas teniendo en cuenta que algunos temas están sacados de antiguas demos archivadas del grupo y que no debería suponer reproche alguno.

Parafraseando a Satriani: “Por el largo tiempo que Eddie nos ha tenido sin música, que pena que nos tengamos tres nuevos discos de Van Halen.”

CALIFICACIÓN TÉCNICA

Nivel de técnica: 7/10
Velocidad: 7/10
Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 8/10
Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 6/10
PUNTUACIÓN: 7,6/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

Calidad musical: 8/10
Nivel de feeling: 8/10
Posibilidad de escucharlo de un tirón: 8/10
Ganas de hacer “headbanging”: 8/10
PUNTUACIÓN: 8/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 7,8/10

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Podcast # 12 (13/02/2.012)

Publicado en Podcast con etiquetas A.O.R., Baron Rojo, blues, chapman stick, Danger Danger, David Lee Roth, Eddie Van Halen, Güru, hard rock, Heavy Metal, Joe Bonamasa, KHY, metal gótico, Nightwish, Nima Collective, Nima Rezai, Ona de Sants-Montjüic, Patricia Tapia, podcast, stick, Tarja, Tarja Turunen, Ted Poley, Van Halen el 16/02/2012 por Guitar Xperience

Programa número doce. Seguimos como en ediciones anteriores hablando de algunos de los conciertos más destacados que tendrán lugar en breve, pero lógicamente centramos la atención en el estreno guitarrístico y rockero más importante del año: el retorno de los míticos Van Halen con su cantante original David Lee Roth.

Aquí está el enlace del podcast del doceavo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

Programa # 12 – Temporada 15 – 13/02/12

Tarja: In for a kill (What lies beneath)
Danger Danger: Naughty naughty (Danger Danger)
Joe Bonamassa: The last matador of Bayonne (Dust bowl)
SECCIÓN GUITAR CLASSICS: Barón Rojo: Barón Rojo (Larga vida al rock ‘n)
Dream Theater: This is the life (A dramatic turn of events)
Güru: I want you out (Güru)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Nima Collective: Memory on (Songs of strange delight)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Nima Collective: Fragile (Songs of strange delight)
Van Halen: Blood and fire (A different kind of truth)
SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Patricia Tapia’s KHY: Despertaré (Irrompible)

Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores. Ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente. Por último tenemos el Canal de Classics Xperience que está dedicado a la sección homónima en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música.

Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado “¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el 94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.

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¡Ted Poley elige a Güru como su banda de acompañamiento! (Minientrevista exclusiva a David Palau)

Publicado en Entrevista, Noticias con etiquetas Andy Timmons, Danger Danger, David Palau, Güru, hard rock, Pau Sastre. A.O.R., Ted Poley el 14/02/2012 por Guitar Xperience

(ARTÍCULO EDITADO CON INFORMACIÓN DE ÚLTIMA HORA. NOVEDADES AL FINAL DE LA ENTRADA)

Ya anunciamos en la sección agenda que el cantante norteamericano Ted Poley va a realizar un único concierto en España, concretamente el próximo viernes 17 en la sala Copérnico de Madrid. También anunciamos que será teloneado por Güru, la banda del prestigioso guitarrista David Palau y que además contará con un invitado de excepción como es Jorge Salán, con quien tocará algunos de sus clásicos. Toda una fiesta del hard rock y el A.O.R.. Si bien pocas bandas del estilo han sobrevivido a los 90 manteniendo su legión de fans intacta -Bon Jovi, Mötley Crüe o Poison-, es cierto que Danger Danger siguen estando en el recuerdo de muchos fans sin que su música haya perdido frescura o suene rancia. Y además Ted Poley no ha parado de grabar y girar con multitud de proyectos: Melodica, Prophet, Pleasure Dome, Bone Machine o él mismo en solitario ha conseguido que su legado (aunque sea en salas de pequeño aforo) no muera.

Pues bien, hace un par de días saltaba la liebre y David Palau confirmaba en su perfil en FaceBook que Güru no sólo iban a ser sus teloneros sino su banda de acompañamiento. Dada la sorpresa y lógica extrañeza que nos ha causado esta noticia, ayer tarde realizamos una minientrevista telefónica al guitarrista catalán para que nos confirmase esto y nos diera más detalles. Lo que no esperábamos que la sorpresa al respecto fuera aún mayor y que viniera acompañada de otra sorpresa inesperada y más bien negativa y que hace referencia al futuro inmediato de Güru.

ALBERT SANZ (en adelante “AS”): En principio Güru solo iba a ser la banda telonera, ¿cómo es que también ha acabado siendo su banda de acompañamiento?

DAVID PALAU (en adelante “DP”): Es que en realidad SIEMPRE ha sido así. Ted Poley lleva un tiempo que cuando hace cosas en solitario le acompañan bandas locales, no es la primera vez que lo hace. Como supongo que la promotora que lo trae a España (North Music) lo sabía se lo propusieron. Él buscó referencias al respecto y eligió a mi banda, entonces la gente de North Music me lo propuso a mi también y… ¿qué te puedo contar?, es un honor. Aparte de abrir la velada es un honor ser el soporte para este señor.

AS: Supongo que él ha escuchado vuestro disco y habrá visto la onda en la que os movéis y que sois muy similares en estilo.

DP: Sí. Él lo sabe. Todo este tiempo he estado muy en contacto con él y es una persona que se documenta mucho, mira muchos youtubes, facebooks o myspaces; es una persona que está muy al corriente de todo. Incluso llegó a mencionarme cosas mías que había visto con Alejandro Sanz. Fíjate, ¡qué sabrá Ted Poley de Alejandro Sanz o Miguel Bosé!, ¡jejeje! Pero el tipo sí se documentó muy en serio, y dijo “bueno, si esta gente va a estar conmigo y se van a subir al escenario conmigo, al menos debo saber quienes son”, lo cual le honra mucho.

AS: O sea que realmente siempre ha sido así. Es que sorprende porque no se había dicho nada. Has sido tu el que has tirado de la manta.

DP: Sí, y lo dije porque no creo que haya que esconder nada. Me parece muy lícito y muy digno que Poley haga esto. En FaceBook vi la página del concierto y que mucha gente preguntaba sobre los músicos de acompañamiento, y por alguna extraña razón no se había dicho nada al respecto. Yo lo dije como lo más natural del mundo.

AS: Es que no es algo que haya que esconder es algo muy positivo tanto para Ted como para ti. Sobre los ensayos… no habréis tenido mucho tiempo ¿verdad? ¿Cómo lo habéis hecho?

DP: Nosotros, los Güru, hemos trabajado mucho todo el set-list ya desde hace un tiempo. Como te he dicho, he estado constantemente en contacto con Ted y se ha preparado un concierto a su medida con el set-list que él ha seleccionado y con las peculiaridades que aporta en directo. Es cierto que llegará un día antes del show y nos encerraremos todos en el estudio a trabajar todo el día para acabar de pulir lo que sea necesario. Pero por nuestra parte ha sido algo hecho a conciencia. Yo grabé todos los ensayos en mi estudio y se los iba mandado hasta que diese el visto bueno. Ha sido un proceso muy laborioso y que nos hemos tomado muy en serio.

AS: ¡O sea que a lo mejor el que la caga es él!

DP: ¡Jajaja! No hombre, espero que no. Espero que haya hecho los deberes como hemos hecho nosotros, ¡jaja!

AS: ¿El set-list va a estar basado en su carrera en solitario, o habrá temas de otras bandas suyas como Danger Danger, Prophet o Bone Machine?

DP: Es que no puedo desvelar mucho.

AS: Claro.

DP: Hay que respetarlo, pero puedo decir que habrá bastantes hits de Danger Danger y de su carrera en solitario.

AS: Siendo un profesional no creo que tengas ningún problema, pero nos produce bastante morbo guitarrero ver como te enfrentas a algunos solos de Andy Timmons.

DP: Es algo delicado.

AS: Es que ya sabes que en este tipo de conciertos siempre va a estar el típico friki fan de las guitarras que estará allí analizándolo todo (o sea, como nosotros).

DP: Estoy más que preparado y dispuesto a ello. Soy consciente de que me subo en el lugar de un señor muy respetado, y que además soy absolutamente fan de su forma de tocar, de su fraseo y de su sonido y le tengo un enorme respeto, por lo cual me he preparado con todo el cariño del mundo. No pretendo ser Andy Timmons porque eso sería estúpido por mi parte, pero sé que toco sus composiciones y sus solos e intentaré respetarle al máximo para que la gente cierre los ojos y pueda escuchar lo que su mente recuerda respecto a Danger Danger. Pero por encima de eso soy David Palau y toco como toco, por lo que también habrá mucha parte de mi.

AS: Otra cosa que despierta bastante morbo es que colabore Jorge Salán, ya que significa juntar a los dos guitarristas españoles de rock más grandes que hay hoy en día. La escuela más veterana y la más nueva.

DP: ¡Gracias!

AS: ¿Está previsto alguna especie de duelo de guitarras o simplemente os vais a ceñir a la canción y punto?

DP: ¡Hombre! ¿Tú qué crees? ¡Dos guitarristas de este calibre encima del escenario con los amplis sangrando distorsión… imagínate tú la que se va a liar!

AS: ¡Eso espero!

DP: ¡Jejeje! Claro hombre, nos hemos juntado dos tiparracos para hacer el gamberro un rato y además con el absoluto consentimiento de Ted Poley. O sea que sí, claro que habrá solos y diversión llegado el momento.

AS: Muy bien. Espero que todo el mundo grabe eso y lo suba rápido a YouTube.

DP: Pues sí, claro que sí. Por cierto, estuve el sábado en la presentación del sexto disco de Jorge aquí en Madrid y estuvo muy bien. Ya le felicité en privado pero aprovechando este momento, le quiero felicitar publicamente.

AS: Estuvimos en Madrid en diciembre para entrevistar a Vinnie Moore y de paso también le entrevistamos. Aunque ahora vaya más de cantautor y no tan en plan shredder el disco es muy bueno y él sigue siendo una bestia. Es un crack este chaval y un encanto de persona.

DP: Es muy de admirar su talento y su trayectoria y su voluntad de tener su carrera en solitario habiendo estado en bandas grandes y en bandas que le daban una estabilidad económica importante. La verdad es que es muy loable lo que él hace, el pelear por sus ideales de esa manera. Me quito el sombrero.

