Ya teníamos ganas de que llegara este concierto. Llevamos tiempo siguiendo la trayectoria de esta cantante tanto con Nexx como con Mägo de Oz; y aunque es bien cierto que “Irrompible” ha tardado demasiado tiempo en hacer acto de presencia tanto en el programa como en la web, no podíamos dejar de asistir a este concierto.
Poco antes de las 21:00 del pasado sábado 4 de febrero de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona), la Sala Mandra 2 permanecía cerrada, y unos pocos fans hacían cola ante la puerta, resistiendo el frío reinante. Unos pocos minutos antes del concierto de Leaves, el frío en el interior de la sala era casi el mismo que fuera y apenas había público para calentar el interior. Aunque el regalo del CD de los teloneros con la entrada en la puerta fue un buen detalle para entrar con el optimismo por las nubes.
Siguiendo la tónica habitual cuando no conocemos a un artista, como es el caso del telonero, no investigamos nada previamente; que también somos fans y queremos sorprendernos (o cagarnos en todo según se mire). No saber de que palo van los teloneros te permite no ir con ideas preconcebidas. En esta ocasión los de PatriciaTapia estaban teloneados por Leaves, una banda barcelonesa formados por Franck y Manjón a las guitarras, Francis al bajo, Jordy a la batería, Mireia a los teclados y liderados por la cantante Raquel.
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Leaves se mueven en una onda de metal gótico y doom ambiental muy interesante. Enseguida destaca la voz de Raquel, con un estilo muy expresivo y muy buena técnica y que curiosamente recuerda por momentos a Björk. En cuanto salieron a escena ya vimos un serio problema y fue que la voz estuvo un poco baja, y claro, la música está muy centrada en la creación de ambientes un tanto etéreos y oscuros en los que la voz en el eje. A favor tuvimos que tanto el dúo de guitarras como el bajo sonaron con mucha potencia y claridad.
Al finalizar el primer tema, Raquel presentó a sus compañeros y comentó lo feliz que estaba ya que dos semanas antes la habían operado de un problema en una retina y ya podía estar sobre el escenario. Sin conocer el directo de esta banda, creo que esta fue la razón para verla un tanto estática durante el set. Cierto es que su música no es para pegar muchos botes, pero el sonido es contundente y muy denso, así que unos meneos de melena no sobran. Pero por esta vez se lo perdonamos.
Tras una media hora en la que tuvieron que lidiar con un público escaso y apático y un tremendo frío en la sala, tengo que admitir que -y con todo lo positivo de su propuesta- no disfruté del concierto y no fue por el asunto de sonido. La razón es que un estilo de metal alternativo, lento, oscuro, ambiental y etéreo con influencias de The Gathering, Anathema (primera época) y Björk no puede realizarse sin la presencia de un teclista. Si bien en los créditos de la banda aparece Mireia a los teclados, y tras una escucha preliminar del CD podemos constatar que los hay, sobre el escenario vimos un cuarteto. Pueden haber mil causas para la ausencia de Mireia, pero a estas alturas no pasa nada por llevar algunas bases grabadas (mientras no se haga playback sobre ellas, claro está). De esta manera faltó algo y salvo en un par de temas, las guitarras carecían de la sutileza necesaria para crear esos ambientes al sonar con un poderío y distorsión tremendas. No es algo que no tenga solución, pero no me veo capaz de asisitir a un concierto de hora y media de Leaves sin teclados.
No obstante es una banda a seguir y un día de estos destriparemos su álbum.
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Y tras diez minutos para el consabido cambio de backline y la colocación de dos pancartas a los lados que mostraban media cara de Tapia (algo inútil, puesto que los mismos músicos las tapaban al ser el escenario de pequeñas dimensiones), salieron a escena los KHY, o lo que es lo mismo, Patricia Tapia (voz), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros) y los nuevos fichajes, Javier Sane (bajo y coros) y Juan Sánchez (guitarra rítmica y coros). Comenzaron fuerte, con una descarga de metal moderno como son los temas “Principio sin final” y “Entre cristales” que sonaron seguidos, y continuaron con un exhaustivo repaso a sus dos discos. “Sin ti”, “En la inmensidad”, “Promesas olvidadas” o “Despertaré”, y las versiones de “El violín del diablo” de Mägo de Oz y “Beat it” de Michael Jackson hicieron las delicias del público que llenó el aforo sólo al cincuenta por ciento de la sala (algo desgraciadamente típico en Barcelona), pero que devolvió al grupo toda esa energía en forma de continuos aplausos y gritos de admiración, dirigidos muchos de ellos en especial a su menuda vocalista. No tuvimos ni a Fran ni a Carlitos de los Mägo de invitados ni interpretaron nada de Metallica como en el concierto del día anterior en Madrid, pero aún así el set-list fue excelente. Otro tema destacable fue “Cuando se apague la luz”, un momento de lo más emotivo. La que es una de las mejores baladas de los últimos tiempos nos puso la piel de gallina con la interpretación y el feeling que mostraban Patricia a la voz y Guadaño a los teclados. Lástima que la jodieron los capullos asistentes que estaban hablando a grito pelado en la barra (¿pero habían ido a un concierto de heavy metal o a hablar del puto fútbol?). Algún ¡schhh! pudo escucharse por parte de algún fan que sí deseaba disfrutar de la balada. Menos mal que el segundo tramo de la canción vino con sorpresa, puesto que la banda entró a lo bestia y por sorpresa, a contagiar de poderío metalero una melodía tan hermosa.
Y tema tras tema el concierto finalizó con “Vidas en ruinas”, el cañero single del reciente “Irrompible” . Un final previsible pero muy esperado.
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La banda ralló a un nivel tremendo y desde luego (sin haberlos visto en directo con anterioridad) no se acusa los recientes cambios en la formación. Óscar Pérez y Juan Guadaño estuvieron muy precisos en sus respectivos instrumentos, pero la disposición del teclista, y la iluminación y el humo en la zona del batería impidieron verlos bien. Javier Sane también estuvo muy bien al bajo. Moviéndose sin parar por el escenario (aunque fuera tan pequeño) demostró soltura y ganas pese a su juventud, y en algún momento intercaló lineas de slap muy potentes. De la pareja de guitarristas otro tanto. Aunque el hecho de no poder alejarse demasiado de sus pedaleras limitaba sus movimientos, también estuvieron inspiradísimos. Juan Sánchez tocó sus partes con fuerza a la vez que hacía coros con una buena voz y se encargaba de algún solo. Jaime de la Aldea se mostró con una actitud más seria, pero sus manos no paraban de hacer diabluras por el mástil. Un muy buen solista, con feeling y técnica de sobra, y que pasa sin problemas de tocar en un estilo más clásico a versionar con maestría el solo de EVH en “Beat it” o tocar la larguísima línea de arpegios del tema de Mägo de Oz. A Patricia Tapia la dejamos para el final. Si ya sorprende en disco por su notable técnica así como expresividad y capacidad de emocionar, es en directo donde hay que demostrar que lo que se ha grabado no se ha hecho con la ayuda del Autotune. Y no, Patricia suena en directo igual que en disco, casi mejor diría, porque en disco no puedes apreciar la fuerza, la rabia, la intensidad y el carisma que desprende esta mujer sobre el escenario. Si a esto unimos una evidente sensualidad y una atractiva estética tenemos a la cantante rockera perfecta.
