Entrevista: Richie Kotzen

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    Como colofón a esta serie de entradas dedicadas a este gran ex shredder y fusionero y reconvertido a hard rockero, os traemos la entrevista en su versión transcrita. Si no tienes tiempo para escuchar el podcast del programa del lunes, ahora podéis leer la entrevista.

    Tal y como comentamos en dicho programa y en la crónica del concierto, debido a una serie de contratiempos, el tiempo adjudicado para la entrevista se redujo dramáticamente. Por lo cual ni pudimos someterlo a la batería de preguntas que teníamos preparada, ni hacerle ni una sola de las preguntas que oyentes/lectores nos habían mandado. Y esto es una pena, porque por primera vez, el cuestionario de preguntas de oyentes ha tenido un marcado carácter internacional: desde Alemania, pasando por Brasil, USA y por supuesto España.

     A diferencia de la «versión vocal» de la entrevista (que siempre es preferible), aprovechamos los recursos multimedia disponibles e ilustraremos las diferentes preguntas con algunos videoclips relacionados con éstas.

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Albert Sanz (en adelante AS): Encantado Richie de que estés en Barcelona. Eres uno de los principales guitar heroes de la historia del hard rock, así que intentaremos hacer una entrevista un poco corta (desgraciadamente) pero también nostálgica, por tanto te preguntaremos sobre algunos de tus trabajos que consideramos más destacables.

Primera pregunta. Hace aproximadamente un año entrevistamos a Vinnie Moore y le hicimos unas preguntas sobre un tema que siendo un programa sobre guitarristas nos interesa mucho, que es el mundo de Shrapnel Records y Mike Varney. ¿Cómo fueron tus inicios en Sharpnel en los 80? Háblanos un poco de Mike.

Richie Kotzen (en adelante RK): Lo que puedo decir de Shrapnel Records es que cuando estaba en el instituto empecé a trabajar en mi disco en ese momento y para mi Mike Varney fue un logro. Realmente quería estar en ese sello porque en ese momento realmente marcaba el standard para guitarristas que tocaban en el estilo que yo tocaba. 

Haber firmado por Shrapnel no fue algo horrible, si yo hubiera querido firmar con cualquier otro sello de guitarra no significaría los mismo que haber firmado con Shrapnel Records. En aquel tiempo era como una garantía de calidad. Ellos te ponían en un cierto club de tíos en el que en aquel momento era un club del que molaba para formar parte. Naturalmente, yo como joven adolescente, quería estar en ese club por lo que recuerdo haber trabajado muy duro con mis demos intentando firmar con este sello y de hecho lo conseguí; grabé tres discos inicialmente para Shrapnel y fue una gran oportunidad para mí porque me permitió ser conocido en un sello internacional, me sacó de una pequeña ciudad al mercado mundial, por lo que estoy agradecido de haber trabajado con Mike y haber firmado con él. Realmente me abrió todas las puertas, fue la puerta inicial que abrió todas las demás oportunidades.

Todavía somos amigos hasta hoy.

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AS: En el 94 cambiaste a Geffen y grabaste “Mother head’s family reunion”. Este disco marca el inicio de tu carrera en el hard rock y blues rock. ¿Qué sentiste al fichar por el mismo sello en el que estaban Elton John, B.B. King, Aerosmith o Guns & Roses?

RK: ¡Fue muy excitante! Algo interesante que la mayoría de la gente no sabe es que yo firmé con Interscope antes de firmar con Geffen. Después de terminar con Sharpnel yo firmé con Interscope. Ellos querían hacer el disco que yo hice cuando grabé el “Mother head’s…”, pero desgraciadamente estaba en un punto en mi vida en el que era un niño para hacer ese disco, yo no quería hacer un disco R&B, yo quería hacer un disco en solitario, por lo que terminaron dejándome. Después de dejarme firmé con Geffen y tras un tiempo decidí hacer un disco de rock. Ese fue un disco muy divertido de hacer en un momento excitante musicalmente teniendo un gran contrato y en el que estaba muy emocionado.