AS: Para finalizar, ¿los Güru en esta ocasión son los mismos del último concierto del Museu del Rock o hay alguna nueva variación?

DP: Sí claro, está Toni Mateos y Jordi Vericat a la batería y el bajo, que son los que ya viste.

AS: ¿Y cual es la diferencia?

DP: Pues que Pau Sastre ya no está.

AS: ¡Ay Dios!

DP: Hemos hablado y conversado mucho y nuestros puntos de vista en algún momento del camino empezaban a diverger. Además ha sacado un disco propio no hace mucho y realizó la presentación en Barcelona y yo sentía que no tenía la intensidad ni las ganas de volcarse en una banda como Güru, como creo que se merece un proyecto de este nivel. Muy cordialmente comprendimos que él debía seguir su carrera en solitario y yo debía buscar a otra persona para cantar en la banda. Quien va a estar liderando a la voz aquí en Madrid va a ser Dagarod, a quien tengo un enorme respeto. Él ha estado en los Burning Kingdom de Manuel Seoane. Le vi hace un tiempo y me dejó perplejo con su técnica y el color de su voz. Le llamé y su actitud y su amabilidad han sido inmensas desde el primer momento. El viernes estará cantando en Güru y lo hará excepcionalmente bien tal y como hemos comprobado en los ensayos, porque el tipo tiene un nivel increíble.

Y esto es lo que dio de sí esta microentrevista. Tras algunas revelaciones sorprendentes y el posterior comentario de que el segundo disco de Güru -de posible aparición en enero de 2.013- contendrá la garra que le faltaba al primero (en parte por la inclusión de Dagarod a las voces), finalizó esta breve conversación que tan a bien tuvo Palau mantener con Guitar Xperience.

Cambiando de tercio y como segundo tema del artículo, ya es conocida la especie de hecatombe nuclear dentro del seno de las “bisbalistas”. Palau desde su FaceBook ha lanzado el siguiente comunicado:

“Hola a todos/as!

He recibido muchos mails preguntando los motivos de mi marcha de la banda de Bisbal y mi destino actual, así que me siento en deuda con todo el apoyo y palabras de respeto que he recibido:

Mi marcha de la banda no responde en absoluto a nada personal. Mi relación profesional y personal con David es más estrecha y mejor que nunca, David y yo hemos sido inseparables desde 2007 y así será por muchos años. Guardo en mi corazón una verdadera colección de momentos irrepetibles durante éste largo tiempo.

Hace más de un año al plantear la gira Acústica, se hizo un primer cálculo de concierto y fechas. Éstos iban a terminar en Diciembre 2011. Por ése entonces me llamó el señor Serrat para la gira Serrat & Sabina 2012 y yo acepté encantado por el honor que éso suponía y porque en ningún momento afectaba a la gira de mi artista, el señor Bisbal.

Las cosas no han ido así (afortunadamente) y David hoy tiene una gira extensa, triunfadora y llena de países aún por visitar debido a su reciente y exitoso DVD “Una noche en el Real” del que me siento profundamente orgulloso de haber participado y ayudado a nacer desde su creación. Las giras se solapáron y yo debo hacer frente a mi palabra y compromiso profesional con los señores Serrat & Sabina adquirido en su momento.

Así pués, mi auséncia será puramente temporal y mi regreso con David será un hecho real y muy deseado por ambas partes. Mi deuda con David es infinita por su gratitud, compañerismo, amistad y confianza al ponerme al cargo de tan importante carrera como és la suya.

Muchas gracias a David, a mis compañeros y a todo/as vosotros/as por vuestras muestras constantes de afecto y respeto.

Echaré enormemente de menos a mi gran familia Bisbal.

Un cordial saludo y hasta pronto !

David Palau”

Fuera ya de la entrevista, le hablé sobre este respecto ya que las “bisbalistas” están desesperadas ante la confirmada ausencia del “tío de la gorra y la Ibanez blanca” del grupo del cantante de sus amores; algo a lo que deberían de irse acostumbrando ya que evolucionar es ley de vida. De hecho, eones atrás y antes de que las “bisbalistas” o el mismo David Bisbal nacieran, Palau era conocido como “el guitarrista de Sergio Dalma”, por tanto puede pasar (o no) que en un futuro el guitarrista acabe siendo fijo en otra formación. David Palau realizó los siguientes comentarios sobre esta situación:

DP: Sí, ha habido un poquito de revuelo. La gente cuando no sabe las cosas en este país se las inventa y para no dar más rienda suelta a la imaginación colectiva, qué mejor que yo en primera persona explique la cosas con toda la educación del mundo. Además soy una persona muy dada a dar la cara y a decir las verdades por su nombre, obviamente con cariño y con respeto por todo el mundo. No hay de que esconderse de nada. ¡La gente tiende a esconderse y es algo que nunca he entendido!

AS: Igualmente este tema me hace gracia. Creo que debes ser el único mercenario (con todos mis respetos por la palabra mercenario) en España al que le pasa esto, que aunque todas las fans sigan de manera enloquecida a su ídolo, también lo hagan con uno de sus músicos y además a un nivel importante.

DP: ¡Jejeje! Pues no sé si le pasa a alguien más pero me siento muy agradecido y a la vez muy respetado. La gente sabe que he estado en muchos tinglados y con muchos artistas, pero es cierto que llevaba casi seis años con David del cual puedo decir que aparte de ser su guitarrista y su director musical, soy su amigo y esto es algo TEMPORAL. Es algo de lo que hemos hablado y en cuanto acabe la gira con Serrat & Sabina VUELVO CON ÉL. Pero es cierto y me honra que la gente me siga allá donde voy al margen del artista que esté acompañando en ese momento.

AS: No sé si sabes de que acaba de abrirse un grupo llamado “Admiradores de David Palau” que en poco tiempo está creciendo en suscriptores.

DP: LO SÉ. Se llama ”Admiradores del guitarrista David Palau”. Soy el primer sorprendido porque yo no alimento este tipo de lugares y me doy cuenta de que hay gente que está muy pendiente de mi trabajo y de lo que hago, y obviamente es algo que me produce mucha FELICIDAD.

Dios mío. Nunca pensé que acabaría poniendo una foto del "ricitos de oro" en una web de guitarristas.

Mejor subo esta también en pose "shred" y la acompaño de un video cañero, no sea que alguien me eche a los leones...

EDITO:

Tras la interesante pregunta formulada por Javi en la sección de comentarios de este artículo y por varias personas más via email, esta misma tarde (estamos a miércoles 15) me he puesto en contacto con Palau. De hecho, se ha puesto en contacto él conmigo porque debido a los ensayos le ha sido imposible contestarme cuando le he llamado. La pregunta es importante y aún así la pasé por alto: ¿Qué teclista van a llevar Güru como banda propia y como banda de soporte de Poley? Es bien sabido que por diversos compromisos Kike Serrano (que hizo un gran trabajo en el disco debut de la formación) ya no está con ellos, y tal y como vimos en el Museu del Rock, sus pistas son lanzadas por un secuenciador alojado en un ordenador portátil. Pero, ¿y qué pasa con Poley? Gran parte del sonido característico del A.O.R. lo aportan los sintetizadores, y por extensión, el trabajo de Kasey Smith fue muy importante a la hora de definir el sonido de Danger Danger. ¿Va Ted Poley a llevar también los teclados secuenciados? La respuesta es no. Pedro Hoyuelos se encargará de esta tarea en un par de temas de Güru y después en todo el set-list del vocalista americano.

Hoyuelos es un veterano teclista con un currículum interminable a sus espaldas (o a sus manos más bien): Luz Casal, Mocedades, Alejandro Sanz y un largo etc. lo convierten en el homónimo a las teclas de David Palau. Además, ha sido hasta hace muy poquito compañero suyo en la banda de David Bisbal (hasta que el guitarrista catalán ha dejado la banda). Así pues, el nivel sigue asegurado. Ahora sólo queda que se abarrote la sala pasado mañana y todo el mundo -músicos incluidos- salga satisfecho del concierto.

Pedro a la izquierda junto a David y parte de la "familia bisbalera". Por cierto, ¿soy yo solo o Pedro tiene en esta foto un lejano aire a Mike Mangini?

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Xperience Live!: Patricia Tapia’s KHY + Leaves (4/02/2.012)

Publicado en Crónica Conciertos con etiquetas Óscar Pérez, hard rock, Heavy Metal, Jaime de la Aldea, Javier Sane, Juan Guadaño, Juan Sánchez, KHY, Leaves, Mago de Oz, Nexx, Patricia Tapia el 09/02/2012 por Guitar Xperience

Ya teníamos ganas de que llegara este concierto. Llevamos tiempo siguiendo la trayectoria de esta cantante tanto con Nexx como con Mägo de Oz; y aunque es bien cierto que “Irrompible” ha tardado demasiado tiempo en hacer acto de presencia tanto en el programa como en la web, no podíamos dejar de asistir a este concierto.

Poco antes de las 21:00 del pasado sábado 4 de febrero de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona), la Sala Mandra 2 permanecía cerrada, y unos pocos fans hacían cola ante la puerta, resistiendo el frío reinante. Unos pocos minutos antes del concierto de Leaves, el frío en el interior de la sala era casi el mismo que fuera y apenas había público para calentar el interior. Aunque el regalo del CD de los teloneros con la entrada en la puerta fue un buen detalle para entrar con el optimismo por las nubes.

Siguiendo la tónica habitual cuando no conocemos a un artista, como es el caso del telonero, no investigamos nada previamente; que también somos fans y queremos sorprendernos (o cagarnos en todo según se mire). No saber de que palo van los teloneros te permite no ir con ideas preconcebidas. En esta ocasión los de Patricia Tapia estaban teloneados por Leaves, una banda barcelonesa formados por Franck y Manjón a las guitarras, Francis al bajo, Jordy a la batería, Mireia a los teclados y liderados por la cantante Raquel.

Leaves se mueven en una onda de metal gótico y doom ambiental muy interesante. Enseguida destaca la voz de Raquel, con un estilo muy expresivo y muy buena técnica y que curiosamente recuerda por momentos a Björk. En cuanto salieron a escena ya vimos un serio problema y fue que la voz estuvo un poco baja, y claro, la música está muy centrada en la creación de ambientes un tanto etéreos y oscuros en los que la voz en el eje. A favor tuvimos que tanto el dúo de guitarras como el bajo sonaron con mucha potencia y claridad.