Pese a todo, también tuvimos parte negativa y vino dada por el sonido. En los dos primeros temas escuchábamos mejor los coros que a la propia líder. Por fortuna esto duró nada más que esas dos canciones. Bajo y batería sonaron perfectos, con una gran pegada y definición. El teclado también sonó de manera aceptable, pero las dos guitarras sonaron flojas, en especial la de de la Aldea. Vamos a ver, en los ritmos se les oía, pero los dos guitarras de Leaves sonaron con mucha más potencia y nitidez, y aquí no. Pero lo de los solos de Jaime ya fue de escándalo. Algunos se oían demasiado fuerte, otros muy flojos, pero la mayoría directamente si no le mirabas no te enterabas de lo que estaba haciendo. Una pena.
Para ir acabando, destacar como anécdota la excelente memoria de Patricia: entre un par de temas dedicó una canción a dos chicas y un chico que habían estado en el concierto de Madrid del día anterior, y al firmar autógrafos a la finalización reconoció también a un asistente a un concierto de los Mägo de Oz. Aparte de que repartió autógrafos, fotos, risas y sonrisas entre todos los que la reclamaban, demostrando que la rockstar se queda en el escenario al acabar el concierto, y que entonces sale la Patricia Tapia persona, adorable y simpática. Vamos, ¡un encanto!
Aunque ella sea el centro de todas las miradas (es que esas mechas lilas y las tiras del mismo color de su traje son de lo más hipnóticas), el resto de músicos ayudan a conformar una banda muy interesante y con un directo de lo más contundente, y de la que nos declaramos fans incondicionales (hasta el compañero Ivan Macías, cuya aversión al metal cantado en castellano es notoria afirma lo mismo) y de la cual esperamos más discos y más giras.
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Os dejamos con unos videotubes del concierto, para que veáis una muestra del espectáculo de esta gran banda. Si queréis disfrutar de casi todo el concierto, el usuario de YouTube LouSaN92 lo ha grabado y lo ha subido a su canal (pinchando aquí). La calidad de imagen no es muy buena pero el audio es de lo más aceptable, y os puede dar una idea de lo que da de sí esta banda en directo.
Como estáis viendo en las últimas semanas, hemos dado prioridad a la sección de críticas y la mayoría de discos que estamos analizando y los que serán analizados en breve pertenecen al año 2.011. Y es que debido al reducido staff de la redacción de esta web y la (afortunada) avalancha de novedades de calidad aparecida a lo largo del año pasado, muchos se han quedado en el tintero. Así que aprovechando que el próximo lunes la formación que hoy nos ocupa visita Barcelona, adelantamos este disco en la lista de “pendientes”. Por otra parte, habréis visto que para esta ocasión cambia el apartado técnico del inicio. Dado que el músico principal de la entrada es una vocalista, no tiene sentido el apartado de “Velocidad”. Y dicho lo dicho, vamos por faena.
Tras la disolución de la interesante (y muy revindicable) banda de A.O.R. Nexx, esperábamos con ganas qué podía ofrecernos Patricia Tapia. Aún tuvimos que esperar unos años al ser “secuestrada” por Mägo de Oz. Esta situación evidentemente ha sido muy positiva para ella y es lógico establecer un paralelismo con Jorge Salán: llegar a un público muy fiel y numeroso tanto en Latinoamérica como Europa, establecimiento de nuevos contactos, rodaje en la carretera en una larga gira, conciertos ante miles de personas, dinero, etc. Y como Jorge Salán, llega un momento en que Patricia decide dar un giro a su carrera y comenzar a trabajar en su carrera en solitario (aunque a diferencia de Jorge, ella todavía permanece en la órbita de los Mägo). En 2.010 aparece “Volver a creer”, un disco excelente pero en el que no hay un estilo definido. Más que nunca, KHY es el grupo de Patricia Tapia y viene a ser como una mezcla de todas las influencias de la joven: A.O.R., hard rock, heavy metal, etc. Hasta un año después, en que -pese a los compromisos con Mägo de Oz-, KHY editan su segundo disco. Disco que suena mucho más a banda unida y con un estilo más definido y menos “patriciatapiaesco” de lo esperado. Toda una bomba, que al igual que nos sucedió al escuchar el último disco de Tony MacAlpine, esa mezcla de gran calidad, elevado nivel de producción y contundencia, ha logrado hacernos estallar la cabeza y los oídos de puro placer.
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Patricia Tapia KHY está formada por Patricia Tapia (voz y coros), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros), Pedro Díaz “Peri” (bajo) y Mónica Tapia (guitarra rítmica y coros). Además, han colaborado Txus di Fellatio, quien ha escrito las letras de “Mi tumba llora sin ti” y “Cuando se apague la luz”, Carlitos, que se ha encargado del solo de guitarra en “Mi tumba llora sin ti”, y Carlos Prieto “Moha”, que ha tocado las partes de violín en “Sin ti”. No hace falta que diga que estos tres colaboradores son compañeros y amigos de Tapia en Mägo de Oz. “Irrompible” ha sido producido, grabado y mezclado por Dani Castellanos (Easy Rider, Neomenia, etc.) en los estudios El Guisante Records de Madrid y ha sido masterizado por el legendario Denis Blackham ( Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Black Sabbath, Thin Lizzy, Jean-Michel Jarre, Loquillo, Miguel Ríos, Robert Plant, Crosby, Still, Nash & Young, etc. La pregunta sería… ¿con quien no ha trabajado?) en su estudio Skye Mastering.
Si os habéis percatado ha habido un cambio en la formación: Daniel Fraile, el anterior bajista de la formación ha sido sustituido por Pedro Díaz “Peri”, también de los Mägo. En principio la banda no se ha resentido por este hecho, en parte debido al cambio de rumbo musical. De todas formas, los cambios no terminan ahí, puesto que según una reciente nota de prensa que nos ha llegado, tanto “Peri” como Mónica Tapia han dejado la banda y han sido sustituidos por Javier Sane (Biosfear, Inntrance, Manuel Seoane’s Burnin Kingdom, etc.) al bajo y coros Juan Sánchez (Rock Automotive) a la guitarra rítmica y también coros.
Vamos ahora a analizar cada tema:
1.- Principio sin final. Un comienzo muy pero que muy potente. El sonido de las guitarras, lo agradeblemente subido que está en la mezcla el bajo y los teclados le dan un inusitado aire de nu metal. Tapia canta en un registro muy alto, con un tono de voz casi pop, cuando la extrema potencia del tema parece que pida una voz salvaje y casi gutural. Pero como decimos, es un comienzo salvaje y muy movido.
2.- Vidas en ruinas. La voz de Patricia se muestra melódica y popera en el comienzo mientras canta sobre una base de teclados y piano; pero es un inicio engañoso, porque enseguida entran toda la banda a lo bestia. Durante todo el minutaje se intercalan pasajes más tranquilos con otros más rápidos, pero destaca sobretodo el acompañamiento en las voces de los coros a Patricia durante el estribillo. El solo de guitarra de Jaime de la Aldea entra casi al final pero se hace notar. Heavy metal que será tremendo escucharlo en directo. Es además el single del disco al que acompaña un videoclip espectacular que pone en imágenes la dureza de la letra.
3.- Entre cristales. Otro comienzo tranquilo con unas guitarras arpegiadas y un bajo realizando un motivo muy melódico. El bajo de Pedro Díaz “Peri” permanece muy presente en la mezcla, lo cual se agradece. Tapia canta en un registro más bajo, más relajado quizás. La canción tiene fuerza y recuerda al heavy español más clásico, pero es más tranquila y sirve de puente a la siguiente.