Por desgracia, es muy típico en el negocio de la música que desde el momento en que firmé hasta que el disco se completó, pasó quizás un año. Todo cambia en el negocio de la música, el tío que me hizo firmar para Geffen marchó y básicamente ellos terminaron el disco pero me dijeron que no lo iban a promocionar; lo masterizaron, editaron unas cuantas copias, las colocaron en las tiendas y no lo promocionaron para nada. Eso enterró el disco porque se centraron en otras cosas y otros estilos de música Fue una situación triste para mí, la primera experiencia de desilusión; trabajar duro y no ver los resultados que esperaba… esto cambió mi percepción sobre todo. Realmente sólo puedo hacer aquello que puedo controlar y lo que controlo es tocar los instrumentos, cantar las canciones, escribirlas, grabarlas, etc. Todo lo que está detrás no puedo controlarlo y no me preocupa. No puedo preocuparme de ser famoso o ser conocido, todo esto no es realmente importante ¿Por qué estoy en la música?, ¡porque me encanta!, porque es parte de mí, por lo que todo esto hace que sea más fácil ser músico y disfrutar del proceso.

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AS: En tu carrera hay discos como “Change” o “The road” en los que te has decantado por un rock muy americano, con raíces de folk, soul e incluso countrys y canciones muy intimistas. ¿Querías mostrar la faceta del Kotzen más cantautor y menos rockstar?

RK: No, yo no me preocupo de mostrar nada a nadie. Honestamente, cuando hago un disco o compongo música la última cosa en mi mente es «¡oh, voy a demostrar esto o voy hacer esto otro». Realmente es solo algo por lo que es escrito, eso es por lo que escribo. Tengo muchas influencias, cuando escuchas mis discos puedes oír diferentes cosas de una canción a otra porque probablemente he escuchado mucha música. Lo importante es mi sonido, la forma de cantar, la forma de tocar la guitarra… todo soy yo, pero no voy a decir “ohh, voy a mostrar a la gente como hago esto o lo otro”, no me interesa eso. Es más como “¡eh!, escribí una canción la última noche que se llama “Change”, voy a grabarla hoy». Si me gusta la incluyo en el disco si no me gusta ya no la escucho. ¡Es así de simple!

Iván Macías (en adelante IM): Sí, así viene más natural.

RK: ¡Claro! Creo que para la mayoría de gente que escribe canciones es la forma en que sucede. Hay gente que escribe canciones del tipo de fórmula pop que tienen otro tipo de forma de arte porque saben como estructurar una canción para ciertas personas y ciertas emisoras de radios. Yo sé como hacer esto también pero no lo hago con mi música porque mi música está hecha casi como por una razón terapéutica: es para mí mismo y soy afortunado de que a otra gente le guste, porque ese es el motivo de que pueda tocar para ellos y tener un público.

A mi, si no me gusta una canción y no estoy conectado a ella se me hace muy duro tocarla.

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AS: Una cosa que destaca en tu carrera siempre han sido los videoclips que se han rodado para tus canciones, que son muy elaborados. Hay uno que destaca porque el look, la manera de moverte o el decorado incluso no tiene absolutamente nada que ver ni con la canción ni con tu carrera musical. Estamos hablando, claro está, de “Wave of emotion”. ¿De quién fue la idea de convertirte en una popstar mainstream?

RK: ¡Jajaja! Sí, entiendo que me preguntes sobre el video, pero no entiendo eso de popstar mainstream porque no es popstar mainstream, más bien es como un estilo travesti, yo diría. Cuando miro atrás y pienso en ese video… pienso que fue un jodido desastre porque recuerdo que estaba entrando en época algo glam. Yo estuve en la banda Poison, una banda de glam rock, por lo que obviamente hay un elemento glam en mí. Sobre el video en sí, la idea fue de un amigo mío fotógrafo, un gran fotógrafo, pero él no había rodado ningún un videoclip antes y queríamos hacer un video musical. Así que él construyó esa caja y dijo que bailara y tocara dentro. También está mi mujer revolviendo sus zapatos. Al final del día, después de ver todas las escenas pensé que había sido algo malo para mí. No fue un gran video y no salió muy bien.