Al finalizar el primer tema, Raquel presentó a sus compañeros y comentó lo feliz que estaba ya que dos semanas antes la habían operado de un problema en una retina y ya podía estar sobre el escenario. Sin conocer el directo de esta banda, creo que esta fue la razón para verla un tanto estática durante el set. Cierto es que su música no es para pegar muchos botes, pero el sonido es contundente y muy denso, así que unos meneos de melena no sobran. Pero por esta vez se lo perdonamos.

Tras una media hora en la que tuvieron que lidiar con un público escaso y apático y un tremendo frío en la sala, tengo que admitir que -y con todo lo positivo de su propuesta- no disfruté del concierto y no fue por el asunto de sonido. La razón es que un estilo de metal alternativo, lento, oscuro, ambiental y etéreo con influencias de The Gathering, Anathema (primera época) y Björk no puede realizarse sin la presencia de un teclista. Si bien en los créditos de la banda aparece Mireia a los teclados, y tras una escucha preliminar del CD podemos constatar que los hay, sobre el escenario vimos un cuarteto. Pueden haber mil causas para la ausencia de Mireia, pero a estas alturas no pasa nada por llevar algunas bases grabadas (mientras no se haga playback sobre ellas, claro está). De esta manera faltó algo y salvo en un par de temas, las guitarras carecían de la sutileza necesaria para crear esos ambientes al sonar con un poderío y distorsión tremendas. No es algo que no tenga solución, pero no me veo capaz de asisitir a un concierto de hora y media de Leaves sin teclados.

No obstante es una banda a seguir y un día de estos destriparemos su álbum.

Y tras diez minutos para el consabido cambio de backline y la colocación de dos pancartas a los lados que mostraban media cara de Tapia (algo inútil, puesto que los mismos músicos las tapaban al ser el escenario de pequeñas dimensiones), salieron a escena los KHY, o lo que es lo mismo, Patricia Tapia (voz), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros) y los nuevos fichajes, Javier Sane (bajo y coros) y Juan Sánchez (guitarra rítmica y coros). Comenzaron fuerte, con una descarga de metal moderno como son los temas “Principio sin final” y “Entre cristales” que sonaron seguidos, y continuaron con un exhaustivo repaso a sus dos discos. “Sin ti”, “En la inmensidad”, “Promesas olvidadas” o “Despertaré”, y las versiones de “El violín del diablo” de Mägo de Oz y “Beat it” de Michael Jackson hicieron las delicias del público que llenó el aforo sólo al cincuenta por ciento de la sala (algo desgraciadamente típico en Barcelona), pero que devolvió al grupo toda esa energía en forma de continuos aplausos y gritos de admiración, dirigidos muchos de ellos en especial a su menuda vocalista. No tuvimos ni a Fran ni a Carlitos de los Mägo de invitados ni interpretaron nada de Metallica como en el concierto del día anterior en Madrid, pero aún así el set-list fue excelente. Otro tema destacable fue “Cuando se apague la luz”, un momento de lo más emotivo. La que es una de las mejores baladas de los últimos tiempos nos puso la piel de gallina con la interpretación y el feeling que mostraban Patricia a la voz y Guadaño a los teclados. Lástima que la jodieron los ~~capullos~~ asistentes que estaban hablando a grito pelado en la barra (¿pero habían ido a un concierto de heavy metal o a hablar del puto fútbol?). Algún ¡schhh! pudo escucharse por parte de algún fan que sí deseaba disfrutar de la balada. Menos mal que el segundo tramo de la canción vino con sorpresa, puesto que la banda entró a lo bestia y por sorpresa, a contagiar de poderío metalero una melodía tan hermosa.

Y tema tras tema el concierto finalizó con “Vidas en ruinas”, el cañero single del reciente “Irrompible” . Un final previsible pero muy esperado.

La banda ralló a un nivel tremendo y desde luego (sin haberlos visto en directo con anterioridad) no se acusa los recientes cambios en la formación. Óscar Pérez y Juan Guadaño estuvieron muy precisos en sus respectivos instrumentos, pero la disposición del teclista, y la iluminación y el humo en la zona del batería impidieron verlos bien. Javier Sane también estuvo muy bien al bajo. Moviéndose sin parar por el escenario (aunque fuera tan pequeño) demostró soltura y ganas pese a su juventud, y en algún momento intercaló lineas de slap muy potentes. De la pareja de guitarristas otro tanto. Aunque el hecho de no poder alejarse demasiado de sus pedaleras limitaba sus movimientos, también estuvieron inspiradísimos. Juan Sánchez tocó sus partes con fuerza a la vez que hacía coros con una buena voz y se encargaba de algún solo. Jaime de la Aldea se mostró con una actitud más seria, pero sus manos no paraban de hacer diabluras por el mástil. Un muy buen solista, con feeling y técnica de sobra, y que pasa sin problemas de tocar en un estilo más clásico a versionar con maestría el solo de EVH en “Beat it” o tocar la larguísima línea de arpegios del tema de Mägo de Oz. A Patricia Tapia la dejamos para el final. Si ya sorprende en disco por su notable técnica así como expresividad y capacidad de emocionar, es en directo donde hay que demostrar que lo que se ha grabado no se ha hecho con la ayuda del Autotune. Y no, Patricia suena en directo igual que en disco, casi mejor diría, porque en disco no puedes apreciar la fuerza, la rabia, la intensidad y el carisma que desprende esta mujer sobre el escenario. Si a esto unimos una evidente sensualidad y una atractiva estética tenemos a la cantante rockera perfecta.

Pese a todo, también tuvimos parte negativa y vino dada por el sonido. En los dos primeros temas escuchábamos mejor los coros que a la propia líder. Por fortuna esto duró nada más que esas dos canciones. Bajo y batería sonaron perfectos, con una gran pegada y definición. El teclado también sonó de manera aceptable, pero las dos guitarras sonaron flojas, en especial la de de la Aldea. Vamos a ver, en los ritmos se les oía, pero los dos guitarras de Leaves sonaron con mucha más potencia y nitidez, y aquí no. Pero lo de los solos de Jaime ya fue de escándalo. Algunos se oían demasiado fuerte, otros muy flojos, pero la mayoría directamente si no le mirabas no te enterabas de lo que estaba haciendo. Una pena.

Para ir acabando, destacar como anécdota la excelente memoria de Patricia: entre un par de temas dedicó una canción a dos chicas y un chico que habían estado en el concierto de Madrid del día anterior, y al firmar autógrafos a la finalización reconoció también a un asistente a un concierto de los Mägo de Oz. Aparte de que repartió autógrafos, fotos, risas y sonrisas entre todos los que la reclamaban, demostrando que la rockstar se queda en el escenario al acabar el concierto, y que entonces sale la Patricia Tapia persona, adorable y simpática. Vamos, ¡un encanto!

Aunque ella sea el centro de todas las miradas (es que esas mechas lilas y las tiras del mismo color de su traje son de lo más hipnóticas), el resto de músicos ayudan a conformar una banda muy interesante y con un directo de lo más contundente, y de la que nos declaramos fans incondicionales (hasta el compañero Ivan Macías, cuya aversión al metal cantado en castellano es notoria afirma lo mismo) y de la cual esperamos más discos y más giras.

Os dejamos con unos videotubes del concierto, para que veáis una muestra del espectáculo de esta gran banda. Si queréis disfrutar de casi todo el concierto, el usuario de YouTube LouSaN92 lo ha grabado y lo ha subido a su canal (pinchando aquí). La calidad de imagen no es muy buena pero el audio es de lo más aceptable, y os puede dar una idea de lo que da de sí esta banda en directo.

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Crítica: Patricia Tapia’s KHY “Irrompible”

Publicado en Crítica con etiquetas hard rock, Heavy Metal, Mago de Oz, Nexx, Patricia Tapia el 03/02/2012 por Guitar Xperience

Artista: Patricia Tapia’s KHY
Sello: Krea Films / Warner Music
Año: 2.011
Estilo: Heavy metal, Hard rock

CALIFICACIÓN TÉCNICA

Nivel de técnica: 7,5/10
Variedad de fraseo, recursos y técnicas: 7,5/10
Nivel resto de músicos: 8/10
Nivel de coñazo virtuosístico: 0/-10
Calidad producción (equilibrio en la mezcla, masterización, etc.): 8/10
Calidad presentación (carátula, libreto, etc…): 7/10
PUNTUACIÓN: 8/10

CALIFICACIÓN MUSICAL

Calidad musical: 9/10
Nivel de feeling: 9/10
Posibilidad de escucharlo de un tirón: 10/10
Ganas de hacer “headbanging”: 10/10
PUNTUACIÓN: 9,5/10

PUNTUACIÓN TOTAL: 8,75/10

Como estáis viendo en las últimas semanas, hemos dado prioridad a la sección de críticas y la mayoría de discos que estamos analizando y los que serán analizados en breve, pertenecen al año 2.011. Y es que debido al reducido staff de la redacción de esta web y la (afortunada) avalancha de novedades de calidad aparecida a lo largo del año pasado, muchos se han quedado en el tintero. Así que aprovechando que el próximo lunes la formación que hoy nos ocupa visita Barcelona, adelantamos este disco en la lista de “pendientes”. Por otra parte, habréis visto que para esta ocasión cambia el apartado técnico del inicio. Dado que el músico principal de la entrada es una vocalista, no tiene sentido el apartado de “Velocidad”. Y dicho lo dicho, vamos por faena.

Tras la disolución de la interesante (y muy revindicable) banda de A.O.R. Nexx, esperábamos con ganas qué podía ofrecernos Patricia Tapia. Aún tuvimos que esperar unos años al ser “secuestrada” por Mägo de Oz. Esta situación evidentemente ha sido muy positiva para ella y es lógico establecer un paralelismo con Jorge Salán: llegar a un público muy fiel y numeroso tanto en Latinoamérica como Europa, establecimiento de nuevos contactos, rodaje en la carretera en una larga gira, conciertos ante miles de personas, dinero, etc. Y como Jorge Salán, llega un momento en que Patricia decide dar un giro a su carrera y comenzar a trabajar en su carrera en solitario (aunque a diferencia de Jorge, ella todavía permanece en la órbita de los Mägo). En 2.010 aparece “Volver a creer”, un disco excelente pero en el que no hay un estilo definido. Más que nunca, KHY es el grupo de Patricia Tapia y viene a ser como una mezcla de todas las influencias de la joven: A.O.R., hard rock, heavy metal, etc. Hasta un año después, en que -pese a los compromisos con Mägo de Oz-, KHY editan su segundo disco. Disco que suena mucho más a banda unida y con un estilo más definido y menos “patriciatapiaesco” de lo esperado. Toda una bomba, que al igual que nos sucedió al escuchar el último disco de Tony MacAlpine, esa mezcla de gran calidad, elevado nivel de producción y contundencia, ha logrado hacernos estallar la cabeza y los oídos de puro placer.