4- Sin ti. La primera de las baladas, o por lo menos así empieza. Patricia nos muestra una voz tierna y dulce, con más matices de lo escuchado hasta el momento. A partir del primer minuto hay un curioso cambio: solos de violín y guitarra (excelentes) aparecen sobre un loop de percusión con una pésima calidad de sonido (algo buscado a propósito). Después entra el grupo con toda su furia pero el loop permanece incluso sobre un colchón orquestal del teclado de Juan Guadaño. Lo que resulta bastante incomprensible son los coros que aparecen en el 2:40. Con todos mis respetos, son las voces más feas (no queda claro si de hombre o mujer) que he oído en mucho tiempo. Recuerdan casi a Los Pecos. Y es una pena, porque este “Sin ti”, por su producción, composición y lirismo del que hace gala la vocalista, es uno de los mejores temas de todo el disco.
5.-En la inmensidad. De nuevo Patricia comienza dulce y melódica, siendo acompañada de manera curiosa por un coro infantil. Las guitarras del duo Tapia-de la Aldea -salvo en el estribillo- tienen un aire a Dream Theater. Óscar Perez mantiene durante toda la duración un ritmo que aunque no muy rápido, tiene más complejidad de lo que parece. Y Patricia vuelve a adueñarse de todo; y es que a medida que avanza el disco la voz se vuelve más melódica y muestra más variedad de recursos.
6.- Te has rendido. Sonidos industriales con teclado dan paso a unas guitarras muy contundentes, en una linea de metal moderno bastante nu metalero (sobretodo por los interludios en los que solo acompañan a la voz el batería, teclado y bajo). Óscar Perez está inmenso en una canción con ritmos de batería bastante progresivos. Salvando las distancias y la agresividad que presupone al grupo que voy a mencionar, esta canción recuerda por momentos a un cruce entre Korn y Dream Theater. No obstante, ciertos riffs de guitarra y Patricia Tapia que vuelve a cantar en un registro muy agudo pero melódico, restan fuerza a la composición (algo sin duda realizado a propósito). Un tema un poco más flojo pero muy coreable en directo.
7.- Vendiendo la fe. Batería, teclado psicódelico y un contundente bajo (diría que pasado por un overdrive) introducen a la voz. La canción mantiene un regusto de heavy español bastante ochentero, incluso en la voz de la líder de la banda, quien canta en un registro muy alto pero a la vez rasgando la voz. La canción queda extraña en parte por la forma de cantar, ya que me vienen a la mente voces como Mercedes Ferrer así como otras cantante de rock y metal nacionales. No diré que sea un tema de relleno, pero sí que estás deseando que acabe para pasar al siguiente.
8.- Cuando se apague la luz. Un bonito piano acompaña a la Patricia Tapia más inspirada de todo el álbum. Una balada de amor preciosa y sensible pero no sensiblera ni ñoña, con una magistral letra de Txus di Fellatio. El estribillo pone los pelos de punta, no sólo por la técnica necesaria para llegar a esos agudos como si nada, sino por la preciosa melodía. Como dice RafaBasa, tendría que haber sido el single. Opinión un tanto radical a la que me sumo, puesto que sería la manera más impactante para presentar el disco, con una de las mejores baladas escuchadas en los últimos años. Poesía pura.
9.- Mi tumba llora por ti. Más metal de la vieja escuela, con otra letra de di Fellatio y el solo pentátonico y muy clásico de Carlitos, ambos compañeros en Mägo de Oz de Patricia Tapia. Pese a ese regusto a antiguo, recuerda a lo mejor del metal de aquella época. Un buen tema con un dramático estribillo y unos excelentes coros.
10.- Despertaré. Los sonidos modernos vuelven a hacer acto de presencia. El bajo y el teclado arropan unos riffs de guitarra contundentes sobre los que Patricia vuelve a sacar la garra metalera de los dos primeros temas. Tenemos incluso uno breve solo de batería. Otra canción que en directo promete olas de headbanging entre el público.
11.- Nada que ocultar. Otro comienzo medio industrial y electrónico con un bajo que parece tocado a tapping y sobre la que transita la voz. Cuando pensábamos que iba a entrar la artilleria pesada, lo hace una linea de cello sintetizado. Lo cierto es que salvo el solo de guitarra del final, te quedas con las ganas de escuchar algo rockero. No puede considerarse una balada, puesto que el sentimiento que transmite no es tal, pero el extraño ambiente y su tempo lento hacen que sea la canción más experimental del disco. ¡Genial!
12.- Acércate. Todo el grupo entra in crescendo hasta que en el 0:40 un tremendo falsete de Patricia da inicio al ritmo de la canción. Los elementos electrónicos de teclado y de la linea de bajo dan un aire diferente al tema (sobretodo en el estribillo), pero los dos guitarristas están ahí para demostrar que sigue habiendo rock en cada pasaje. La cantante muestra una excelente técnica cantando muy alto sin despeinarse, y arropada por unos muy buenos coros. Buena manera para despedirse.
Sin duda alguna, este “Irrompible” es un magnífico trabajo. En este enlace podéis escuchar una entrevista hecha por RafaBasa a Patricia en noviembre -a propósito de la salida del disco-, y en ella reflexionaba sobre los dos caminos que KHY podían haber tomado: pop o metal. No creo que KHY hubieran tirado hacia el pop; en todo caso podían haber “ablandado” y comercializado su sonido hacia terrenos más hard rockeros, más hacia el trabajo de Patricia con Nexx. En este caso han tirado hacia sonidos muy duros, con mucha rabia. No obstante, todo indica que el sonido o estilo KHY no está definido del todo. En este disco tenemos sonidos eléctrónicos, acercamientos al nu metal y guiños al heavy clásico de los 80. Así pues, habrá que esperar a una nueva entrega.
De todas formas, hay mucho y bueno para destacar en el álbum. En primer lugar está la producción: por momentos suena muy americano y salvo los temas de corte más ochentero, todo apunta a una apuesta por sonidos alejados del tradicional power metal europeo, con los que priori podría compararse. En segundo lugar está el gran nivel exhibido por todos los músicos. Es difícil destacar a alguien, pero lo haría con Pedro Díaz “Peri”. No sólo demuestra nivel y creatividad, sino que además la producción y la composición le ha beneficiado enormemente ya que el bajo tiene mucha presencia en la mezcla y hay bastantes momentos en que cobra protagonismo frente a las guitarras. Algo de agradecer ya que es habitual escuchar discos de heavy metal y no poder captar ni una nota de bajo. Y en tercer lugar, la voz. Es una lástima que en los dos primeros temas (y para mi gusto de los mejores) Patricia se muestre tan plana cantando. Me explico: tiene garra y canta en un registro agudo muy complejo, pero el hecho de ponerse en modo heavy “cabreada” hace que no saque los matices que en muchos otros temas saca, como “En la inmensidad” o “Cuando se apague la luz”. Sin embargo, temas como estos dos que acabo de citar, demuestran que estamos ante una de las mejores voces del panorama rockero nacional.