El problema… el auténtico problema con los videos en general es que nunca he estado en la posición de tener un presupuesto de verdad para hacer un video musical. Son siempre a base de favores y esa clase de cosas… o hacerlo por ti mismo, y cuando estás en esa situación la posibilidad de hacer algo y fallar es muy alta. Cuando la gente me dice  «ponme algo de tu música» lo primero que hago es NO ponerles «eso», siendo «eso» una cosa que ojalá no hubiera hecho porque es jodidamente horroroso. Entonces pensé que era guay, pero no sé en qué estaba pensando.

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AS: Por último, hay dos discos a destacar por originales. Uno es el “Ai Senshi ZxR”, disco de anime rock en el que homenajeabas al manga y anime “Gundam”, que recuerda bastante al Marty Friedman más actual, y «Vertú”, con aquel supergrupo de Stanley Clarke. Háblanos de ellos.

RK: Otro error. Odio ese jodido disco, ¡es horrible! Ese no es un disco mío, no es un disco de Richie Kotzen. Es un disco que salió sólo para Japón como promoción a los dibujos, esas no son mis canciones.

IM: Como un proyecto aparte…

RK: ¡Exacto! Es como “¡ohh! tenemos estas canciones japonesas y queremos hacerlas con un estilo americano», y entonces ellos lo sacaron en una campaña para promocionar los dibujos. Para eso fue. Ese no fue un disco mio en solitario.

(Nota del autor: Como bien dice, hicieron una campaña de promoción del anime apoyándose en la música de nuestro protagonista, pero teniendo en cuenta que en Japón hablar de «Gundam» (conocida en España como «Robotech») es hablar de algo tan importante para su cultura como «Dragon Ball» o «Mazinger Z», intuyo que aunque reniegue de ese disco, la promoción debió ser brutal, con lo que eso conlleva en dinero ganado. Así que tan error no debió ser, y para colmo es un buen álbum.)

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IM: El otro es «Vertú».

RK: Sí, ¡me encanta! Estábamos yo, Stanley Clark, Lenny White, Rachel Z and Karen Briggs, es como un disco de jazz fusion.

IM: ¿Estás satisfecho con este disco?

RK: ¡Claro! Ese disco para mí fue una auténtica experiencia de aprendizaje porque esos chicos están en otro estilo para mí, están muy lejos de mí, pero me encantó aprender de ellos, tocar con ellos. Estuvo muy bien.

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    Y hasta aquí llegó la entrevista. Breve, demasiado breve, y más teniendo en cuenta la dilatada e interesante carrera que tiene, y las anécdotas que podría llegar a contar de algunas formaciones en las que ha estado. También resulta ser una lástima esa brevedad, y más cuando te encuentras que tras el increíble músico que ya conoces, se halla una persona sencilla, directa y hasta divertida, muy alejada de la imagen seria que por alguna extraña razón se le presupone. Pero es lo que hay, detrás nuestro teníamos otro medio que quería entrevistarlo y todavía tenía que calentar la voz. Así que allí lo dejamos, deseándole suerte en el concierto y esperando que pueda repetirse la entrevista.

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    Recordamos, por si os habéis despistado, que la cobertura del concierto y entrevista se ha dividido en los siguientes enlaces:

• Videografía época shred y fusionera.
• Videografía época hard rock y blues rock.
• Crónica del concierto.
• Podcast con EL AUDIO DE LA ENTREVISTA y el CONCIERTO ÍNTEGRO.
• Entrevista transcrita (de esto no ponemos enlace porque ya estás en él).

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    Y una vez más, agradecemos a Xavi Estríngana de Etin Produccions la atención dispensada para poder cubrir el concierto y realizar la entrevista.

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TEXTO ARTÍCULO: Albert Sanz
TRADUCCIÓN ENTREVISTA: Iván Macías y la colaboración de Daniel Higuera.
FOTOS: Albert Sanz e Iván Macías.

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