Patricia Tapia KHY está formada por Patricia Tapia (voz y coros), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros), Pedro Díaz “Peri” (bajo) y Mónica Tapia (guitarra rítmica y coros). Además, han colaborado Txus di Fellatio, quien ha escrito las letras de “Mi tumba llora sin ti” y “Cuando se apague la luz”, Carlitos, que se ha encargado del solo de guitarra en “Mi tumba llora sin ti”, y Carlos Prieto “Moha”, que ha tocado las partes de violín en “Sin ti”. No hace falta que diga que estos tres colaboradores son compañeros y amigos de Tapia en Mägo de Oz. “Irrompible” ha sido producido, grabado y mezclado por Dani Castellanos (Easy Rider, Neomenia, etc.) en los estudios El Guisante Records de Madrid y ha sido masterizado por el legendario Denis Blackham ( Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Black Sabbath, Thin Lizzy, Jean-Michel Jarre, Loquillo, Miguel Ríos, Robert Plant, Crosby, Still, Nash & Young, etc. La pregunta sería… ¿con quien no ha trabajado?) en su estudio Skye Mastering.

Si os habéis percatado ha habido un cambio en la formación: Daniel Fraile, el anterior bajista de la formación ha sido sustituido por Pedro Díaz “Peri”, también de los Mägo. En principio la banda no se ha resentido por este hecho, en parte debido al cambio de rumbo musical. De todas formas, los cambios no terminan ahí, puesto que según una reciente nota de prensa que nos ha llegado, tanto “Peri” como Mónica Tapia han dejado la banda y han sido sustituidos por Javier Sane (Biosfear, Inntrance, Manuel Seoane’s Burnin Kingdom, etc.) al bajo y coros Juan Sánchez (Rock Automotive) a la guitarra rítmica y también coros.

Vamos ahora a analizar cada tema:

1.- Principio sin final. Un comienzo muy pero que muy potente. El sonido de las guitarras, lo agradeblemente subido que está en la mezcla el bajo y los teclados le dan un inusitado aire de nu metal. Tapia canta en un registro muy alto, con un tono de voz casi pop, cuando la extrema potencia del tema parece que pida una voz salvaje y casi gutural. Pero como decimos, es un comienzo salvaje y muy movido.

2.- Vidas en ruinas. La voz de Patricia se muestra melódica y popera en el comienzo mientras canta sobre una base de teclados y piano; pero es un inicio engañoso, porque enseguida entran toda la banda a lo bestia. Durante todo el minutaje se intercalan pasajes más tranquilos con otros más rápidos,pero destaca sobretodo el acompañamiento en las voces de los coros a Patricia durante el estribillo. El solo de guitarra de Jaime de la Aldea entra casi al final pero se hace notar. Heavy metal que será tremendo escucharlo en directo. Es además el single del disco al que acompaña un videoclip espectacular que pone en imágenes la dureza de la letra.

3.- Entre cristales. Otro comienzo tranquilo con unas guitarras arpegiadas y un bajo realizando un motivo muy melódico. El bajo de Pedro Díaz “Peri” permanece muy presente en la mezcla, lo cual se agradece. Tapia canta en un registro más bajo, más relajado quizás. La canción tiene fuerza y recuerda al heavy español más clásico, pero es más tranquila y sirve de puente a la siguiente.

4- Sin ti. La primera de las baladas, o por lo menos así empieza. Patricia nos muestra una voz tierna y dulce, con más matices de lo escuchado hasta el momento. A partir del primer minuto hay un curioso cambio: solos de violín y guitarra (excelentes) aparecen sobre un loop de percusión con una pésima calidad de sonido (algo buscado a propósito). Después entra el grupo con toda su furia pero el loop permanece incluso sobre un colchón orquestal del teclado de Juan Guadaño. Lo que resulta bastante incomprensible son los coros que aparecen en el 2:40. Con todos mis respetos, son las voces más feas (no queda claro si de hombre o mujer) que he oído en mucho tiempo. Recuerdan casi a Los Pecos. Y es una pena, porque este “Sin ti”, por su producción, composición y lirismo del que hace gala la vocalista, es uno de los mejores temas de todo el disco.

5.- En la inmensidad. De nuevo Patricia comienza dulce y melódica, siendo acompañada de manera curiosa por un coro infantil. Las guitarras del duo Tapia-de la Aldea -salvo en el estribillo- tienen un aire a Dream Theater. Óscar Perez mantiene durante toda la duración un ritmo que aunque no muy rápido, tiene más complejidad de lo que parece. Y Patricia vuelve a adueñarse de todo; y es que a medida que avanza el disco la voz se vuelve más melódica y muestra más variedad de recursos.

6.- Te has rendido. Sonidos industriales con teclado dan paso a unas guitarras muy contundentes, en una linea de metal moderno bastante nu metalero (sobretodo por los interludios en los que solo acompañan a la voz el batería, teclado y bajo). Óscar Perez está inmenso en una canción con ritmos de batería bastante progresivos. Salvando las distancias y la agresividad que presupone al grupo que voy a mencionar, esta canción recuerda por momentos a un cruce entre Korn y Dream Theater. No obstante, ciertos riffs de guitarra y Patricia Tapia que vuelve a cantar en un registro muy agudo pero melódico, restan fuerza a la composición (algo sin duda realizado a propósito). Un tema un poco más flojo pero muy coreable en directo.

7.- Vendiendo la fe. Batería, teclado psicódelico y un contundente bajo (diría que pasado por un overdrive) introducen a la voz. La canción mantiene un regusto de heavy español bastante ochentero, incluso en la voz de la líder de la banda, quien canta en un registro muy alto pero a la vez rasgando la voz. La canción queda extraña en parte por la forma de cantar, ya que me vienen a la mente voces como Mercedes Ferrer así como otras cantante de rock y metal nacionales. No diré que sea un tema de relleno, pero sí que estás deseando que acabe para pasar al siguiente.

8.- Cuando se apague la luz. Un bonito piano acompaña a la Patricia Tapia más inspirada de todo el álbum. Una balada de amor preciosa y sensible pero no sensiblera ni ñoña, con una magistral letra de Txus di Fellatio. El estribillo pone los pelos de punta, no sólo por la técnica necesaria para llegar a esos agudos como si nada, sino por la preciosa melodía. Como dice RafaBasa, tendría que haber sido el single. Opinión un tanto radical a la que me sumo, puesto que sería la manera más impactante para presentar el disco, con una de las mejores baladas escuchadas en los últimos años. Poesía pura.

9.- Mi tumba llora por ti. Más metal de la vieja escuela, con otra letra de di Fellatio y el solo pentátonico y muy clásico de Carlitos, ambos compañeros en Mägo de Oz de Patricia Tapia. Pese a ese regusto a antiguo, recuerda a lo mejor del metal de aquella época. Un buen tema con un dramático estribillo y unos excelentes coros.

10.- Despertaré. Los sonidos modernos vuelven a hacer acto de presencia. El bajo y el teclado arropan unos riffs de guitarra contundentes sobre los que Patricia vuelve a sacar la garra metalera de los dos primeros temas. Tenemos incluso uno breve solo de batería. Otra canción que en directo promete olas de headbanging entre el público.

11.- Nada que ocultar. Otro comienzo medio industrial y electrónico con un bajo que parece tocado a tapping y sobre la que transita la voz. Cuando pensábamos que iba a entrar la artilleria pesada, lo hace una linea de cello sintetizado. Lo cierto es que salvo el solo de guitarra del final, te quedas con las ganas de escuchar algo rockero. No puede considerarse una balada, puesto que el sentimiento que transmite no es tal, pero el extraño ambiente y su tempo lento hacen que sea la canción más experimental del disco. ¡Genial!

12.- Acércate. Todo el grupo entra in crescendo hasta que en el 0:40 un tremendo falsete de Patricia da inicio al ritmo de la canción. Los elementos electrónicos de teclado y de la linea de bajo dan un aire diferente al tema (sobretodo en el estribillo), pero los dos guitarristas están ahí para demostrar que sigue habiendo rock en cada pasaje. La cantante muestra una excelente técnica cantando muy alto sin despeinarse, y arropada por unos muy buenos coros. Buena manera para despedirse.

Sin duda alguna, este “Irrompible” es un magnífico trabajo. En este enlace podéis escuchar una entrevista hecha por RafaBasa a Patricia en noviembre -a propósito de la salida del disco-. y en ella reflexionaba sobre los dos caminos que KHY podían haber tomado: pop o metal. No creo que KHY hubieran tirado hacia el pop; en todo caso podían haber “ablandado” y comercializado su sonido hacia terrenos más hard rockeros, más hacia el trabajo de Patricia con Nexx. En este caso han tirado hacia sonidos muy duros, con mucha rabia. No obstante, todo indica que el sonido o estilo KHY no está definido del todo. En este disco tenemos sonidos eléctrónicos, acercamientos al nu metal y guiños al heavy clásico de los 80. Así pues, habrá que esperar a una nueva entrega.

De todas formas, hay mucho y bueno para destacar en el álbum. En primer lugar está la producción. Por momentos suena muy americano. Salvo los temas de corte más ochentero, todo apunta a una apuesta por sonidos alejados del tradicional power metal europeo, con los que priori podría compararse. En segundo lugar está el gran nivel exhibido por todos los músicos. Es difícil destacar a alguien, pero lo haría con Pedro Díaz “Peri”. No sólo demuestra nivel y creatividad, sino que además la producción y la composición le ha beneficiado enormemente: el bajo tiene mucha presencia en la mezcla y hay bastantes momentos en que cobra protagonismo frente a las guitarras. Algo de agradecer ya que es habitual escuchar discos de heavy metal y no poder captar ni una nota de bajo. Y en tercer lugar, la voz. Es una lástima que en los dos primeros temas (y para mi gusto de los mejores) Patricia se muestre tan plana cantando. Me explico: tiene garra y canta en un registro agudo muy complejo, pero el hecho de ponerse en modo heavy “cabreada” hace que no saque los matices que en muchos otros temas saca, como “En la inmensidad” o “Cuando se apague la luz”. Sin embargo, temas como estos dos que acabo de citar, demuestran que estamos ante una de las mejores voces del panorama rockero nacional.