Siguiendo con más puntos destacables, es necesario hablar de las letras. Es habitual escuchar letras incomprensibles, ya que parece que muchos compositores necesitan sacar en todo momento a su poeta interior, llenando el tema de metáforas y rimas de difícil comprensión. Una cosa es usar apropiadamente el castellano y otra escribir una poesia abstracta que cueste de entender. Hay que tener en cuenta que una canción dura tres o cuatro minutos, que tiene un riff pegadizo, que tal vez haya un solo de guitarra tremendo, que te veas sorprendido por la habilidad del batería… si a todo esto tienes que ponerte a descifrar la letra, no hay duda de que éste va a ser el elemento de la canción en que menos se fije el oyente. En cambio, la gracia de este disco es que pese a lo elaborado de las letras, es muy sencillo captar el mensaje. Prácticamente todas las letras de “Irrompible” tienen un mensaje que emociona pero que entra a la primera. Y por último, sería necesario mencionar un aspecto extramusical altamente interesante, y es la imagen promocional de la banda. Lejos de una imagen hortera o muy agresiva, KHY y Patricia Tapia muestran un look, rockero, moderno y con cierta clase (y las mechas lilas de Tapia son geniales).
Lo que esta claro es que si Patricia sigue manteniendo este nivel de compositora y se sigue rodeando de músicos de este nivel (aunque un poco de estabilidad en este sentido no estaría de más), no hay duda de que KHY pueden ser una banda de referencia en el metal europeo.
Para finalizar, os recordamos que las próximas fechas son:
3/02 (teloneados por Perfect Smile) – Sala Live – Madrid
4/02 (teloneados por Leaves) – Sala Mandra 2 – L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona)
10/02 (teloneados por Blast Wave) – Sala Doka – Donostia
11/02 (teloneados por Mister Machin y Pussy Money) – Estudio 27 – Burgos
Como no podía ser de otro modo, Guitar Xperience asistirá al concierto, por lo que el lunes que viene tendréis en el programa el análisis del evento y, por supuesto, la detallada crónica aquí, en esta vuestra web.
Retomamos la programación habitual tras los especiales dedicados a Jorge Salán y lo hacemos dando prioridad a algunas bandas que van a presentar sus trabajos en directo en breve en nuestra ciudad.
Aquí está el enlace del podcast del décimo programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:
Patricia Tapia’s KHY: Principio sin final (Irrompible)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Thomas Tomsen: Sunflickers (Sunflickers)
SECCIÓN NET XPERIENCE: Thomas Tomsen: Child of shadow play (Sunflickers)
Michael Bolton: Save our love (Everybody’s crazy)
Meshuggah: Bleed (Obzen)
Electrocution 250: Fletcher the mouse (Electric cartoon music from hell)
Eric Sardinas: Cherry bomb (Treat me right)
SECCIÓN TEMA SOLICITADO: Fear Factory: Linchpin (Digimortal)
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Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores. Ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente. Por último tenemos el Canal de Classics Xperience que está dedicado a la sección homónima en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, la sección Classics Xperience no ha tenido cabida en el programa del lunes, por tanto su canal no ha sido actualizado).
Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado“¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el 94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.
Noveno programa de la temporada y una entrada con la que finaliza lo que hemos denominado como la “semana y media salanista”. Hoy realizamos, como la semana pasada, otro especial dedicado a Jorge Salán, en este caso, con temas seleccionados por Ivan Macías, nuestro colaborador que no pudo asistir a la edición de la pasada semana. Aprovechamos ambos no sólo para pinchar su música, sino para hablar de las impresiones respecto a Salán y a la entrevista.
También hay que comentar un fallo que tuvimos que sin embargo, hizo que la jugada nos saliera bien: el último tema del programa correspondía a Jose Andrëa y a su disco “Donde el corazón te lleve”, una excelente recopilación de versiones de baladas de grupos clásicos del rock y el metal. Pues bien, anunciamos que el tema a sonar sería “El peso del alma”, versión del “Glory to the brave” de los suecos Hammerfall; sin embargo, el que acabó sonando por error fue “En las olas de tu cintura” (“Love conquers all” de Deep Purple). Decía que la jugada nos salió bien ya que la versión de Andrëa de los Hammerfall tiene una instrumentación mínima con piano y vientos y absolutamente ni una nota de guitarra, y se supone que este era un especial de Jorge Salán en el que explorábamos su música y sus colaboraciones, así que como digo, el error propició que pudieramos disfrutar de una canción en la que sí se escuchaba a Salán. Por tanto, aunque Ivan y yo comentemos en el podcast que vais a escuchar “El peso del alma”, en verdad estaréis escuchando “En las olas de tu cintura” tal y como aparece en el sumario que tenéis un poco más abajo.
Dicho lo dicho, aquí está el enlace del podcast del noveno programa de la temporada # 15 de Guitar Xperience y lista de los temas que aparecieron:
Jorge Salán: Driving through the tunnel (The utopian sea of clouds)
Jorge Salán: Pathways to death (From now on)
FRAGMENTO ENTREVISTA 2
Jorge Salán: What you were (Chronicles of an evolution)
Jorge Salán: Mystic highway (Subsuelo)
Jorge Salán: Mar de cristal (Sexto asalto)
Mägo de Oz: El callejón del infierno (Gaia II: La voz dormida)
Mägo de Oz: Runa llena (instrumental) (Ciudad de los árboles)
Jose Andrëa: En las olas de tu cintura (Donde el corazón te lleve)
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Si sois veteranos ya lo sabréis, pero lo repetiremos a los nuevos oyentes. Acostumbramos a acompañar cada podcast con videos en directo de todas las canciones que han aparecido, y sino encontramos esas mismas escogemos otras representativas del mismo autor, pero intentamos que siempre sean en concierto. Para ver los videos tenemos tres vias. El Canal de Guitar Xperience para casi todas las canciones. ¿Cuales no se verán en el canal? Pues las que se emiten dentro de la sección Net Xperience que es la sección de los nuevos valores. Ellos tienen su propio canal, el Canal de Net Xperience a modo de homenaje permanente. Por último tenemos el Canal de Classics Xperience que está dedicado a la sección homónima en la que damos refugio a todos esos clásicos atemporales de la buena música (cómo podeis comprobar, las secciones Net Xperience y Classics Xperience no han tenido cabida en el programa del lunes, por tanto sus canales no han sido actualizados).
Y como siempre decimos, si quieres hacernos cualquier petición o consulta respecto al programa, ya sabes que puedes hacerlo a través de la sección “¡Habla ahora! (o calla para siempre)”, en el email guitarexperience@hotmail.com y en nuestros perfiles en Facebook y Twitter. Y por supuesto, (tal y como se explica en el apartado“¿Cómo puedes sintonizarnos?” de la columna de la derecha), podréis escuchar Guitar Xperience en directo cada lunes de 23 a 00:30 en el 94.6 FM en Barcelona o via online en Ona de Sants-Montjüic y en su versión podcast cada miércoles en este mismo lugar.
Aquí tenéis la segunda parte de esta entrevista. Seguimos hablando con Jorge de mil y un temas y el ambiente fue en todo momento distendido y relajado, pese al frío reinante. Pero es un gustazo charlar con alguien tan afable y que a la vez tiene las ideas tan claras. Con vosotros, Jorge Salán.
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AS: Habla un poquito de tus colaboradores.
JS: Precisamente queria buscar que este fuera el disco más personal posible. Siempre he invitado a varios cantantes en mis discos, pero esta vez no me apetecía. Quería cantar todas las canciones por mí mismo para darle una tónica general desde la primera hasta la última canción. El único colaborador que hay es Carlos Tarque -el cantante de M-Clan-, que ha escrito la letra en “Sinfonía subterránea” pero tampoco ha cantado en el álbum.
Como músicos están Fernando Mainer al bajo, Carlos Expósito a la batería, Edu Brenes, etc. Digamos que son los mismos músicos con los que llevo trabajando desde hace diez años. Sigo trabajando con un grupo de personas igual que en los directos: tengo una banda de seis o siete personas con las que curro hace mucho, pero como son músicos que tienen muchos otros proyectos y tocan para muchos artistas de pop conocidos en este país, si coincide que están de gira con ellos pues llamo a otra persona pero siempre dentro de este grupo de seis o siete personas.
AS: ¿Y lo de que “Sinfonía subterranea” sea tan funky”? ¡Es que es un tema sorprendente!
JS: ¡A mi me gusta el funky! No soy un músico de un solo estilo. Me gusta todo tipo de música. Me gusta el blues y de hecho ese es otro proyecto que tengo pensado hacer algún día: tener una banda de blues y grabar un disco entero. También sé que es un tema muy distinto y por eso está al final del disco junto a la versión de El Último de la Fila. Son los dos temas que cierran el álbum porque son como los que rompen la temática estilísticamente hablando que llevaba el álbum. Pero creo que es un gran tema con las influencias que tengo de Jamiroquai y de la vena más funky de Toto.
AS: Y luego está la versión de El Último de la Fila, que por cierto, era muy rockera en su versión original.
JS: Sí, no era tan cañera y con tanta guitarra y distorsión como la que hemos hecho en este disco pero sí que El Último de la Fila es un grupo que me encanta desde que sacaran aquel disco llamado “Nuevo pequeño catálogo de seres y estares”. Y el tema “Canta por mi” me parece de las mejores canciones que se han escrito en nuestro país. Quise buscar un tema de alguien que me hubiera marcado y no fuera un grupo de rock. No me apetecía un grupo de rock para hacer algo parecido al original. Cuando hice “Dedication” de Thin Lizzy en “Chronicles…” me ceñí al original porque me apetecía meter ese tema y meterlo parecido a lo que había pero en este quería darle un toque personal, hacerlo más eléctrico.
IM: Aunque tu estilo se centra en el rock incorporas elementos de estilos como el blues. ¿Escuchas música de este estilo?
JS: ¡Por supuesto! Me encanta el blues. El otro día escuché el disco “The Healer” de John Lee Hooker, que es un disco que escucho bastante. Veo mucho mucho blues en YouTube de artistas como Johnny Lang. Hace poco estuve escuchando toda la discografía de Robert Johnson, bueno, solo son dos discos pero la tengo en una presentación de lujo. Realmente me encanta. A mis alumnos siempre se lo digo, que sin blues es muy difícil que toques rock con feeling, con sentimiento, porque todo viene de ahí y creo que es fundamental.
Me encanta el blues y bueno, ¿qué decirte?, el primer disco que me saqué cuando aún no tenía una guitarra eléctrica sino una acústica electrificada fue “Blues alive” de Gary Moore. Me lo saqué de oído. Durante un año entero no hacía más que tocar ese disco con trece o catorce años que tenía, para que veas que el blues me ha marcado mucho.
IM: Te ha marcado mucho, sí. Supongo que te pusiste triste con la muerte de Gary Moore.
JS: Muy triste. Fue una noticia realmente…
IM: …sorprendente, ¿no?
JS: Sorprendente. ¡Joder, que tenía cincuenta y ocho años! ¡Podía haber dado por lo menos veinte años más de carrera! Hubiera sido un B.B. King. Hubiera sido un tío que hasta los ochenta y pico, o hasta morirse hubiera seguido tocando. Y fue perder a uno de los músicos más grandes que ha dado la historia. Al principio leí la noticia y tardé como un día en asimilar que… ¡joder, que se ha muerto Gary Moore! Fue un bajón. Estuve de bajón toda una semana entera.
AS: A mi también me pegó un bajón. ¡Tenia que actualizar la web y tardé como tres o cuatro días porque no quería sentarme a escribir la necrológica! Nadie se lo esperaba.
JS: Fue un palo.
AS: Y aparte de que todos los que hemos empezado a tocar y tenemos más de treinta tenemos como referencia a Gary Moore.
JS: Por supuesto. Para mi es el ejemplo de lo que es un músico, ya no un guitarrista. Es un tio que te canta de la hostia, toca la guitarra, te hace temazos, etc. Es capaz de hacerte un solo de blues y emocionarte, es capaz de hacer un solo de heavy metal en discos como ”Run for cover” o “Victims of the future”, que precisamente esa canción creo que tiene uno de los mejores solos de la historia de la guitarra eléctrica y… bueno, realmente se murió uno de los grandes.
AS: Y ya que estamos, hablando de evolución, has comentado lo de ese futuro proyecto de blues rock, pero con el tiempo muchos guitarristas de metal o de neoclásico han ido pasando a terrenos más de fusión o progresivo. ¿Has pensado en hacer un cambio así?
JS: No. Nunca voy a ser un guitarrista de fusión o de jazz. Nunca voy a decir de repente que ahora sé que el jazz es la mejor música y el rock ya no tiene suficiente nivel para mí. A mi siempre me ha gustado el jazz. Cuando estuve en Berklee estudié mogóllón de jazz y antes de ir ya había estudiado mucha armonía de jazz. Lo controlo y si me pasas standards sé improvisar sobre ellos, pero no es un estilo que yo sienta en el corazón como para ponerme a hacerlo. Creo que lo mío es el rock, creo que es lo que mejor se me da hacer y para hacer jazz ya va a estar muchísima gente que lo va a sentir mucho más que yo al hacerlo.
Una cosa es que a mi me encante la música y otra cosa que pueda hacerlo con sentimiento. Lo mío es que me des un amplificador, subirlo a tope y tocar con distorsión. Eso es lo que tengo claro que voy a hacer. El blues y el rock es lo que a mi me llega, lo cual no quita para que aprecie el jazz, lo estudie y siga formándome en ello o darme el gusto algún día de hacer un tema jazzero. Porque por ejemplo, en el tema “Sinfonía subterránea” tienes cambios de 2/5, de tensiones y cosas que he metido de cuando estudié mucho jazz, pero nunca voy a ser un guitarrista de jazz al uso ni de fusión.
AS: Hay un tema tuyo que apareció en “Subsuelo” que nos encanta personalmente: ”Radio rock”. Entendemos que es un homenaje a las emisoras que no pinchan radiofórmula, que pinchan un poco música más auténtica, con lo cual en cierta manera nos sentimos bastante honrados. ¿De donde te vino esta idea?
JS: Ese tema lo escribió el presentador Juan Pablo Orduñez “El Pirata”. Escribió esa letra. Él fue el que tuvo esa idea. Me llamó y me dijo “oye, tengo esta letra y quiero que hagas la música para un proyecto que tengo en mente, para un disco que va a salir a la venta…”. Al final aquel proyecto se quedó estancado y El Pirata me dijo “pues mete este tema en tu disco como un bonus track, como un regalo para tus fans”. Y así acabó “Radio rock” en mi disco. A mi me gusta esta letra porque tiene mucho de lo que es hacer una radio rockera; transmite mucha energía y potencia y la escribió él. O sea que la idea vino de El Pirata.
IM: De primera mano de un locutor auténtico.