Siguiendo con más puntos destacables, es necesario hablar de las letras. Es habitual escuchar letras incomprensibles, ya que parece que muchos compositores necesitan sacar en todo momento a su poeta interior, llenando el tema de metáforas y rimas de difícil comprensión. Una cosa es usar apropiadamente el castellano y otra escribir una poesia abstracta que cueste de entender. Hay que tener en cuenta que una canción dura tres o cuatro minutos, que tiene un riff pegadizo, que tal vez haya un solo de guitarra tremendo, que te veas sorprendido por la habilidad del batería… si a todo esto tienes que ponerte a descifrar la letra, no hay duda de que éste va a ser el elemento de la canción en que menos se fije el oyente. En cambio, la gracia de este disco es que pese a lo elaborado de las letras, es muy sencillo captar el mensaje. Prácticamente todas las letras de “Irrompible” tienen un mensaje que emociona pero que entra a la primera. Y por último, sería necesario mencionar un aspecto extramusical altamente interesante, y es la imagen promocional de la banda. Lejos de una imagen hortera o muy agresiva, KHY y Patricia Tapia muestran un look, rockero, moderno y con cierta clase (y las mechas lilas de Tapia son geniales).

Lo que esta claro es que si Patricia sigue manteniendo este nivel de compositora y se sigue rodeando de músicos de este nivel (aunque un poco de estabilidad en este sentido no estaría de más), no hay duda de que KHY pueden ser una banda de referencia en el metal europeo.

Para finalizar, os recordamos que las próximas fechas son:

3/02 (teloneados por Perfect Smile) – Sala Live – Madrid
4/02 (teloneados por Leaves) – Sala Mandra 2 – L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona)
10/02 (teloneados por Blast Wave) – Sala Doka – Donostia
11/02 (teloneados por Mister Machin y Pussy Money) – Estudio 27 – Burgos

Como no podía ser de otro modo, Guitar Xperience asistirá al concierto, por lo que el lunes que viene tendréis en el programa el análisis del evento y, por supuesto, la detallada crónica aquí, en esta vuestra web.

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Podcast # 10 (30/01/2.012)

Publicado en Podcast con etiquetas A.O.R., bajo elétrico, blues, death metal, Electrocution 250, Eric Sardinas, Fear Factory, funky, Guitar Xperience, hard rock, Heavy Metal, joe bonamassa, KHY, Mago de Oz, math metal, Meshuggah, Michael Bolton, Nexx, nu metal, O'Funkillo, Ona de Sants-Montjüic, Patricia Tapia, Patricia Tapia's KHY, podcast, shred, Thomas Tomsen el 01/02/2012 por Guitar Xperience

Retomamos la programación habitual tras los especiales dedicados a Jorge Salán y lo hacemos dando prioridad a algunas bandas que van a presentar sus trabajos en directo en breve en nuestra ciudad.

Aquí está el enlace del podcast del décimo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

Programa # 10 – Temporada 15 – 30/01/12

O’Funkillo: Riñones al Jerez (Antología)
Joe Bonamassa: Slow train (Dust bowl)
Patricia Tapia’s KHY: Principio sin final (Irrompible)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Thomas Tomsen: Sunflickers (Sunflickers)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Thomas Tomsen: Child of shadow play (Sunflickers)
Michael Bolton: Save our love (Everybody’s crazy)
Meshuggah: Bleed (Obzen)
Electrocution 250: Fletcher the mouse (Electric cartoon music from hell)
Eric Sardinas: Cherry bomb (Treat me right)
SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Fear Factory: Linchpin (Digimortal)

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Van Halen: nuevo single y polémica portada

Publicado en Noticias con etiquetas A different kind of truth, A.O.R., Eddie Van Halen, hard rock, The Commodores, Van Halen el 30/01/2012 por Guitar Xperience

En esta noticia anterior, comentábamos las últimas novedades respecto a esta banda revolucionaria del hard rock. Pues bien, ya está disponible el primer single y la portada del mismo:

Hay tantas personas como opiniones, pero lo cierto es que el staff de Guitar Xperience se ha puesto de acuerdo en que no nos gusta nada este single:

El video no es que tenga una producción pobre pero es simple hasta gritar basta.
Eddie no aparenta estar en un estilo de forma físico tan bueno como el resto de sus compañeros.
La segunda voz de ultratumba de Eddie en el estrbillo queda muy rara.
¿No se supone que el estribillo debe ser coreable, épico y que se incruste en la cabeza?
El solo es del montón.
Es la primera vez que los movimientos sensuales, histriónicos y cómicos de DLR no hacen gracia, dan grima y parecen hasta ridículos.
Eso sí, es alucinante el bajo que Wolgang lleva, pintado con las tiras de colores como la Kramer de su padre en los 70 y primeros 80′s.

En definitiva, este “Tatoo” no es un tema desatroso pero sí esperábamos mucho más de un single promocional. Se supone que el single debe generar una gran expectación mientras esperas la salida del disco completo, pero este tema parece una cara B y para nada un single promocional. También puede pasar que Van Halen sean conscientes de que los fans de toda la vida vamos a comprar el CD de cualquier forma, y al igual han querido sacar antes la canción más floja para que después vengan las sorpresas. Si es así no le encuentro el sentido ya que se supone que un artista debe mantener a sus fans antiguos a la vez que consiguen nuevos, y con este single no creo que logren esto último.

En cualquier caso, supongo que debido a las críticas realizadas a este avance, la discográfica ha decidido sacar previews de otros temas, y al menos, la cosa mejora bastante:

“China Town” curiosamente recuerda a algunas bandas que han sido influenciadas directamente por Van Halen, como Mr. Big. Más rítmico y movido, puede ser una buena canción cuando la podamos escuchar al completo. “Blood and fire” también tiene un regusto clásico muy agradable mientras que “Stay frosty” tiene una extraña introducción bluesera acústica que se corta cuando entra la caña.

El otro tema del día es la polémica respecto a la portada. Si bien aún no se ha dicho de forma oficial que la portada definitiva sea esta, es cierto que hace unas semanas, la que circulaba por la red y medios oficiales cercanos a la banda no tenía el título del disco en ella (en su lugar aparecía la fecha de lanzamiento), pero en la nueva sí, y salvo ese detalle, el resto sigue siendo igual. Y la polémica ha saltado cuando alguien se ha dado cuenta de que la mítica banda del soul liderada por Lionel Richie, The Commodores, editaron en el 75 un álbum llamado “Movin’ on” con una portada casi clónica.

Pueden existir casualidades, como la paleta de colores empleada o la inclusión del tren dentro de un círculo, pero lo que no puede ser fruto de la casualidad es la elección de ese tren con ese diseño retro-futurista tan especial.

En cualquier caso, polémicas aparte, esperamos como agua de mayo el disco.

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Podcast # 9 (23/01/2.012) Especial Jorge Salán (Parte II)

Publicado en Podcast con etiquetas A.O.R., Guitar Xperience, hard rock, Heavy Metal, jorge salan, Jose Andrëa, Mago de Oz, podcast, Sexto asalto, virtuoso el 25/01/2012 por Guitar Xperience

Noveno programa de la temporada y una entrada con la que finaliza lo que hemos denominado como la “semana y media salanista”. Hoy realizamos, como la semana pasada, otro especial dedicado a Jorge Salán, en este caso, con temas seleccionados por Ivan Macías, nuestro colaborador que no pudo asistir a la edición de la pasada semana. Aprovechamos ambos no sólo para pinchar su música, sino para hablar de las impresiones respecto a Salán y a la entrevista.

También hay que comentar un fallo que tuvimos que sin embargo, hizo que la jugada nos saliera bien: el último tema del programa correspondía a Jose Andrëa y a su disco “Donde el corazón te lleve”, una excelente recopilación de versiones de baladas de grupos clásicos del rock y el metal. Pues bien, anunciamos que el tema a sonar sería “El peso del alma”, versión del “Glory to the brave” de los suecos Hammerfall; sin embargo, el que acabó sonando por error fue “En las olas de tu cintura” (“Love conquers all” de Deep Purple). Decía que la jugada nos salió bien ya que la versión de Andrëa de los Hammerfall tiene una instrumentación mínima con piano y vientos y absolutamente ni una nota de guitarra, y se supone que este era un especial de Jorge Salán en el que explorábamos su música y sus colaboraciones, así que como digo, el error propició que pudieramos disfrutar de una canción en la que sí se escuchaba a Salán. Por tanto, aunque Ivan y yo comentemos en el podcast que vais a escuchar “El peso del alma”, en verdad estaréis escuchando “En las olas de tu cintura” tal y como aparece en el sumario que tenéis un poco más abajo.

Dicho lo dicho, aquí está el enlace del podcast del noveno programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:

Programa # 9 – Temporada 15 – 23/01/12

Jorge Salán: Come (Maqueta 1.999)
Jorge Salán: Driving through the tunnel (The utopian sea of clouds)
Jorge Salán: Pathways to death (From now on)
FRAGMENTO ENTREVISTA 2
Jorge Salán: What you were (Chronicles of an evolution)
Jorge Salán: Mystic highway (Subsuelo)
Jorge Salán: Mar de cristal (Sexto asalto)
Mägo de Oz: El callejón del infierno (Gaia II: La voz dormida)
Mägo de Oz: Runa llena (instrumental) (Ciudad de los árboles)
Jose Andrëa: En las olas de tu cintura (Donde el corazón te lleve)

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Entrevista: Jorge Salán (Parte II)

Publicado en Entrevista con etiquetas Guitar Xperience, hard rock, Heavy Metal, jorge salan, Mago de Oz, podcast, Ritmo y Compás, shred, virtuoso el 23/01/2012 por Guitar Xperience

Aquí tenéis la segunda parte de esta entrevista. Seguimos hablando con Jorge de mil y un temas y el ambiente fue en todo momento distendido y relajado, pese al frío reinante. Pero es un gustazo charlar con alguien tan afable y que a la vez tiene las ideas tan claras. Con vosotros, Jorge Salán.