AS: ¡Mítico!
JS: Eso es. Es un tío de la hostia. Yo le quiero mucho y realmente me regaló esta letra para ese disco.
AS: Hace tiempo, algunas veces que no estaba en plan vago y decidía ir a las siete de la mañana al gimnasio, siempre sintonizaba Rock ‘n Gol en el Mp3 y era un gustazo estar corriendo escuchándolo. ¡Empiezas el día con energía!
JS: Sí, él tiene esa característica. Otros presentadores de radio no la tienen. Escuchas su forma de hablar o de transmitir y es que cuando acaba su programa sales con buen rollo porque te transmite mucha energía, y más si es a esas horas de la mañana.
IM: Digamos que tu trayectoria ha sido bastante positiva y te ha ido bastante bien hasta ahora. ¿Puede que te empieces a plantear que te gustaría colaborar con algún músico en especial?: “pues mira, me haría gracia colaborar con este bajista o este guitarrista”. ¿Con quien te gustaría colaborar? Imagino que con Steve Vai o Satriani.
JS: ¡Sí, seria la hostia tocar algo con ellos! Sí me gustaría colaborar mucho con Glenn Hughes. Es uno de mis cantantes favoritos. Bueno, ¡CREO QUE ES LA VOZ! Lo máximo que puedes ver hoy en día en directo de un cantante y sí que me gustaría colaborar con él en algún trabajo. Y si pudiese ser con Steve Vai… hmm… me lo pensaría, jejeje.
IM: ¡Jajaja! Le harías una audición a él, ¿no? ¡A ver si está a tu nivel!
JS: Le haría una audición, eso es.
AS: Ahora que hablas de Glenn Hughes, supongo que Black Country Communion te gustará.
JS: ¿Black Country Communion? ¡Por supuesto! Con Joe Bonamassa. De hecho tienen un tema llamado “One last soul” que me parece de los mejores temas que he oído ultimamente. Escucho mucha música y precisamente venía a esta entrevista escuchando en el coche el “Overnight sensation” de Motörhead, que es una de las bandas que más me gustan. También una colaboración de Motörhead estaría de puta madre.
IM: ¿Y qué te parece el supergrupo Chickenfoot?
JS: ¡Bien! Precisamente es el CD número tres que llevo ahí. Escuché un par de temas el otro día pero no puedo opinar muy bien de este proyecto porque no me he centrado en él. Pero vamos, si sólo han dejado una décima parte de la calidad musical que tienen los que están tocando ahí imagino que será un discazo.
IM: Ahora parece que se estén formando muchos supergrupos de muy buenos músicos por separado que se juntan para un hacer proyecto.
AS: ¿No verías la posibilidad de hacer un supergrupo español? Tampoco se ha hecho nunca aquí.
JS:Puede ser una buena idea, sí. Ahora mismo no tengo pensado nada y no tengo tiempo. Acabo de sacar este disco y durante los dos próximos años voy a centrarme en hacer conciertos y seguir con mi carrera en solitario, pero no descarto montar ninguna banda en un futuro. De hecho, llevamos hablando un tiempo Danny Vaugh -el cantante de Tyketto- y yo de hacer un disco a medias, porque lo que hemos trabajado juntos ha dado un buen resultado. Y es uno de los proyectos que tengo en mente; pero vamos, son solo ideas que no se han llevado a cabo, pero ahí están para un próximo futuro.
AS: Supongo que comenzará en enero gira de “Sexto asalto”, cuando la gente lo tenga bien escuchado. Imagino que el tema de Centroamérica o Sudamérica también lo haréis. Sobretodo por Mägo de oz allí tienes una legión de fans tremenda.
JS:Eso es. Los cuatro años que estuve con Mägo sirvieron para hacer muchos fans de mi música en solitario por allí. Ya de hecho estuvimos tocando en Méjico algunos conciertos con Michael Schenker. Hicimos una gira el año pasado y para finales del 2.012 seguro que estaremos girando otra vez por Méjico y por algunos países más para presentar este nuevo “Sexto asalto”. ¡Ah! Y por cierto, en España sí que hacemos tres conciertos de presentación que son el once de febrero en la sala Ritmo y Compás en el que haremos un concierto de varias horas de duración tocando este “Sexto asalto” al completo. Un concierto con canciones de mis anteriores discos, versiones, etc. O sea, un concierto muy especial. (nota: tal y como acaba de publicar RafaBasa en esta entrada, dicho concierto va a ser grabado para una posterior edición en CD.) Más el veinticuatro y veinticinco de febrero en Sevilla y Valladolid junto a House of Lords.
AS: Muy bien. Hace pocos días RafaBasa te hizo una entrevista. La estuve escuchando anteayer y comentabas que vas a ir en formato trio, batería bajo y tal. Tema de teclados y violines ¿cómo lo vas a hacer?, ¿lo vas a llevar grabado?
JS:Sí. Cuando haya algún motivo en la canción que sea muy importante y que tenga que sonar será disparado, pero en este disco no hay mucho teclado. En esta gira sí que me apetecía ir a trío, hacer algo como lo que están haciendo Richie Kotzen y guitarristas así. Vamos a poner distorsión al bajo y ¡rock & roll! Se trata de hacer eso.
IM: Muy directo, ¿no?
JS: Muy directo. Buscaba en esta gira que sonara a tres tíos tocando en vivo.
AS: Cambiando de tema -esto también lo comentábamos ayer-, los que ya tenemos unos años empezamos a preocuparnos. Nosotros no hemos visto el nacimiento del metal pero nos da la sensación de que vamos a ver su final. Si hoy en día piensas en un referente de heavy metal, de hard rock e incluso de pop, te vienen a la mente grupos que tienen más de sesenta años. No me veo yo a Iron Maiden con setenta o setenta y cinco años tocando, ni a los Rolling Stones, entonces…
JS: Bueno, jejeje, los Rolling ya deben de estar por allí, jejeje.
AS: Seguro. Para mí que ya son clones directamente. En fin, ¿tu cómo ves que no haya realmente un relevo generacional para estas bandas?
JS: Es muy triste. Si escuchaste esa entrevista lo dije. Me parece muy bien que se siga apostando por las bandas de siempre, pero ya cada vez es más habitual oír sobre no sé quien deja tal grupo, o sobre la última gira de Judas Priest o la de Scorpions. Y eso es ley de vida. Como dices, ya son gente que van rozado los sesenta años o incluso algunos más. Lemmy no sé cuantos tiene y en cinco o seis años que eso es ya, que es un chasquear de dedos, esos grupos no van a estar tocando. Entonces si no apostamos por gente que estamos ofreciendo discos como el que estoy sacando o muchas bandas nuevas ofreciendo rock de calidad… Sino se nos apoya evidentemente todo tiene fecha de caducidad. Pero no es porque no haya nuevos valores en esto del rock. Claro que los hay, y hay creatividad, pero no se apoya como antes. Me gustaría ver si a día de hoy, si tuviera que salir un Eric Clapton o un Muddy Waters, si tuviera que salir Tina Turner o todos esos artistas tan grandes que hemos conocido, me gustaría saber a donde llegarían, porque parece que ahora todo se compra con dinero, no con talento. Ahora cualquiera graba discos. Antes grababan discos los que tocaban y los que cantaban. Ahora cualquiera puede ir a un estudio y hacerte sonar más o menos bien tu voz, por eso es importante ir a ver los directos de las bandas y ver sin son capaces de tocar lo que graban.
En este sentido creo que hay muchísimos músicos y mucha creatividad, pero lo importante es que llegue a la gente y que se apoyen las carreras de los artistas. No es lo mismo sacar un disco que apoyar la carrera de un artista, ya que eso significa invertir, verlo a la larga, seguir promocionándolo y convertirlo en un artista de renombre porque tiene un trabajo de varios años de duración. Y eso es lo que se está perdiendo. Esperemos que esto cambie.
AS: Ahora viene la parte aburrida de la entrevista.
IM: Temas técnicos y guitarrísticos.
JS:Jejeje.
IM: Imagino que tienes una rutina diaria de práctica. ¿A qué dedicas más tiempo, a practicar escalas, acordes, composición, ejercicios, etc.?
JS: De todo. Hay veces que… hombre, ahora mismo dedicándote a esto profesionalmente y en que estoy produciendo discos de otra gente, con mis propias giras y algunos días a la semana dando clases de guitarra no paro. Y entonces no tengo el tiempo para mí que me gustaría para seguir estudiando como cuando estuve en Berklee por ejemplo. Pero sí que hago de todo. Hay días en los que puedo sacarme un solo de Bonamassa que me ha gustado. Hay otros en los que recuerdo teoría y empiezo a ver voicings de acordes y cosas así.
IM: Vas variando.
JS:Sí, voy variando. Ahora mismo con todo el lanzamiento, las entrevistas y todo eso llevo dos semanas sin tocar, entonces ahora me pondré otras dos semanas a técnica para recuperarme un poco y desoxidarme. Es un poco lo que ir viendo lo que necesitas.
IM: Claro, lo que vas necesitando en cada momento.
JS:Eso es.
AS: ¿Con qué técnica te sientes más a gusto? ¿Púa, sweep picking, ligados, tapping, etc.?
JS:Yo creo que lo mejor se me da es la púa-contrapúa. En eso sí que tengo facilidad y siempre la he tenido, y es lo que suelo explotar en algunos casos. El tapping y la púa-contrapúa se me dan bastante bien respecto a otras técnicas de guitarra.
AS: Y sobre lo que comentabas en referencia a que hiciste un seminario de tapping muy intensivo allí en Berklee, ¿no has pensado en introducirte en el tapping polifónico a lo Stanley Jordan o tapping monofónico tipo Daniele Gottardo o Dave Celentano?
JS: No he pensado nada, pero a lo mejor me da un día por ponerme ahí con ocho dedos y cosas de esas, jeje, pero no lo sé. A lo mejor me viene alguna idea a la cabeza en la que tengo que usar eso y tendré que sacarlo. No descarto nada. Todo lo que sea técnica y aprender cosas nuevas evidentemente bienvenido sea.
IM: ¿Hay algún tema que una vez lo hayas compuesto hayas dicho “¡ostia! esto es demasiado difícil para tocarlo en directo”? ¿Y que luego digas “voy a frenar el estilo o la dirección de esta composición para poder tocarla en directo”?
JS: No, precisamente hago lo contrario. Es decir, yo compongo un tema sin preocuparme de la dificultad que sea, y si luego tengo que estudiarlo hasta sacarlo lo voy a estudiar. Es ponerse. Todo se saca. Es ponerse a ello. Evidentemente lo que hay grabado en mis discos está dentro de mis posibilidades, porque sino no podría ni grabarlo ni en el estudio. En estudio tienes recursos, puedes pinchar tomas, etc., pero lo que tocas es lo que tocas. Si hay algún solo que ha sido muy complicado lo que hago es sacármelo, currármelo hasta poder bordarlo, claro.
AS: Hablando sobre esta primera maqueta, la de la foto espectacular… luego la escaneamos y la colgaremos porque seguro que mucha gente no la ha visto, jeje. A ver, nuestro programa Guitar Xperience precisamente hace tres semanas que cumplió quince años…
JS: ¡Quince años!
AS: …y claro, en este tiempo aunque sea un programa de muchos géneros diferentes, tocamos música muy técnica. Durante todos estos años hemos escuchado a auténticas bestias, pero realmente me sorprende que a día de hoy sigue siendo uno de los debuts más espectaculares que he visto nunca. Da la sensación escuchando luego el resto de tus discos de que has evolucionado a nivel de composición, de voz, tocas con más limpieza, con más soltura, etc., pero tampoco veo una diferencia técnica muy exagerada. ¡Es que realmente era la polla! La intro de “Running free” por ejemplo, tiene cientos de videos en YouTube de gente que la imita.
JS: Sí, lo sé.
AS: ¿Y tu crees que has evolucionado mucho o es que realmente te frenas un poco en los discos para no soltar a la bestia que llevas dentro?
JS: Sí, por supuesto. No me freno. Lo que hay allí es lo que he querido que quede. Sí que he mejorado mucho. Si oyes el sonido de la guitarra de “Utopian” no tiene nada que ver con el sonido cálido a válvulas y con mucho tono que tiene ahora. Hay una gran diferencia en gusto… ¿Técnicamente? Es cierto que en aquel disco ya tenía técnica y tocaba muy rápido como dices, pero he mejorado yo creo que en feeling y conocimiento y sonido de guitarra.
AS: ¿Había cosas en ese álbum que dijeras que no voy a ser capaz de sacarlo, que no lo voy a tocar nunca?
JS: ¿En qué disco?
AS: En la maqueta. O sea algún lick, algún solo, algo que dijeras que no lo ibas a poder tocar nunca.
IM: Yo creo que se lo curra todo para poder tocarlo.
JS:De hecho cuando grabé esa maqueta no había estudio de grabación. Lo grabé en casa en un cuatro pistas en las que no había posibilidad de pinchar tomas y lo que está ahí es lo que toqué.
AS: No, pero no me refiero tanto a esas canciones, sino a lo que tu escuchabas en ese momento y solos de aquella época. Algo que dijeras “¡no lo voy a hacer nunca!”, ¿sabes?, y que ahora digas “mira, lo hago como si nada”.
JS: ¡Ah sí! Evidentemente ya no es que no puedas hacerlo nunca, lo mejor es que me preguntes si puedo tocar un sweeping de Frank Gambale que sea muy difícil de tocar. A lo mejor si me pongo horas y horas sí, pero nunca lo voy a tocar como un especialista en sweep picking como es él. Aquí de trata no ser capaz de tocar otras cosas sino de tocar tu estilo bien. Eso es lo difícil. Porque ¿cuantos guitarristas hay que toquen “For the love of God” bien? A mi me encantaba tocar ese tema y lo hice en directo con veinte años porque disfrutaba tocándolo, pero que toques el tema “For the love of God” como Steve Vai no significa que seas Steve Vai, ¿no? Lo primero es que crees tú un tema así de la nada. Lo importante es crear cosas que merezcan la pena y hacer buenas canciones.
(Dicho y hecho. Adjuntamos los siguientes tres documentos. Terroríficos o adorables, según se mire)
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¡Qué entrañable! Hace siglos que no veo un CD 8X.
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IM: ¿Por qué elegiste la marca Ibanez para tocar? ¿Quizás por la influencia de guitarristas que la usan, como Steve Vai, Joe Satriani o Vinnie Moore en sus principios? ¿Fue por esto o por qué tuviste alguna colaboración especial con la marca?