AS: Habla un poquito de tus colaboradores.

JS: Precisamente queria buscar que este fuera el disco más personal posible. Siempre he invitado a varios cantantes en mis discos, pero esta vez no me apetecía. Quería cantar todas las canciones por mí mismo para darle una tónica general desde la primera hasta la última canción. El único colaborador que hay es Carlos Tarque -el cantante de M-Clan-, que ha escrito la letra en “Sinfonía subterránea” pero tampoco ha cantado en el álbum.

Como músicos están Fernando Mainer al bajo, Carlos Expósito a la batería, Edu Brenes, etc. Digamos que son los mismos músicos con los que llevo trabajando desde hace diez años. Sigo trabajando con un grupo de personas igual que en los directos: tengo una banda de seis o siete personas con las que curro hace mucho, pero como son músicos que tienen muchos otros proyectos y tocan para muchos artistas de pop conocidos en este país, si coincide que están de gira con ellos pues llamo a otra persona pero siempre dentro de este grupo de seis o siete personas.

AS: ¿Y lo de que “Sinfonía subterranea” sea tan funky”? ¡Es que es un tema sorprendente!

JS: ¡A mi me gusta el funky! No soy un músico de un solo estilo. Me gusta todo tipo de música. Me gusta el blues y de hecho ese es otro proyecto que tengo pensado hacer algún día: tener una banda de blues y grabar un disco entero. También sé que es un tema muy distinto y por eso está al final del disco junto a la versión de El Último de la Fila. Son los dos temas que cierran el álbum porque son como los que rompen la temática estilísticamente hablando que llevaba el álbum. Pero creo que es un gran tema con las influencias que tengo de Jamiroquai y de la vena más funky de Toto.

AS: Y luego está la versión de El Último de la Fila, que por cierto, era muy rockera en su versión original.

JS: Sí, no era tan cañera y con tanta guitarra y distorsión como la que hemos hecho en este disco pero sí que El Último de la Fila es un grupo que me encanta desde que sacaran aquel disco llamado “Nuevo pequeño catálogo de seres y estares”. Y el tema “Canta por mi” me parece de las mejores canciones que se han escrito en nuestro país. Quise buscar un tema de alguien que me hubiera marcado y no fuera un grupo de rock. No me apetecía un grupo de rock para hacer algo parecido al original. Cuando hice “Dedication” de Thin Lizzy en “Chronicles…” me ceñí al original porque me apetecía meter ese tema y meterlo parecido a lo que había pero en este quería darle un toque personal, hacerlo más eléctrico.

IM: Aunque tu estilo se centra en el rock incorporas elementos de estilos como el blues. ¿Escuchas música de este estilo?

JS: ¡Por supuesto! Me encanta el blues. El otro día escuché el disco “The Healer” de John Lee Hooker, que es un disco que escucho bastante. Veo mucho mucho blues en YouTube de artistas como Johnny Lang. Hace poco estuve escuchando toda la discografía de Robert Johnson, bueno, solo son dos discos pero la tengo en una presentación de lujo. Realmente me encanta. A mis alumnos siempre se lo digo, que sin blues es muy difícil que toques rock con feeling, con sentimiento, porque todo viene de ahí y creo que es fundamental.

Me encanta el blues y bueno, ¿qué decirte?, el primer disco que me saqué cuando aún no tenía una guitarra eléctrica sino una acústica electrificada fue “Blues alive” de Gary Moore. Me lo saqué de oído. Durante un año entero no hacía más que tocar ese disco con trece o catorce años que tenía, para que veas que el blues me ha marcado mucho.

IM: Te ha marcado mucho, sí. Supongo que te pusiste triste con la muerte de Gary Moore.

JS: Muy triste. Fue una noticia realmente…

IM: …sorprendente, ¿no?

JS: Sorprendente. ¡Joder, que tenía cincuenta y ocho años! ¡Podía haber dado por lo menos veinte años más de carrera! Hubiera sido un B.B. King. Hubiera sido un tío que hasta los ochenta y pico, o hasta morirse hubiera seguido tocando. Y fue perder a uno de los músicos más grandes que ha dado la historia. Al principio leí la noticia y tardé como un día en asimilar que… ¡joder, que se ha muerto Gary Moore! Fue un bajón. Estuve de bajón toda una semana entera.

AS: A mi también me pegó un bajón. ¡Tenia que actualizar la web y tardé como tres o cuatro días porque no quería sentarme a escribir la necrológica! Nadie se lo esperaba.

JS: Fue un palo.

AS: Y aparte de que todos los que hemos empezado a tocar y tenemos más de treinta tenemos como referencia a Gary Moore.

JS: Por supuesto. Para mi es el ejemplo de lo que es un músico, ya no un guitarrista. Es un tio que te canta de la hostia, toca la guitarra, te hace temazos, etc. Es capaz de hacerte un solo de blues y emocionarte, es capaz de hacer un solo de heavy metal en discos como ”Run for cover” o “Victims of the future”, que precisamente esa canción creo que tiene uno de los mejores solos de la historia de la guitarra eléctrica y… bueno, realmente se murió uno de los grandes.

AS: Y ya que estamos, hablando de evolución, has comentado lo de ese futuro proyecto de blues rock, pero con el tiempo muchos guitarristas de metal o de neoclásico han ido pasando a terrenos más de fusión o progresivo. ¿Has pensado en hacer un cambio así?

JS: No. Nunca voy a ser un guitarrista de fusión o de jazz. Nunca voy a decir de repente que ahora sé que el jazz es la mejor música y el rock ya no tiene suficiente nivel para mí. A mi siempre me ha gustado el jazz. Cuando estuve en Berklee estudié mogóllón de jazz y antes de ir ya había estudiado mucha armonía de jazz. Lo controlo y si me pasas standards sé improvisar sobre ellos, pero no es un estilo que yo sienta en el corazón como para ponerme a hacerlo. Creo que lo mío es el rock, creo que es lo que mejor se me da hacer y para hacer jazz ya va a estar muchísima gente que lo va a sentir mucho más que yo al hacerlo.

Una cosa es que a mi me encante la música y otra cosa que pueda hacerlo con sentimiento. Lo mío es que me des un amplificador, subirlo a tope y tocar con distorsión. Eso es lo que tengo claro que voy a hacer. El blues y el rock es lo que a mi me llega, lo cual no quita para que aprecie el jazz, lo estudie y siga formándome en ello o darme el gusto algún día de hacer un tema jazzero. Porque por ejemplo, en el tema “Sinfonía subterránea” tienes cambios de 2/5, de tensiones y cosas que he metido de cuando estudié mucho jazz, pero nunca voy a ser un guitarrista de jazz al uso ni de fusión.

AS: Hay un tema tuyo que apareció en “Subsuelo” que nos encanta personalmente: ”Radio rock”. Entendemos que es un homenaje a las emisoras que no pinchan radiofórmula, que pinchan un poco música más auténtica, con lo cual en cierta manera nos sentimos bastante honrados. ¿De donde te vino esta idea?

JS: Ese tema lo escribió el presentador Juan Pablo Orduñez “El Pirata”. Escribió esa letra. Él fue el que tuvo esa idea. Me llamó y me dijo “oye, tengo esta letra y quiero que hagas la música para un proyecto que tengo en mente, para un disco que va a salir a la venta…”. Al final aquel proyecto se quedó estancado y El Pirata me dijo “pues mete este tema en tu disco como un bonus track, como un regalo para tus fans”. Y así acabó “Radio rock” en mi disco. A mi me gusta esta letra porque tiene mucho de lo que es hacer una radio rockera; transmite mucha energía y potencia y la escribió él. O sea que la idea vino de El Pirata.

IM: De primera mano de un locutor auténtico.

AS: ¡Mítico!

JS: Eso es. Es un tío de la hostia. Yo le quiero mucho y realmente me regaló esta letra para ese disco.

AS: Hace tiempo, algunas veces que no estaba en plan vago y decidía ir a las siete de la mañana al gimnasio, siempre sintonizaba Rock ‘n Gol en el Mp3 y era un gustazo estar corriendo escuchándolo. ¡Empiezas el día con energía!

JS: Sí, él tiene esa característica. Otros presentadores de radio no la tienen. Escuchas su forma de hablar o de transmitir y es que cuando acaba su programa sales con buen rollo porque te transmite mucha energía, y más si es a esas horas de la mañana.

IM: Digamos que tu trayectoria ha sido bastante positiva y te ha ido bastante bien hasta ahora. ¿Puede que te empieces a plantear que te gustaría colaborar con algún músico en especial?: “pues mira, me haría gracia colaborar con este bajista o este guitarrista”. ¿Con quien te gustaría colaborar? Imagino que con Steve Vai o Satriani.

JS: ¡Sí, seria la hostia tocar algo con ellos! Sí me gustaría colaborar mucho con Glenn Hughes. Es uno de mis cantantes favoritos. Bueno, ¡CREO QUE ES LA VOZ! Lo máximo que puedes ver hoy en día en directo de un cantante y sí que me gustaría colaborar con él en algún trabajo. Y si pudiese ser con Steve Vai… hmm… me lo pensaría, jejeje.

IM: ¡Jajaja! Le harías una audición a él, ¿no? ¡A ver si está a tu nivel!

JS: Le haría una audición, eso es.

AS: Ahora que hablas de Glenn Hughes, supongo que Black Country Communion te gustará.

JS: ¿Black Country Communion? ¡Por supuesto! Con Joe Bonamassa. De hecho tienen un tema llamado “One last soul” que me parece de los mejores temas que he oído ultimamente. Escucho mucha música y precisamente venía a esta entrevista escuchando en el coche el “Overnight sensation” de Motörhead, que es una de las bandas que más me gustan. También una colaboración de Motörhead estaría de puta madre.

IM: ¿Y qué te parece el supergrupo Chickenfoot?

JS: ¡Bien! Precisamente es el CD número tres que llevo ahí. Escuché un par de temas el otro día pero no puedo opinar muy bien de este proyecto porque no me he centrado en él. Pero vamos, si sólo han dejado una décima parte de la calidad musical que tienen los que están tocando ahí imagino que será un discazo.

IM: Ahora parece que se estén formando muchos supergrupos de muy buenos músicos por separado que se juntan para un hacer proyecto.

AS: ¿No verías la posibilidad de hacer un supergrupo español? Tampoco se ha hecho nunca aquí.

JS: Puede ser una buena idea, sí. Ahora mismo no tengo pensado nada y no tengo tiempo. Acabo de sacar este disco y durante los dos próximos años voy a centrarme en hacer conciertos y seguir con mi carrera en solitario, pero no descarto montar ninguna banda en un futuro. De hecho, llevamos hablando un tiempo Danny Vaugh -el cantante de Tyketto- y yo de hacer un disco a medias, porque lo que hemos trabajado juntos ha dado un buen resultado. Y es uno de los proyectos que tengo en mente; pero vamos, son solo ideas que no se han llevado a cabo, pero ahí están para un próximo futuro.

AS: Supongo que comenzará en enero gira de “Sexto asalto”, cuando la gente lo tenga bien escuchado. Imagino que el tema de Centroamérica o Sudamérica también lo haréis. Sobretodo por Mägo de oz allí tienes una legión de fans tremenda.

JS: Eso es. Los cuatro años que estuve con Mägo sirvieron para hacer muchos fans de mi música en solitario por allí. Ya de hecho estuvimos tocando en Méjico algunos conciertos con Michael Schenker. Hicimos una gira el año pasado y para finales del 2.012 seguro que estaremos girando otra vez por Méjico y por algunos países más para presentar este nuevo “Sexto asalto”. ¡Ah! Y por cierto, en España sí que hacemos tres conciertos de presentación que son el once de febrero en la sala Ritmo y Compás en el que haremos un concierto de varias horas de duración tocando este “Sexto asalto” al completo. Un concierto con canciones de mis anteriores discos, versiones, etc. O sea, un concierto muy especial. (nota: tal y como acaba de publicar RafaBasa en esta entrada, dicho concierto va a ser grabado para una posterior edición en CD.) Más el veinticuatro y veinticinco de febrero en Sevilla y Valladolid junto a House of Lords.

AS: Muy bien. Hace pocos días RafaBasa te hizo una entrevista. La estuve escuchando anteayer y comentabas que vas a ir en formato trio, batería bajo y tal. Tema de teclados y violines ¿cómo lo vas a hacer?, ¿lo vas a llevar grabado?

JS: Sí. Cuando haya algún motivo en la canción que sea muy importante y que tenga que sonar será disparado, pero en este disco no hay mucho teclado. En esta gira sí que me apetecía ir a trío, hacer algo como lo que están haciendo Richie Kotzen y guitarristas así. Vamos a poner distorsión al bajo y ¡rock & roll! Se trata de hacer eso.

IM: Muy directo, ¿no?

JS: Muy directo. Buscaba en esta gira que sonara a tres tíos tocando en vivo.

AS: Cambiando de tema -esto también lo comentábamos ayer-, los que ya tenemos unos años empezamos a preocuparnos. Nosotros no hemos visto el nacimiento del metal pero nos da la sensación de que vamos a ver su final. Si hoy en día piensas en un referente de heavy metal, de hard rock e incluso de pop, te vienen a la mente grupos que tienen más de sesenta años. No me veo yo a Iron Maiden con setenta o setenta y cinco años tocando, ni a los Rolling Stones, entonces…

JS: Bueno, jejeje, los Rolling ya deben de estar por allí, jejeje.

AS: Seguro. Para mí que ya son clones directamente. En fin, ¿tu cómo ves que no haya realmente un relevo generacional para estas bandas?

JS: Es muy triste. Si escuchaste esa entrevista lo dije. Me parece muy bien que se siga apostando por las bandas de siempre, pero ya cada vez es más habitual oír sobre no sé quien deja tal grupo, o sobre la última gira de Judas Priest o la de Scorpions. Y eso es ley de vida. Como dices, ya son gente que van rozado los sesenta años o incluso algunos más. Lemmy no sé cuantos tiene y en cinco o seis años que eso es ya, que es un chasquear de dedos, esos grupos no van a estar tocando. Entonces si no apostamos por gente que estamos ofreciendo discos como el que estoy sacando o muchas bandas nuevas ofreciendo rock de calidad… Sino se nos apoya evidentemente todo tiene fecha de caducidad. Pero no es porque no haya nuevos valores en esto del rock. Claro que los hay, y hay creatividad, pero no se apoya como antes. Me gustaría ver si a día de hoy, si tuviera que salir un Eric Clapton o un Muddy Waters, si tuviera que salir Tina Turner o todos esos artistas tan grandes que hemos conocido, me gustaría saber a donde llegarían, porque parece que ahora todo se compra con dinero, no con talento. Ahora cualquiera graba discos. Antes grababan discos los que tocaban y los que cantaban. Ahora cualquiera puede ir a un estudio y hacerte sonar más o menos bien tu voz, por eso es importante ir a ver los directos de las bandas y ver sin son capaces de tocar lo que graban.

En este sentido creo que hay muchísimos músicos y mucha creatividad, pero lo importante es que llegue a la gente y que se apoyen las carreras de los artistas. No es lo mismo sacar un disco que apoyar la carrera de un artista, ya que eso significa invertir, verlo a la larga, seguir promocionándolo y convertirlo en un artista de renombre porque tiene un trabajo de varios años de duración. Y eso es lo que se está perdiendo. Esperemos que esto cambie.

AS: Ahora viene la parte aburrida de la entrevista.

IM: Temas técnicos y guitarrísticos.

JS: Jejeje.

IM: Imagino que tienes una rutina diaria de práctica. ¿A qué dedicas más tiempo, a practicar escalas, acordes, composición, ejercicios, etc.?

JS: De todo. Hay veces que… hombre, ahora mismo dedicándote a esto profesionalmente y en que estoy produciendo discos de otra gente, con mis propias giras y algunos días a la semana dando clases de guitarra no paro. Y entonces no tengo el tiempo para mí que me gustaría para seguir estudiando como cuando estuve en Berklee por ejemplo. Pero sí que hago de todo. Hay días en los que puedo sacarme un solo de Bonamassa que me ha gustado. Hay otros en los que recuerdo teoría y empiezo a ver voicings de acordes y cosas así.

IM: Vas variando.

JS: Sí, voy variando. Ahora mismo con todo el lanzamiento, las entrevistas y todo eso llevo dos semanas sin tocar, entonces ahora me pondré otras dos semanas a técnica para recuperarme un poco y desoxidarme. Es un poco lo que ir viendo lo que necesitas.

IM: Claro, lo que vas necesitando en cada momento.

JS: Eso es.

AS: ¿Con qué técnica te sientes más a gusto? ¿Púa, sweep picking, ligados, tapping, etc.?

JS: Yo creo que lo mejor se me da es la púa-contrapúa. En eso sí que tengo facilidad y siempre la he tenido, y es lo que suelo explotar en algunos casos. El tapping y la púa-contrapúa se me dan bastante bien respecto a otras técnicas de guitarra.

AS: Y sobre lo que comentabas en referencia a que hiciste un seminario de tapping muy intensivo allí en Berklee, ¿no has pensado en introducirte en el tapping polifónico a lo Stanley Jordan o tapping monofónico tipo Daniele Gottardo o Dave Celentano?

JS: No he pensado nada, pero a lo mejor me da un día por ponerme ahí con ocho dedos y cosas de esas, jeje, pero no lo sé. A lo mejor me viene alguna idea a la cabeza en la que tengo que usar eso y tendré que sacarlo. No descarto nada. Todo lo que sea técnica y aprender cosas nuevas evidentemente bienvenido sea.

IM: ¿Hay algún tema que una vez lo hayas compuesto hayas dicho “¡ostia! esto es demasiado difícil para tocarlo en directo”? ¿Y que luego digas “voy a frenar el estilo o la dirección de esta composición para poder tocarla en directo”?

JS: No, precisamente hago lo contrario. Es decir, yo compongo un tema sin preocuparme de la dificultad que sea, y si luego tengo que estudiarlo hasta sacarlo lo voy a estudiar. Es ponerse. Todo se saca. Es ponerse a ello. Evidentemente lo que hay grabado en mis discos está dentro de mis posibilidades, porque sino no podría ni grabarlo ni en el estudio. En estudio tienes recursos, puedes pinchar tomas, etc., pero lo que tocas es lo que tocas. Si hay algún solo que ha sido muy complicado lo que hago es sacármelo, currármelo hasta poder bordarlo, claro.

AS: Hablando sobre esta primera maqueta, la de la foto espectacular… luego la escaneamos y la colgaremos porque seguro que mucha gente no la ha visto, jeje. A ver, nuestro programa Guitar Xperience precisamente hace tres semanas que cumplió quince años…

JS: ¡Quince años!

AS: …y claro, en este tiempo aunque sea un programa de muchos géneros diferentes, tocamos música muy técnica. Durante todos estos años hemos escuchado a auténticas bestias, pero realmente me sorprende que a día de hoy sigue siendo uno de los debuts más espectaculares que he visto nunca. Da la sensación escuchando luego el resto de tus discos de que has evolucionado a nivel de composición, de voz, tocas con más limpieza, con más soltura, etc., pero tampoco veo una diferencia técnica muy exagerada. ¡Es que realmente era la polla! La intro de “Running free” por ejemplo, tiene cientos de videos en YouTube de gente que la imita.

JS: Sí, lo sé.

AS: ¿Y tu crees que has evolucionado mucho o es que realmente te frenas un poco en los discos para no soltar a la bestia que llevas dentro?

JS: Sí, por supuesto. No me freno. Lo que hay allí es lo que he querido que quede. Sí que he mejorado mucho. Si oyes el sonido de la guitarra de “Utopian” no tiene nada que ver con el sonido cálido a válvulas y con mucho tono que tiene ahora. Hay una gran diferencia en gusto… ¿Técnicamente? Es cierto que en aquel disco ya tenía técnica y tocaba muy rápido como dices, pero he mejorado yo creo que en feeling y conocimiento y sonido de guitarra.

AS: ¿Había cosas en ese álbum que dijeras que no voy a ser capaz de sacarlo, que no lo voy a tocar nunca?

JS: ¿En qué disco?

AS: En la maqueta. O sea algún lick, algún solo, algo que dijeras que no lo ibas a poder tocar nunca.

IM: Yo creo que se lo curra todo para poder tocarlo.