JS: No, simplemente me compré una marca sin tener contacto con la gente de Ibanez. Me la compré con dieciocho años o así, no me acuerdo bien, y fue la guitarra que encontré en aquel entonces con la que más a gusto estaba. Ahora utilizo Mayones que son las guitarras con las que más a gusto estoy ahora. De hecho ahora tengo una Mayones nueva que me han hecho a medida, que es custom, y es el mejor guitarrón con el que he tocado nunca.
IM: ¿Pero vas a seguir tocando con Ibanez?
JS: No, en principio ya me he centrado en Mayones. En los discos sí que uso varias guitarras: Gibson, Stratocaster para varias partes funkys, etc. En las grabaciones uso muchos tipos de guitarra pero en directo no he encontrado una guitarra que se ajuste más a unas necesidades que la Mayones.
IM: Es muy polivalente, ¿no?
JS: Sobretodo para el estilo que yo toco. Igual se la pasas a un guitarrista de jazz y no se identifica con ella, pero para el estilo que practico me viene muy bien.
AS: ¿Y en tema de amplificación que marca prefieres?
JS:Ahora llevo Big Tone que es un amplificador increíble. Se puede meter la gente en bigtone.com o algo así, no me acuerdo como era exactamente la web (nota: San Google sí se acuerda:www.bigtone-amps.com), pero es un amplificador que han hecho unos amigos míos de Valencia y ese amplificador va a arrasar cuando lo escuche la gente. “Sexto asalto” está grabado con el amplificador Big Tone y ahí tienen una prueba de como pueden sonar los solos de guitarra con ese amplificador. Realmente es un peazo de ampli.
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AS: Y otra pregunta técnica, ¿en que técnica (aunque supongo que será a púa-contrapúa) eres capaz de tocar más rápido y a cuantos bpm’s?
JS: ¿Qué técnica soy capaz de tocar más rápido y a cuantos bpm’s? ¡Joder macho, pues ni puta idea!
IM: La pregunta del millón, jeje.
AS: O sea, ¿te has puesto con el metrónomo a ver hasta cuanto llegas?
JS: No sé, depende de si son tresillos, seisillos, semicorcheas, no lo sé, jeje.
IM: No te mides la velocidad a la que tocas, ¿no?
JS:No, aunque es importante obligarse y decir que si ahora mismo tengo el límite a 130… mis alumnos me preguntan que cómo puedo hacer para mejorar la púa-contrapúa y tocar más rápido, y yo les digo que aunque te salga mal ponte a 140 y luego vuelves a 130 y parece que te cuesta menos, y eso es una forma de ir superándote por puntos.
AS: No sé si has oído hablar de un guitarrista llamado Tiago della Vega.
JS: ¡Uff! Yo prefiero ponerme un disco de Bryan Adams o AC/DC, así de claro.
AS: No, si realmente es un coñazo de video.
JS: No lo he visto.
IM: Esto de los récords como que no va contigo, ¿verdad? ¡Jajaja!
JS: No, no me interesa, no estoy en ese rollo para nada. Me gustan las canciones, me gustan los buenos discos, me gustan que me transmitan y me cuenten historias, y de hecho, creo mis discos no tienen nada que ver con ese tipo de historia. Incluso cuando en mis primeros discos hacía temas instrumentales, tampoco eran instrumentales de demostrar todo lo que sé. Creo que tenían fundamento. Pero cada vez estoy más alejado de ese mundo. No me gusta.
AS: Y ahora llegamos a la última pregunta más que nada porque empieza a ponerse el folio en blanco, con lo cual es que ya acabamos. La última pregunta que siempre hacemos es… (redoble de tambores) LA PREGUNTA PUTA:
¡DEFINE A JORGE SALÁN!
JS: ¡Jejeje! ¡Define a Jorge Salán! Bueno, pues simplemente es un músico que cree en lo que hace, que hace música de verdad y de corazón. Y no sé… que la gente que esté escuchando esta entrevista que al menos le de la oportunidad a este nuevo “Sexto asalto” que creo que es lo mejor que he sacado. Que lo juzguen por ellos mismos, que se quiten de encima los complejos de que puede ser música para músicos o para guitarristas porque no es así: son canciones que cuentan historias y espero que lo juzguen ellos mismos.
AS: ¡Pues muchísima gracias! ¿Quieres apuntar algo más, Ivan?
IM: No, sólo agradecerle a Jorge Salán por permitirnos esta entrevista.
JS:A vosotros.
AS: Y sobretodo en este día tan frío. ¡No sé aquí, pero los de Barcelona consideramos esto frío!
JS: ¡Jejeje! Sí, es frío. Esto sí que es frío.
IM: Y desearle también mucha suerte en tus futuros proyectos.
JS:Muchas gracias.
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IVAN MACÍAS & ALBERT SANZ
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PD: Todas las fotos que acompañan las dos partes de la entrevista han sido extraídas del perfil en FaceBook de Jorge Salán (excepto las de Gary Moore y Mägo de OZ extraídas de sus respectivas webs oficiales). Todos los derechos pertenecen a sus respectivos autores.
Y tras diez minutos para el consabido cambio de backline y la colocación de dos pancartas a los lados que mostraban media cara de Tapia (algo inútil, puesto que los mismos músicos las tapaban al ser el escenario de pequeñas dimensiones), salieron a escena los KHY, o lo que es lo mismo, Patricia Tapia (voz), Óscar Pérez (batería), Jaime de la Aldea (guitarra solista), Juan Guadaño (teclados y coros) y los nuevos fichajes, Javier Sane (bajo y coros) y Juan Sánchez (guitarra rítmica y coros). Comenzaron fuerte, con una descarga de metal moderno como son los temas “Principio sin final” y “Entre cristales” que sonaron seguidos, y continuaron con un exhaustivo repaso a sus dos discos. “Sin ti”, “En la inmensidad”, “Promesas olvidadas” o “Despertaré”, y las versiones de “El violín del diablo” de Mägo de Oz y “Beat it” de Michael Jackson hicieron las delicias del público que llenó el aforo sólo al cincuenta por ciento de la sala (algo desgraciadamente típico en Barcelona), pero que devolvió al grupo toda esa energía en forma de continuos aplausos y gritos de admiración, dirigidos muchos de ellos en especial a su menuda vocalista. No tuvimos ni a Fran ni a Carlitos de los Mägo de invitados ni interpretaron nada de Metallica como en el concierto del día anterior en Madrid, pero aún así el set-list fue excelente. Otro tema destacable fue “Cuando se apague la luz”, un momento de lo más emotivo. La que es una de las mejores baladas de los últimos tiempos nos puso la piel de gallina con la interpretación y el feeling que mostraban Patricia a la voz y Guadaño a los teclados. Lástima que la jodieron los 
Pese a todo, también tuvimos parte negativa y vino dada por el sonido. En los dos primeros temas escuchábamos mejor los coros que a la propia líder. Por fortuna esto duró nada más que esas dos canciones. Bajo y batería sonaron perfectos, con una gran pegada y definición. El teclado también sonó de manera aceptable, pero las dos guitarras sonaron flojas, en especial la de de la Aldea. Vamos a ver, en los ritmos se les oía, pero los dos guitarras de Leaves sonaron con mucha más potencia y nitidez, y aquí no. Pero lo de los solos de Jaime ya fue de escándalo. Algunos se oían demasiado fuerte, otros muy flojos, pero la mayoría directamente si no le mirabas no te enterabas de lo que estaba haciendo. Una pena.