JS: De hecho cuando grabé esa maqueta no había estudio de grabación. Lo grabé en casa en un cuatro pistas en las que no había posibilidad de pinchar tomas y lo que está ahí es lo que toqué.

AS: No, pero no me refiero tanto a esas canciones, sino a lo que tu escuchabas en ese momento y solos de aquella época. Algo que dijeras “¡no lo voy a hacer nunca!”, ¿sabes?, y que ahora digas “mira, lo hago como si nada”.

JS: ¡Ah sí! Evidentemente ya no es que no puedas hacerlo nunca, lo mejor es que me preguntes si puedo tocar un sweeping de Frank Gambale que sea muy difícil de tocar. A lo mejor si me pongo horas y horas sí, pero nunca lo voy a tocar como un especialista en sweep picking como es él. Aquí de trata no ser capaz de tocar otras cosas sino de tocar tu estilo bien. Eso es lo difícil. Porque ¿cuantos guitarristas hay que toquen “For the love of God” bien? A mi me encantaba tocar ese tema y lo hice en directo con veinte años porque disfrutaba tocándolo, pero que toques el tema “For the love of God” como Steve Vai no significa que seas Steve Vai, ¿no? Lo primero es que crees tú un tema así de la nada. Lo importante es crear cosas que merezcan la pena y hacer buenas canciones.

(Dicho y hecho. Adjuntamos los siguientes tres documentos. Terroríficos o adorables, según se mire)

¡Qué entrañable! Hace siglos que no veo un CD 8X.

IM: ¿Por qué elegiste la marca Ibanez para tocar? ¿Quizás por la influencia de guitarristas que la usan, como Steve Vai, Joe Satriani o Vinnie Moore en sus principios? ¿Fue por esto o por qué tuviste alguna colaboración especial con la marca?

JS: No, simplemente me compré una marca sin tener contacto con la gente de Ibanez. Me la compré con dieciocho años o así, no me acuerdo bien, y fue la guitarra que encontré en aquel entonces con la que más a gusto estaba. Ahora utilizo Mayones que son las guitarras con las que más a gusto estoy ahora. De hecho ahora tengo una Mayones nueva que me han hecho a medida, que es custom, y es el mejor guitarrón con el que he tocado nunca.

IM: ¿Pero vas a seguir tocando con Ibanez?

JS: No, en principio ya me he centrado en Mayones. En los discos sí que uso varias guitarras: Gibson, Stratocaster para varias partes funkys, etc. En las grabaciones uso muchos tipos de guitarra pero en directo no he encontrado una guitarra que se ajuste más a unas necesidades que la Mayones.

IM: Es muy polivalente, ¿no?

JS: Sobretodo para el estilo que yo toco. Igual se la pasas a un guitarrista de jazz y no se identifica con ella, pero para el estilo que practico me viene muy bien.

AS: ¿Y en tema de amplificación que marca prefieres?

JS: Ahora llevo Big Tone que es un amplificador increíble. Se puede meter la gente en bigtone.com o algo así, no me acuerdo como era exactamente la web (nota: San Google sí se acuerda: www.bigtone-amps.com), pero es un amplificador que han hecho unos amigos míos de Valencia y ese amplificador va a arrasar cuando lo escuche la gente. “Sexto asalto” está grabado con el amplificador Big Tone y ahí tienen una prueba de como pueden sonar los solos de guitarra con ese amplificador. Realmente es un peazo de ampli.

AS: Y otra pregunta técnica, ¿en que técnica (aunque supongo que será a púa-contrapúa) eres capaz de tocar más rápido y a cuantos bpm’s?

JS: ¿Qué técnica soy capaz de tocar más rápido y a cuantos bpm’s? ¡Joder macho, pues ni puta idea!

IM: La pregunta del millón, jeje.

AS: O sea, ¿te has puesto con el metrónomo a ver hasta cuanto llegas?

JS: No sé, depende de si son tresillos, seisillos, semicorcheas, no lo sé, jeje.

IM: No te mides la velocidad a la que tocas, ¿no?

JS: No, aunque es importante obligarse y decir que si ahora mismo tengo el límite a 130… mis alumnos me preguntan que cómo puedo hacer para mejorar la púa-contrapúa y tocar más rápido, y yo les digo que aunque te salga mal ponte a 140 y luego vuelves a 130 y parece que te cuesta menos, y eso es una forma de ir superándote por puntos.

AS: No sé si has oído hablar de un guitarrista llamado Tiago della Vega.

JS: No lo conozco.

AS: Si lo buscas en YouTube tiene un video de 2.008 que es el récord Guiness tocando “el vuelo del moscardón” a 320. Este año ha subido otro video -aunque aún no es oficial- y lo llega a tocar a 750. Y además ya pone “Absolute Record”, como que eso no lo va a va a superar nadie.

JS: ¡Uff! Yo prefiero ponerme un disco de Bryan Adams o AC/DC, así de claro.

AS: No, si realmente es un coñazo de video.

JS: No lo he visto.

IM: Esto de los récords como que no va contigo, ¿verdad? ¡Jajaja!

JS: No, no me interesa, no estoy en ese rollo para nada. Me gustan las canciones, me gustan los buenos discos, me gustan que me transmitan y me cuenten historias, y de hecho, creo mis discos no tienen nada que ver con ese tipo de historia. Incluso cuando en mis primeros discos hacía temas instrumentales, tampoco eran instrumentales de demostrar todo lo que sé. Creo que tenían fundamento. Pero cada vez estoy más alejado de ese mundo. No me gusta.

AS: Y ahora llegamos a la última pregunta más que nada porque empieza a ponerse el folio en blanco, con lo cual es que ya acabamos. La última pregunta que siempre hacemos es… (redoble de tambores) LA PREGUNTA PUTA:

¡DEFINE A JORGE SALÁN!

JS: ¡Jejeje! ¡Define a Jorge Salán! Bueno, pues simplemente es un músico que cree en lo que hace, que hace música de verdad y de corazón. Y no sé… que la gente que esté escuchando esta entrevista que al menos le de la oportunidad a este nuevo “Sexto asalto” que creo que es lo mejor que he sacado. Que lo juzguen por ellos mismos, que se quiten de encima los complejos de que puede ser música para músicos o para guitarristas porque no es así: son canciones que cuentan historias y espero que lo juzguen ellos mismos.

AS: ¡Pues muchísima gracias! ¿Quieres apuntar algo más, Ivan?

IM: No, sólo agradecerle a Jorge Salán por permitirnos esta entrevista.

JS: A vosotros.

AS: Y sobretodo en este día tan frío. ¡No sé aquí, pero los de Barcelona consideramos esto frío!

JS: ¡Jejeje! Sí, es frío. Esto sí que es frío.

IM: Y desearle también mucha suerte en tus futuros proyectos.

JS: Muchas gracias.

IVAN MACÍAS & ALBERT SANZ

PD: Todas las fotos que acompañan las dos partes de la entrevista han sido extraídas del perfil en FaceBook de Jorge Salán (excepto las de Gary Moore y Mägo de OZ extraídas de sus respectivas webs oficiales). Todos los derechos pertenecen a sus respectivos autores.

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Weekend Videos: Especial Jorge Salán (Parte II): Eric Martin Band “Crossroads”, Mägo de Oz “La cantata del diablo (extracto)” & “Astaroth”, KHY “Beat it” & Jorge Salán “Subsuelo”, “For the love of God” & “Summer of ’69″

Publicado en Videoclips con etiquetas Eric Martin, hard rock, Heavy Metal, jorge salan, KHY, Mago de Oz, Nexx, Patricia Tapia, shred, virtuoso el 22/01/2012 por Guitar Xperience

Proseguimos la “semana y media salanista” y hoy os traemos una interesante selección de colaboraciones y directos curiosos de Jorge Salán fuera del ámbito de su propia música.

1.- Crossroads. Todo un clásico del blues en esta fabulosa colaboración que hizo en 2.010 Jorge con la Eric Martin Band del vocalista de Mr. Big. Es agradable ver como nuestro protagonista se pone en plan bluesero aunque su Gary Moore interior acabe saliendo a la luz en modo heavy.

2.- La cantata del diablo (extracto) & Astaroth. La permanencia de Salán en Mägo de Oz le ha servido para curtirse en la carretera, afrontar directos monumentales y convertir en legión a su grupo de fans. El extracto de “La cantata del diablo” está perfectamente definido en el título como “El mejor solo de guitarras de Mägo de Oz” y no podemos estar más de acuerdo. Con un Salán ligeramente neoclásico, el duelo con Carlitos y la posterior unión de la tercera guitarra y el teclado otorgan a ese fragmento la categoría de arte. Complementa este repaso el tema “Astaroth”, uno de los mejores de la banda y que está precedido por un solo en el que Jorge parece que fue abducido por Steve Vai.

3.- Beat it. Debido a la relación laboral establecida con la ex Nexx Patricia Tapia (segunda voz en Mägo de Oz), nuestro protagonista fue invitado a participar en el primer disco de su nueva banda, así como en algunos conciertos. Atentos a como lleva Salán a su terreno un solo tan complejo como mítico de Eddie Van Halen.

4.- Subsuelo: Una de las colaboraciones más celebradas de Jorge Salán es la que le unió al legendario Miguel Ríos en el tema “Subsuelo”. Un tema cercano de alguna manera al heavy ochentero español, pese a su tempo de balada tranquila. Pese a que no hay color entre la voz de uno y otro, la rareza de ver esta versión cantada por el joven guitarrista soleando con su acústica A&L y el magistral acompañamiento de Roberto Jabonero al violín hace que su visión sea obligada para los “salanistas”.

5.- For the love of God. En los comienzos de su carrera, Salán mostraba cierta semejanza estilística con Steve Vai en ciertos momentos de algunas canciones. Por lo tanto, era inevitable que teniendo como uno de sus referentes al americano y tocando con Ibanez, tarde o temprano acabara versionando uno de los clásicos del shred.

6.- Summer of ’69: Puede sorprender que a todo un rockero y metalero le guste Bryan Adams, pero por lo explicado en la entrevista sus gustos e influencias son de lo más amplias. Aquí está una alegre versión en directo en la que, y contra todo pronóstico, no es la guitarra quien más se luce, sino el violín ejecutado de forma impecable (como siempre) por Roberto Jabonero de los Celtas Cortos.

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